Musica Cubana

Veneración

2011-08-11T11:45:00.001-07:00

Quienes deseen adentrarse en la cancionística santiaguera, deben necesariamente remitirse a Veneración, el álbum triple que Bis Music produjera el pasado año y que se llevara el premio especial de la Feria Internacional Cubadisco 2011.
Los productores José Manuel García Suárez, Eddy Cardoza López y Gonzalo González lograron reunir en los Estudios Siboney de Santiago de Cuba, a solistas y agrupaciones de la ciudad, para que interpretaran obras de compositores reconocidos de esa región oriental.
Es Veneración entonces una antología de versiones que toca a la urbe cubana en un punto cardinal, en uno de los valores por los que más se distingue: su música. Acercarse al fonograma es como recibir una fina y renovada Tristeza, de Pepe Sánchez, ahora vocalizada por Los Guanches; o esa mágica interpretación de Oye mi conga, que compusiera Miguel Matamoros y que nos devuelve el Septeto Ecos del Tivolí; y acabar disfrutando del conocidísimo Cuidadito Compay gallo, de Ñico Saquito, esta vez en las voces del Septeto Sanluisero.
No se quedan fuera autores contemporáneos como Cándido Fabré, del cual el grupo Azabache ha seleccionado el tema La fórmula; Rodulfo Vaillant, de quien el Septeto Contemporáneo escogiera Fue mi reloj; o José Aquiles, que interpreta su Estampa No. 2ª Santiago.
El volumen inicia una serie de proyectos fonográficos de Bis Music con la música santiaguera.
Pero ha sido la trilogía una de las iniciativas más ambiciosas de la disquera en 2010. En 39 temas y la participación de igual número de artistas, sobresale la calidad interpretativa y una exquisita selección de las obras.
Algo para destacar también resulta que la canción grabada por cada grupo o solista forma parte de su repertorio, de ahí que son vivos reservorios de una memoria melódica que trasciende a la nación.
Reinaldo Cedeño resume en las notas discográficas el espíritu musical de la ciudad y con ello fue merecedor del premio Cubadisco en ese apartado. Cedeño, con más de 20 años de experiencia profesional en el periodismo cultural, afirma que ningún “santiaguero puede obviar nuestra musicalidad e historia”, y fue con tal premisa lo escribió allí.
Con presupuestos estéticos logrados y con un coherente concepto para la selección de las piezas, Veneración es una auténtica joya que muestra la universalidad de la sonoridad santiaguera. Tanto es así que se demuestra desde la décima Ciudad, de Gabriel Soler, declamadas al inicio por Luis Carbonell; hasta las pinturas utilizadas para el diseño gráfico y que pertenecen a los artistas José Julián Aguilera Vicente, Antonio Ferrer Cabello y Miguel Ángel Botalín.
Como un “fonograma de excelencia”, que por su calidad y lo que representa constituye “aporte para la discografía nacional”, lo catalogó en la presentación del CD la musicóloga Nerys González Bello, presidenta del jurado del Premio Cubadisco. Mas, la mayor reverencia de este álbum es precisamente a una ciudad que mantiene viva en sus calles, teatros y parques, las composiciones de sus hijos más ilustres.

¿Una steel band en El Cobre?

2011-08-01T11:43:00.000-07:00

Con un repertorio netamente de música popular bailable e incursiones en obras pe3rtenecientes a los clásicos del pentagrama universal, la Steel Band de El Cobre genera asombro entre quienes asisten a sus conciertos.
Fue en un electrizante encuentro de bandas similares propiciado por los organizadores de la 31 edición del Festival del Caribe en Santiago de Cuba –celebrado en esa ciudad a inicios de julio-, que escuché por primera vez a la singular agrupación.
En esa ocasión y utilizando como escenario al Parque Céspedes, se midieron tres grupos: las steel band Habana, la de El Cobre y una procedente de Trinidad y Tobago.
Guiada por Hermes Ramírez, músico experimentado y con más de una década como bajista de la orquesta santiaguera Chepín Choven, es hoy el grupo del oriente cubano una de las formaciones musicales que más sobresale gracias al dominio de sus sui generi instrumentos.
“Es una de las cosas más importantes que me han sucedido en mi carrera artística, confiesa a Hermes Ramírez. Nosotros, con un instrumento desconocido aquí, hacemos la música cubana con la misma fidelidad que la sale de cualquier orquesta. Al pueblo le gusta y, si es así, es porque está bien hecha”.
Creada en la década de 1980 en el poblado donde se ubican una de las minas de cobre más añejas del continente, la steel band tuvo en el escritor e investigador Yoel James Figarola, a su principal impulsor. Además, como asegura el colega Amado de la Rosa, contó con “la colaboración de especialistas de Trinidad y Tobago, país caribeño donde existen más de 200 bandas de ese tipo”.
Para Hermes Ramírez, el éxito de la banda está precisamente en la selección del repertorio. “Los temas los tomamos de lo que se mueve con mayor popularidad, de lo que trasciende, la música antológica, como el Ave María de Shubert, o las canciones de Benny Moré, las baladas norteamericanas, los danzones y los mambos, que no han pasado de moda.
“El secreto está en elegir muy bien la música para que no se canse el oído humano. No tocar un solo género y así siempre nuestro público estará a la expectativa de qué vendrá después”.
—Recientemente se celebró en Santiago de Cuba un encuentro de steel band como parte de las actividades del 31 Festival del Caribe. ¿Qué piensa de que en Cuba se desarrollen eventos este tipo?
-Se realizó por primera vez. Me pareció fabuloso, porque nos ha demostrado en que nivel nos encontramos los cubanos. Aprendimos de la banda trinitaria y ellos de nosotros. Se estrecharon los lazos de amistad entre ambos países”.

El mandato de Bamboleo

2011-07-30T14:31:00.000-07:00

A lo cubano y con los aires contemporáneos de nuestra sonoridad, Bamboleo desliza ¿Quién manda?, su última producción discográfica facturada por la disquera Bis Music en 2010.
En una decena de temas, el grupo liderado por el pianista Lazarito Valdés propone a los bailadores un producto que reverencia claramente a la timba, estilo que ha defendido desde la fundación del grupo en 1995.
“Este disco ha pegado desde mucho antes de salir”, afirmó Valdés en la presentación del CD. Y es cierta su afirmación. Se acabaron los guapos en La Habana, La domadora, La flor del mambo y La que manda, gozan una amplia preferencia entre los bailadores.
“Es un álbum que ha tenido muchísima aceptación, a pesar de que ha salido un poco tarde”, explicó Lazarito. “Pero la gente lo tiene y lo consume, aunque ya estamos introduciendo números de nuestro próximo disco”.
¿Quién manda? contó con la producción musical del propio Valdés, quien fue el autor de la mayoría de los títulos del CD. En ese apartado aparece solo otro compositor, Freddy Marving, con Esta es mi timba y Quiero jurarte.
El volumen, que tuvo como invitado al trompetista Alexander Abreu, exhibe un coherente trabajo de fotografía hecho por Nacho Vázquez. Así, se percibe en las instantáneas el intercambio de la orquesta con su público en lugares concurridos de La Habana.
Ricardo Monnar acopla, en un ejercicio impecable de diseño gráfico, la idea de la popularidad presentada en las fotos, y confeccionó con ingenio la portada, la contraportada y los interiores.
Con una nominación a la Feria Internacional Cubadisco 2011 en la categoría de mejor álbum de música popular bailable, ¿Quién manda? cumple esa eterna máxima de que “el bailador se sienta bien”, como aseguró Lázaro Valdés.
Para él es grato saber que aunque surjan nuevas corrientes musicales, “la gente todavía se acuerda del son, de que existe la timba y la rumba y dejan un espacio para los que hacemos este tipo de melodía”.
Piensa el pianista que el son es eterno, por eso adelanta que el nuevo disco en el que está inmerso la orquesta sigue “la misma idea del anterior y está atemperado a los conceptos de la música actual. Pues nosotros tenemos una demanda del público sobre lo que se está pegando ahora. Tendrá una proyección (de géneros) bastante amplia, desde baladas, cumbias y reguetón, entre otros estilos”.
Valdés, quien ha alternado su carrera como salsero con el jazz, confesó que constantemente está preparando temas en el género oriundo de Nueva Orleáns. “Si por mí fuera, siempre estuviera grabándolo”, señaló.
Esa dualidad le ha aportado muchísimo, como también el haber grabado el disco Boleros por Delia (Bis Music), dedicado a su abuela y en el que participaron los cantantes Omara Portuondo, Coco Freeman y Angelito Bonne; y el pianista Frank Fernández, entre otros artistas.
Bamboleo no ha estado alejado de ese y otros proyectos. Por eso siempre que se le pregunta a su director, ¿quién manda en la música popular?, suele responder que la sonoridad cubana.

Escuchando al Septeto Santiaguero

2011-04-19T14:48:00.000-07:00

Una de las propuestas interesantes que la Feria Internacional Cubadisco nomina a sus codiciados premios es la del Septeto Santiaguero. Ellos contactan con Música Cubana desde Europa gracias a la comunicación electrónica. Alden González Díaz, integrante del grupo, nos expresa su satisfacción por los reconocimientos que cosecha en la Isla el disco de la agrupación Oye mi son santiaguero.
-Saludos cordiales desde la fría Europa. Nos hemos levantado con la excelente noticia de que nuestro más reciente disco ha sido nominado al premio Cubadisco 2011”, teclea Alden.
Oye mi son... fue facturado por la disquera Picap y compite en la importante categoría de música popular tradicional en un evento que reverencia precisamente al son cubano. Allí se medirá con propuestas no menos interesantes, como las de El Brujo del Tumbao y su Charanga Iré con Llegó la cubanía (El sótano de
Amanda) y María Ochoa con Si se forma el guateque... (EGREM y Estudios Siboney).
Alden, a vuelta de correo electrónico, explica que “esta nominación, que para el Septeto Santiaguero es de por sí un premio, coincide con la repercusión que ha tenido la presentación oficial del disco en
Madrid durante esta semana”. Deja entonces el artista varias direcciones de páginas web con la amplia repercusión de los músicos santiagueros en la Península. “Igualmente hay que destacar el éxito de la gira primaveral, en la que nos ha acompañado en los primeros conciertos el maestro Reinaldo Creagh. A sus 92 años, Reinaldo también participa en el disco Oye mi son santiaguero”.
En la fotografía que nos hizo llegar, tomada en un concierto en Finlandia, se describe la energía que expide la agrupación oriental acompañada del carismático Reinaldo Creagh, de quien dijo el rotativo finlandés Helsingin Sanomat el pasado 29 de marzo que “llevó al concierto un sentimiento melancólico del son original”.
Una de las referencias de las actuaciones de esta formación musical en la promoción de su álbum Oye mi son santiaguero la destaca la prensa española. Alden lo menciona: “una reseña del disco fue publicada en el periódico El Mundo -uno de los más prestigiosos de Europa-, en su edición impresa, por José Manuel Gómez, uno de los periodistas musicales más importantes de su país y autor de la Guía esencial de la salsa”.
Fundado en 1995 en Santiago de Cuba por Fernando Dewar, es sin dudas el Septeto Santiaguero uno de los grupos que lleva en su hacer lo más tradicional de nuestra música, sin olvidar poner allí un aderezo de nuestra sonoridad más contemporánea.

Canciones citadinas de Raúl Paz

2011-03-21T15:33:00.001-07:00

Raúl Paz disfruta de transitar por La Habana y tomar allí sus historias. Luego las convierte en canciones y las musicaliza con ese estilo muy propio. “A mí me gusta caminar por La Habana, por Pinar (del Río)...”, asegura.
Habanización, su nueva propuesta discográfica, resulta una total reverencia del cantante a Cuba y a los cubanos. Lo acaba de confesar en el concierto que ofreciera el pasado sábado 19 de marzo, en el Teatro Karl Marx.
Ese fue el escenario justo para mostrar los temas de su nuevo disco y la razón por la que emprende desde esa cita habanera, su periplo internacional. “En realidad me dije que el día que iniciara una gira internacional por Cuba, me cortaba el pelo”, bromeó el autor de las canciones Revolución y Mamá.
Paz se tomó más de una hora para deslizar los títulos de su álbum. Lo nombró Habanización o Habanization “porque yo creo que nos hace falta hacer puente, abrirnos al mundo y que el mundo se abra a nosotros”, dijo Raúl a sus seguidores.
Aunque no especificó cuántos sencillos contiene el fonograma, si denotaron como posibles éxitos Que te vaya bien, Aire y Este carnaval, esta última muy seguida ya por el público.
No dejó en esta oportunidad Raúl Paz de interpretar letras suyas que han calado en sus seguidores y así, con un sello muy personal, recordó sus discos anteriores.
Si repasamos la carrera artística de Paz podremos apreciar que desde su natal Pinar del Río, datan los primeros atisbos de lo que sería en el futuro. Estudió violín y guitarra. Confiesa que fue a los 10 años cuando compuso sus primeras canciones y “me auto proclamé artista”.
“Creé mi primer grupo de rock, escribía historias fantásticas, montaba obras infantiles de teatro, animaba una emisión de radio, tomaba cursos de danza y terminé viendo a un psicólogo. Luego mis padres me convencieron que la música era solo una ilusión y me volví estudioso de las ciencias en una escuela para chicos inteligentes, pero no funcionó”*, explica Raúl en la biografía que publica su web oficial.
Cuenta allí que a los 17 se fue de casa con destino a La Habana y “después de varios meses de locura, me aceptaron en el Instituto Superior de Arte. Estudié teatro y canto. Descubrí la música clásica y el jazz, y encontré profesores que cambiaron mi vida. La música seguía siendo una ilusión cada vez mas grande, por suerte para mí”.
A Paz lo vimos en 1990 en la película del gran director de cine Fernando Pérez. En Hello Hemingway, Raúl comparte actuaciones con Laura de la Uz.
Su obra musical está muy influenciada de los lugares adonde ha hecho estancia, como Uruguay, Argentina y Brasil. También es fuerte su conexión con la Ciudad Luz. “Un día llegué a París y me gustó ver tanta gente diferente. Me inscribí en la Schola Cantorum (de París) donde estudié canto y armonía y me apasioné de la música europea del siglo XX”, señala.
El cantante ha tenido el honor de estar en escena junto los percusionistas Angá Díaz y Tito Puente, y con El Canario, Luis Enrique, entre muchos otros artistas.
Entre sus álbumes destacan Mulata (2003), Blanco y negro (2000), Revolución (2005) y así hasta sumar su octavo, Habanización. Pero indudablemente para Raúl Paz es un placer que todas estas canciones sean tarareadas por los cubanos, su "publico natural". De ahí que fuera un lujazo verlo nuevamente el pasado sábado, en el Karl Marx.
*Todas las declaraciones de Raúl Paz y la foto han sido tomadas de su biografía, ubicadas en su sitio www.raulpaz.net

Maykel Blanco y Salsa Mayor: Música cubana que hala multitudes

2011-03-14T15:59:00.000-07:00

He escuchado con atención cuando los grandes soneros de Cuba confiesan que su obra siempre está pensada para el bailador, para los que disfrutan al compás de la clave y de esa herencia sonora que viene de Lilí Martínez, de Ñico Saquito y de otros tantos que han marcado a la música popular criolla.
Ahora, cuando llega a mí la primera producción de Maykel Blanco y su Salsa Mayor, licenciada en la Isla por Bis Music y presentada recientemente en el Centro Cultural El Sauce de La Habana, compruebo nuevamente esa máxima dicha por Juan Formell, Adalberto Álvarez y otros tantos soneros, muy seguidos por los que gustan de la salsa.
Es que Maykel Blanco apuesta con Soy lo que te hala (Bis Music, 2010) por esos conceptos melódicos heredados de antaño y los combina con lo más contemporáneo en esa materia.
En diez sencillos, todos con letra de Blanco, se muestra el cumplimiento del legado, pues al decir de Maykel busca su inspiración en “lo que veo, lo que oigo, lo que está pasando en la calle”.
Al preguntársele sobre sus objetivos musicales, no vacila el artista en contestar: “Con mi orquesta hago música para el pueblo y me interesa mucho el argot popular. Trato de cuidarme de la chabacanería. Siempre pienso que tengo que cuidar lo que hemos logrado y pensar que existen distintos públicos, por eso trato de colocar mi música al centro para que pueda llegar a las personas”.
De ahí que su fonograma tenga ingredientes infaltables en este tipo de melodía, como los montunos fáciles de aprender y una cadencia sonora contagiosa y lista para bailarla.
Entre los temas que se tratan sobresalen con fuerza los de amor y hay una insistencia en hablar de la felicidad y de la relación de pareja. Destacan allí canciones como Publícalo y Se acabó el amor.
Se aprecian en el volumen también influencia de la salsa internacional, aunque se palpa un predominio de lo nuestro. Blanco señala que para lograr productos musicales de este tipo ha bebido entre otras muchas fuentes, de grandes de la Nueva Trova como Silvio Rodríguez y Pablo Milanés, y de ese changüí que revolucionó a la década de 1950 en nuestro país.
El número que da título al álbum es una suerte de cierre con broche de oro del CD. Ubicado allí quizá porque resume el sentir de Salsa Mayor, Soy lo que te hala es el tratado de la orquesta sobre la música que hacen, que defienden y definen como cubana.
Orquestado, producido y dirigido musicalmente por Maykel Blanco, el disco cuenta con la presencia de Alexander Abreu, ese gran trompetista y director de Habana de Primera, como único invitado del CD.
Se observa un sobrio diseño de Ricardo Monnar, quien para esta ocasión escogió planos fotográficos cerrados del líder de Salsa Mayor, como sucedió con la portada donde la imagen tiene como fondo a la bandera cubana.
Maykel Blanco tiene a su haber otras cuatro producciones fonográficas, todas grabadas con disqueras foráneas. Con su primera agrupación, nombrada Suprema ley, realizó dos discos e igual número de entregas posee con Salsa Mayor, agrupación a la que se integró en 2004.
Desde su entrada en la agrupación, apunta, hizo “cambios en el concepto musical que estaba llevando el grupo e incorporé a nuevos artistas”.
Ahora solo le resta a Maykel Blanco la empresa mayor: lograr que estas composiciones prendan en el público nacional y extranjero. Para ello asegura que visitará Europa en este 2011 en su gira de invierno, luego hará lo mismo en Colombia y Estados Unidos.
Precisa que “en la Isla estamos inmersos en una gira por los barrios. Ya nos presentamos en Pogolotti y en el Cerro (dos barrios habaneros)”.
El concierto para presentar Soy lo que te hala será en el Salón Rosado de La Tropical al regreso de los compromisos internacionales del grupo. Sin dudas, un buen momento para disfrutar en vivo de este contagioso decálogo de canciones.

Honores a nuestra música desde Rouen

2011-03-03T17:26:00.000-08:00

Ópera de Rouen. Foto: Tomada de la web deRadio Rebelde

A inicios de enero, músicos de la prestigiosa Ópera de Rouen se presentaron en la Isla, compartieron con estudiantes de la especialidad y se permearon, por una semana, de la sonoridad cubana. De ese tiempo conservo el contacto con uno de los integrantes de la agrupación de Alta Normandía, Francia. Su nombre es Lester Chio y es un artista cubano.

A vuelta de correo electrónico el joven clarinetista me comenta que el pasado lunes, la Ópera celebró un concierto en la ciudad para destacar su estancia en la Isla. "Una maravilla de encuentro, con un publico muy entusiasta y que nos hizo revivir los formidables momentos que pasamos en Cuba con nuestro proyecto común. Un granito de arena en las relaciones culturales y de amistad entre los dos países", señala Lester.

Chio adjuntó un cable de la agencia Prensa Latina, presente en la actuación de la orquesta en el Theátre des Arts, y que manifiesta que en la presentación se interpretaron obras de Beethoven y la Gran Partita, de Mozart.

"La ciudad de los 100 campanarios, como la llamó Víctor Hugo, capital de la región de Alta Normandía, sirvió de escenario a la velada a la cual asistieron como invitados especiales diplomáticos de la embajada de Cuba en Francia", destacó PL.

"El embajador cubano en Francia, Orlando Requeijo, destacó la calidad de la educación musical en Cuba, gratuita y popular, así como el acceso general del pueblo a la cultura y las artes. Asimismo agradeció esta iniciativa que demuestra el enorme potencial que existe aún por desarrollar entre los dos países. La actividad, que concluyó con la ejecución de la popular Guantanamera, contó con la presencia de Bruno Bertheuil, vicealcalde de Rouen y consejero general del departamento de la Seine Maritime", sentenció la agencia de noticias.

La aritmética de Pi 3,14 en dos conciertos

2011-02-28T18:14:00.001-08:00

No estuvieron presentes todos los invitados que intervienen en el disco Pi 3,14, pero no importó. Al público le bastó con la presencia de los protagonistas: Buena Fe. Fueron dos conciertos, distribuidos entre viernes y sábado último, en los que el lenguaje utilizado por el dúo, devenido banda también, caló profundamente en los asistentes al capitalino teatro Kar Marx.
Pi 3,14 resulta ser una coordenada circulada, simétrica que apunta hacia los diferentes teoremas de la vida cotidiana nuestra. Así una amplia gama de textos, que toman su esencia de la contemporaneidad, se esparcen en los doce temas que reúne el fonograma, presentado a finales de diciembre por la EGREM y que tuvo el pasado fin de semana la prueba de fuego para un espectáculo en teatro.
Aunque la gira realizada por Buena Fe en enero pasado fue un buen momento para compartir las canciones, ha sido ese concepto de dominio del escenario el que ha impresionado a quienes asistieron al coliseo habanero.
Diría solo que en este aspecto, los líderes de la banda podrían haber explotado mucho más la ritmicidad que tienen sus propios temas y aprovecharlo para desplazarse hacia todos los ángulos de la escena.
Pero fue la acogida de las canciones lo que distinguió la velada, si tenemos en cuenta la corta existencia de Pi 3,14, basados en la fecha de su presentación. Desde los asientos llegaban al escenario solicitudes para que se interpretara Despedida, el sencillo que grabara Buena Fe junto a Pablo Milanés, quien no pudo asistir al concierto, sin embargo fue válido el recurso que utilizaran un karaoke para que fuera seguida la canción.
Mamífero nacional, esa jocosa letra de Israel Rojas, contó con la presencia de Eliades Ochoa. El timbre tradicional de Ochoa y la conjugación de las voces entre los cantantes puso de pie a muchos de los presentes en el teatro.
La relación de Buena Fe con el recientemente fallecido crítico de arte, Rufo Caballero, fue reverenciada con Contracorriente. Mientras, al amor se le cantó con Lotería. Entre los más aclamados estuvieron también Miedos, Todo el mundo cuenta –dedicada a José Martí-, y el que da título al álbum.
Entre los invitados de la noche, Buena Fe tuvo a destacados instrumentistas como el trompetista Juan Kemel y el clarinetista Ernesto Camilo Vega.
Para recordar producciones anteriores, el grupo hizo un collage donde seleccionó algunas de sus letras, como sucedió con esa escena de la vida en las ciudades del interior del país con Parque de provincia, y Soy, entre otras.
En el cierre, la banda se hizo acompañar de un espectacular toque de tambores que combinó con sus sencillos más movidos. Así se despidió, a tono de Fin de fiesta y con ese gran sonido de aplausos que ya se gana Pi 3,14.

Descubirendo a Alexander Díaz detrás de un concierto

2011-02-24T19:01:00.001-08:00

Su voz puede envolver al oído más aguzado cuando en ruta su tono más íntimo. Allí Alexander Díaz (Guantánamo 1971) muestra la influencia del feeling genético que heredó de su padre Nelson y de su abuelo Ángel. Pero va más allá el cantante, pues para batir los encasillamientos se desdobla también al interpretar sones, o busca nuevas maneras entre géneros actuales, para colocar allí su sello.
En su más reciente concierto -una suerte de presentación de la etapa última del artista y donde exhibió los temas de su más reciente disco hecho en México y que facturará Bis Music-, expuso ese desdoblamiento interpretativo .
En hora y media de canciones, Alexander quiso recorrer ese largo camino que ha llevado por la música. Lo hizo a inicios de febrero en el Teatro Nacional. No dejó de evocar en esa velada aquella etapa suya con la orquesta de Isaac Delgado y dedicó especialmente al salsero En el malecón.
Con su padre en escena, el intérprete escogió para reverenciar al feeling que marcó tanto a su familia, ese hermoso tema Palabras de otra de las grandes compositoras cubanas y una de las más destacadas de ese movimiento, Marta Valdés.
Su vínculo con esa manera de componer sobrepasó los lazos sanguíneos y se palpó en 2005 con el proyecto discográfico Tres días de feeling, empresa que compartió, como dijo en el concierto, con artistas de la talla de los cantantes Pablo Milanés y Beatriz Márquez, y el reconocido pianista Chucho Valdés. De ese álbum escogió Boleros entre dos, un sencillo en el cual se hizo acompañar de su hija Alejandra.
Una muestra de la versatilidad del artista para conducirse por otros estilos esa noche fue al seleccionar a los invitados. Junto al saxofonista y líder del grupo de jazz Habana Ensemble, César López interpretó Déjate caer.
El dúo con el cantautor Polito Ibáñez le impregnó la aureola trovadoresca, esa que emanó de Conversando con la luna, uno de las canciones que populariza en la actualidad.
Sin embargo, fue Dame más una de las letras de más fuerza en el escenario. Es que la unión “energética” con David Torrens fue uno de los momentos más aplaudidos.
Y para aquellos que esperaban verlo conectado con los géneros más contemporáneos, Alexander y su sobrino, Michel Delgado, deslizaron Lobos de la misma cacería, un reguetón que mueve a los bailadores sin colar en sus letras frases pedestres.
El recorrido musical de Alexander Díaz abarca sus estudios de guitarra en la Escuela Nacional de Arte, para luego titularse de la Escuela de Superación Profesional. Aunque a los 8 años escribió su primera composición, aún sin dominar la técnica de la guitarra, fue en el grupo Vidrio y Corte, que dirigiera la violinista Martha Duarte, donde introdujo temas de su autoría.
En 1991 integró la orquesta de Isaac Delgado. No obstante, su experiencia con la música popular bailable la completaron su trabajo con las agrupaciones Klimax, Bamboleo y la orquesta de Paulo FG, en todas ellas siempre estuvo como vocalista.
Apreciar el más reciente proyecto de Alexander en el Teatro Nacional ha sido una oportunidad única para palpar su música, esa que gusta de exponer en géneros muy criollos y en otros foráneos, para develar así un mundo de formidables potencialidades interpretativas.

*Imagen cortesía del artista.

Diez años de la Fiesta del Tambor

2011-02-02T17:58:00.000-08:00

Hoy, luego de un mes sin escribirles, inicio nuevamente esta especial conexión con ustedes, los fieles lectores de Música Cubana. Les traigo el tema de la percusión cubana vista a través de un evento singular: la Fiesta del Tambor, que cumple una década como punto de reunión de percusionistas empíricos y profesionales. El importante certamen, organizado por el Instituto Cubano de la Música y la Promotora Musical Ignacio Piñeiro, se celebrará del 8 al 13 de marzo venidero en La Habana.
El percusionista Giraldo Piloto, presidente de su Comité Organizador, nos precisa detalles de la convocatoria del Concurso Internacional de Percusión Guillermo Barreto in memoriam y demás especificidades del evento.
-¿Qué características tiene el concurso?
-El festival se divide en dos partes: una es la etapa competitiva y la otra la de las presentaciones. La competencia tiene alcance internacional. A ella pueden inscribirse todas las personas sin límite de edades. Los participantes pueden ser empíricos o con conocimientos adquiridos en academias de las artes.
“Se competirá en cinco categorías: batería, timbales o pailas, tumbadoras, bongoes y tambores batá. Ya empezamos a hacer recorridos por las escuelas de arte para divulgar esta convocatoria porque muchos de los interesados en participar proceden de estos centros.
“Quiero destacar que dentro del premio se incorporan nuevos atractivos para los ganadores y esperamos contar con más sorpresas.
“El jurado estará compuesto por profesores de la especialidad de percusión, músicos cubanos reconocidos y artistas foráneos invitados al evento”.
-La figura de Guillermo Barreto es recordada en cada edición.
-El Festival está dedicado a ese gran percusionista que fue Guillermo Barreto, quien es considerado uno de los mejores bateristas de todos los tiempos y se puede percibir por las grabaciones que hizo y por las personas que conocieron de su virtud, como Tata Güines, Los Papines y muchos otros.
“Pero también este será el espacio para rendir homenaje a esos rumberos y personas que han desarrollado la percusión cubana.
-¿Cómo contribuyen eventos de este tipo al fomento del estudio y difusión de la percusión?
-Este evento tiene mucha importancia para la percusión cubana, pues ella es la raíz de nuestra música, y de esa manera estamos felices de encontrar en la Promotora Musical Ignacio Piñeiro a un colectivo que se está encargando de organizar todo el certamen.
“uno de nuestros grandes logros ha sido el incorporar a algunos de los participantes destacados en el concurso al sistema de enseñanza artística y también a los grupos musicales”.
-En detalles, ¿qué nos puede adelantar de la Fiesta del Tambor?
-Se realizará del 8 al 13 de marzo. La sede del concurso será el Palacio de la rumba, aunque la gran final la tenemos prevista para el 11 de marzo en el teatro Astral. Adelantamos que podremos ver a los percusionistas participantes en espacios como el hotel Occidental Miramar para los conciertos de latin jazz, y las presentaciones no competitivas en el Teatro Mella, la Casa de la Música de Miramar y el Salón Rosado de la Tropical.
“Allí tendremos un abanico bien grande de actuaciones, como las presentaciones folclóricas y bailables. No faltarán el vínculo de la percusión con el jazz y el de la danza con el tambor. Sin dudas, será una gran fiesta”.

Jazz con Temperamento

2010-12-21T20:20:00.000-08:00

Como las películas es uno de esos sencillos electrizantes que Roberto Fonseca y Temperamento deslizan por la conductividad de su música. Ver al joven pianista y el resto de los integrantes de su pequeña agrupación jazzística es un eterno viaje a lo mejor del jazz latino mezclado con la sonoridad cubana.

Fue el último sábado en el Teatro Mella, durante uno de los conciertos del 26 Festival Internacional de Jazz, que pude apreciar el trabajo de Fonseca. Impresiona en el mismo el esquisito diálogo del piano con la bateria, el bajo y el clarinete y el saxofón.

Dijo sentirse a gusto con su público y dedicó a la gente de su Cuba, Lo que me hace vivir, un tema dinámico y conmovedor que nos recuerda también en nuestras mentes a la Mayor de las Antillas.

Es que Roberto es un pianista excepcional. Su versatilidad lo ha llevado a colaborar con artistas reconocidos como Omara Portuondo en su disco Gracias -merecedor del Grammy Latino el pasado año-, e Ibrahim Ferrer en su CD Mi sueño; con el Guajiro Mirabal y el bajista Cachaito en sus álbumes en el Buena Vista Social Club; además de formar parte de los volúmenes de Javier Zalva (Baritoncha) y el de Angá Díaz (Echumingua) .

Lo que más sorpernde de Fonseca es su capacidad para moldear estilos y adaptarse a ellos con talento. Así sucedió con sus colaboraciones en los discos de los raperos de Obsesión y del folclorista brasileño Carlinhos Brown.

Entre su discografía, que ya supera los seis volúmenes, Roberto también muestra su visión de interpretar y componer, algo que se palpa en las presentaciones en vivo junto a su proyecto Temperamento. Elengó, No limit, Tiene que ver y Akokán, son algunos de sus fonogramas.

El joven artista nació en La Habana en 1975 y como expresa en su web oficial, ha seguido fiel a su principal anhelo desde el comienzo de su carrera: “Quiero que mi música llegue a la gente que no me conoce, y sueño en convertirla algún día en un punto de referencia para mi público…".

La música y el cine

2010-12-10T19:48:00.000-08:00

La bella del Alhambra

Me divierte muchísmo estar en los cines por estos días y ver cómo la música también se convierte en un personaje de la historia. Coincido con Robert Kraft: "no hay mejor música para cine, excepto la apropiada para cada película". Kraft, productor musical, compositor y presidente de Fox Music en Hollywood, ha estado en dos ocasiones en La Habana y en cada una de ellas ha dejado su manera melódica de ver el séptimo arte.

Porque la música, amigos, en una película no puede verse solo en el género específico que ya ha designado el cine, que por cierto deslumbra en con grandes nombres como Molino rojo, Chicago en las representaciones hollywoodenses más recientes, pero también en ejemplos criollos como esa insuperable cinta de Enrique Pineda Barnet, inspirada en el texto de Miguel Barnet (Canción de Rachel), que es La bella del Alhambra o en ejemplos más actuales que se han inspirado en personajes destacados del escenario sonoro nacional, como El Benny (Jorge Luis Sánchez) y Zafiros: Locura azul (Manuel Herrera) que se refiriera a la vida de los populares Los Zafiros.
En estos días de Festival del Nuevo Cine Latinoamericano en La Habana, pudo ser apreciado un filme español ambientado en la capital cubana. Chico y Rita representaba así la escena sonora de la Isla con los aderezos de la buena melodía criolla y lo significativo es que lo hace desde la animación. La recomiendo.

Pero las notas musicales van mucho más allá del musical como género, para conectarse en los largometrajes con el argumento. Ya es imposible imaginarse una película sin banda sonora. Lo demostró el pasado año con un sencillo acto Robert Kraft. El artista motivó a los presentes a la conferencia magistral que impartió en el Festival de Cine de La Habana, primero con pequeñas escenas sin melodías y después las «vistió» con ellas. Ahí se hizo la magia. Robert lleva muchos años en este empeño y son varias las cintas en las que ha volcado su imaginación, para el nada sencillo arte de musicalizar secuencias cinematográficas.
Para lograr un mejor filme hay que saber cómo combinar gustos y adecuar conceptos estéticos. El buen sabor nos quedará siempre. Coincido con Kraft nuevamente: "Si el filme tiene una buena historia y buenas actuaciones, la música fluye". Y son muchos los filmes que recordamos por el tema musical. Ese es un gran mérito.

Música e intercambio

2010-11-26T14:57:00.000-08:00

Dentro de unos días los medios hablaran mucho de este intercambio: el cubano Laboratorio Nacional de Música Electroacústica y la Academia de Música de Berklee de Estados Unidos realizarán un programa conjunto como parte de la próxima apertura del Instituto de Arte y Tecnología de Berklee.

Lo ha divulgado el Laboratorio Nacional de Música Electroacústica y explica en un correo electrónico que visitará La Habana, entre el 27 de noviembre y el 6 de diciembre, el Berklee Interarts Ensemble, agrupación que efectuará un taller junto a estudiantes de composición del Estudio Carlos Fariñas de Arte Electroacústico Musical (ECFAEM) y el Laboratorio Nacional de Música Electroacústica.

Componen el Berklee Interarts Ensemble los estudiantes Kathryn Marie Bilinski, Julia Hite Easterlin, John David Hull y Giuseppe Enrico de Trizio, quienes además están acompañados por el profesor de producción electrónica y diseño del Berklee College of Music, Neil Leonard III.

Igualmente estarán en Cuba directivos de la importante academia norteamericana como el doctor Lawrence Simpson (Vicepresidente Principal para Asuntos Académicos de Berklee College of Music), la señora Debbie Bieri (Vicepresidenta Principal para el Desarrollo Institucional), Roya Hu (Directora de Extensión Universitaria) y la publicista Brenda Pike.

Entre los momentos especiales del intercambio estarán que el concierto de jazz entre alumnos de la Facultad de Música del ISA y el Berklee Interarts Ensemble, el 1ro. de diciembre 4:00 p.m., en la Facultad de Música del Instituto Superior de Arte, además del concierto titulado Nuestro Tiempo, resultado del taller entre los estudiantes del ECFAEM, del LNME y el Berklee Interarts Ensemble, que tendrá lugar el 3 de diciembre, a las 7:00 p.m., en el teatro del Museo de Bellas Artes.

*En la foto músicos estadounidense. Fotografía: Cortesía del Laboratorio Nacional de Música Electroacústica.

Grammy Latinos esta noche, varios músicos cubanos entre los nominados

2010-11-11T15:19:00.000-08:00

Esta noche en la "Ciudad del pecado" será la gran ceremonia de los Grammys Latinos. En el Hotel Mandalay Bay de Las Vegas (Estados Unidos) se conocerán los ganadores de la edición 2010 de los codiciados lauros que reconocen, según aseguran sus organizadores, el trabajo discográfico de los músicos en la parte latina de nuestro continente.

La música cubana tiene una amplia representación 49 categorías en competencia. Músicos residentes en la Isla y otros que desarrollan su carrera artística fuera compiten en varios de los apartados.

Silvio Rodríguez, Leo Brouwer y Edesio Alejandro, el compositor Descember Bueno, el painista Chucho Valdés y las agrupaciones Septeto Habanero y Sierra Maestra.

Silvio está nominado con su disco Segunda Cita, mientras Leo Brouwer lo hace con su Integral cuartetos de cuerda, el Septeto Habanero con 90 años, orgullo de los soneros, el conjunto Sierra Maestra con Sonando ya, Edesio Alejandro con 100 sones cubanos, Chucho Valdés por su participación en el disco El último trago, junto a la española Concha Buika, y el cantautor Descemer Bueno por la autoría de la pieza Cuando me enamoro, escrita junto a Enrique Iglesias y que cantan este último con Juan Luis Guerra.

Igulamente compiten esta noche artistas cubanos residentes en el exterior como Issac Delgado con Love (Calle 54 Records/ Sony Music Entertainment Spain), Arturo Sandoval con A time for love (Concord Jazz), los compositores Tania Leon y Orlando Jacinto Garcia por la presencia de una de sus obras en To and Fro (Innova Recordings), la cantante Lucrecia por Álbum de Cuba y Alex Cuba por Alex Cuba.

A las 8:00 de la noche (hora de Cuba), inciará la ceremonia de entrega de los premios que tiene entre sus favoritos al trío mexicano Camila, el uruguayo Jorge Drexler y el español Miguel Bosé.

Para no perder la capacidad de soprenderse

2010-11-10T19:53:00.000-08:00

La música cubana es sorprendente. En estos días he escuchado dos discos que me han dejado complacida, todos defienden distintas zonas de nuestra sonoridad. Tremenda Isla musical que tenemos. Uno acá no pierde esa capacidad de sorprenderse, de alegrarse con la melodía. Esta vez he escuchado Extremistas nobles, del dueto Buena Fe y el trovador Frank Delgado, y Estaciones, de la cantante Ivette Cepeda.

El primero, según sus protagonistas, es un álbum trovadoresco que rinde tributo a las composiciones del género hechas en la década de 1980 en la Isla. Todos los temas fueron escritos entre Israel Rojas —voz y líder de Buena Fe— y Frank Delgado.

Los temas dedicados al amor y a hablar de nuestras cotidianidades aparecen en el volumen, facturado por la discográfica EGREM este año. La sonoridad es el resultado de la integración de músicos de la banda Buena Fe y la de Delgado. Un concierto gran concierto de estreno de las canciones de Extremistas nobles es esperado este 13 de noviembre en el Salón Rosado de la Tropical.

De Estaciones supe recién ayer martes cuando la representante de la intérprete me hizo llegar la invitación a la presentación del disco. Reconozco que no conocía a Ivette Cepeda hasta hoy. Sin embargo, su manera de cantar y la forma en que se apropia de las canciones captó toda mi atención esta mañana, en la presentación del CD DVD que firma Producciones Colibrí.

Escuchando a Ivette una recuerda a grandes voces femeninas de la cancionística cubana.
En su CD, la Cepeda se auxilió en el destacado músico Rafael Guedes para la producción musical y en el experimentado Lester Hamlet para la filmación del concierto que ofreciera con los títulos contenidos en el disco, en noviembre de 2009 en la sala teatro del Museo Nacional de Bellas Artes.

Tú eres la música que tengo que cantar, de Tony Pinelly, A mi lado, de Pablo Milanés, El sol no da de beber, de Silvio Rodríguez, Recordaré, de Donato Poveda, Ausencias de Liuba María Hevia, Es más, te perdono, de Noel Nicola, y muchas otras hasta completar 17, aparecen en el álbum.

Pienso que ambas producciones fonográficas perfilan el quehacer discográfico contemporáneo y diversifican nuestro panorama sonoro de tal forma, que no nos hacen perder la capacidad de sorprendernos.

Premio al talento

2010-11-02T20:21:00.000-07:00

He estado my alejada del blog, pero ya regreso y con buenas noticias: dos pianistas cubanos resultaron galardonados en el VI Concurso Internacional de Piano María Clara Cullell 2010, auspiciado por la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica.
Según informó el Instituto Cubano de la Música, Daniel Rodríguez Hart fue merecedor del primer premio del certamen en la categoría intermedia (concursantes de 12 a 18 años) y del lauro a la mejor interpretación de la obra obligatoria de Costa Rica.
Daniel cursa el segundo año de nivel medio en el capitalino Conservatorio Amadeo Roldán. Su incipiente carrera ya le ha dado varios frutos como el de presentarse en 2008, con apenas 13 años, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por el maestro Enrique Pérez Mesa. Para su debut tocó el Concierto número 3, de Dimitri Borisovich Kabalesvky. Igualmente Rodríguez Hart ha sido merecedor del Gran Premio a la Excelencia en el VII Festival de Música Latinoamericana 2005 de República Dominicana y el segundo premio en el Concurso Internacional de Piano (2009) de Ibiza, España, entre otros reconocimientos.
Otro joven pianista criollo brilló en María Clara Cullell 2010 de Costa Rica. Fidel Leal Camacho se llevó el segundo premio y la mención del jurado por la mejor interpretación de Beethoven en la categoría superior (hasta los 25 años) del evento.
Fidel estudia el primer año de la especialidad de piano en el Instituto Superior de Arte. En su recorrido artístico trasciende su participación en el CD DVD Mozart en La Habana, en el que intervienen varios pianistas de la Isla y que rindieron homenaje al célebre compositor en el aniversario 250 de su natalicio. En 2004 Leal Camacho obtiene el primer premio en el IV Concurso Iberoamericano de Piano de La Habana y en 2006 se hizo del tercer premio en el Concurso de Piano de la UNEAC.
Al certamen costarricense, con una frecuencia bienal, se han presentado con anterioridad concursantes criollos. En esta ocasión asistieron más de una veintena de noveles músicos procedentes de Bolivia, Brasil, Colombia, Guatemala, México, Venezuela, República Dominicana, Costa Rica y de nuestra Isla.
Fotos: En la primera foto Daniel Rodríguez Hart y en la segunda Fidel Leal Camacho.

Un astro del jazz deslumbrará en La Habana

2010-09-27T16:16:00.000-07:00

Como una gran descarga de buenas energías llegarán los conciertos que ofrecerán a inicios de octubre venidero en La Habana, el virtuoso jazzista norteamericano Wynton Marsalis y la orquesta de jazz del Lincoln Center (Jazz Lincoln Center Orchestra) de Nueva York.
Invitados por el Instituto Cubano de la Música (ICM), Marsalis y la agrupación se presentarán en el capitalino teatro Mella los días 5, 6, 7 y 9 de octubre, siempre a las 8:30 de la noche.
Según divulga el ICM en nota de prensa, el reconocido músico compartirá escenario con destacados cultores del género en la Isla, como el maestro Chucho Valdés.
Los artistas estadounidenses impartirán una clase magistral para estudiantes de música el 9 de octubre, a las 11:00 de la mañana, en el mismo Teatro Mella, y visitarán escuelas de arte e intercambiarán experiencias con colegas cubanos.
Wynton Marsalis, nacido en Nueva Orleans en 1961 e hijo del pianista y jazzista Ellis Marsalis, irrumpió en la escena musical de su país en la década de los 80 con su espectacular forma de tocar la trompeta. Desde su primer disco, Wynton Marsalis (1981), se percibe su peculiar estilo, el cual ha marcado los aproximadamente 50 fonogramas que tiene bajo su autoría. Entre los lauros alcanzados por Marsalis se encuentran nueve Premios Grammys y el Pulitzer que recibiera en 1997 por el álbum triple Blood on the Fields, devenida primera obra jazzística ganadora de ese importante galardón.

Nuestra música en los Grammys Latinos (II): Descemer Bueno

2010-09-23T14:50:00.000-07:00

Si la soledad te enferma el alma/si el invierno llega a tu ventana, /no te abandones a la calma , con la herida abierta./Mejor olvidar y comienza una vida nueva,/Y respira el aire puro,sin el vicio de la duda. /Si un día encuentras la alegría de la vida,/Se feliz, se feliz, se feliz, se feliz...

No me canso de escuchar ese tema. Sé Feliz, interpretado por el gran bolerista cubano Fernando Álvarez, por la cantante criolla Anaís Abreu, por la española Luz Casal, aparecido en la banda sonora de Habana Blue, de Benito Zambrano... En todas las versiones, ha salido una verdad a flote, Descemer Bueno, su autor, es un hombre de una gran sensibilidad y con un mundo interior muy prodigo que lo hace volcarlo en pequeñas historias musicalizadas.

Tanto es así que cuando se escucha ese fabuloso álbum Amor y música, que Kelvis Ochoa y Descemer mostraron hace aproximadamente dos años, gracias a la EGREM, pues una no deja de percibir toda energía positiva de una sincera amistad.

Sin dudas, Descemer Bueno inscribe su nombre entre los mejores compositores cubanos de la actualidad. Ahora se encuentra nominado a los Grammys Latinos, por Cuando me enamoro, un sencillo que compone a dúo con el cantante Enrique Iglesias y que interpretan este último y el reconocido músico dominicano Juan Luis Guerra.
Cuando me enamoro, pertenece al disco Euphoria, y en él Enrique Iglesia ha incluido canciones en inglés y español, además de que ha contado con la colaboración de artistas como Nicole Sherzinger, Pitbull, Usher y Wisin yYandel.
Pero resulta que de Euphoria es Cuando me enamoro el que la Academia Latina de la Grabación ha nominado en la categoría de canción del año. El binomio Iglesias-Bueno compite en ese apartado con Desde cuándo, de los españoles Alejandro Sanz y Tomás Torres; Las calles, del panameño Rubén Blades; Mientes, de los mexicanos Mario Domm y Mónica Vélez; y Una canción me trajo hasta aquí, del uruguayo Jorge Drexler. Solo Mientes es no es interpretada por su autor, pues en este caso la canta el grupo Camila.
Debo decirles que Descemer Bueno ha compuesto para jóvenes cantantes cubanas y sus letras han gozado de popularidad por su intensidad y talento. Recuerdo ahora mismo las versiones de Tu nombre, hechas por Haydée Milanés (aparecida en su disco Haydée Milanés en vivo) y por Diana Fuentes (CD Amargo pero dulce) , que poseen un lirismo y una sensibilidad muy grandes.
Los textos de Bueno son un viaje hacia la exquisitez y al fino ejercicio de componer reflejando sentimientos reales, porque para que una buena canción llegue, solo debe retratar a los seres humanos con nuestras luces, pero también sin nuestros mejores semblantes.

Nuestra música en los Grammys Latinos (1)

2010-09-15T18:16:00.000-07:00

Hoy les propongo acercarnos al tema de la presencia de la música cubana en los premios Grammy Latinos, a raíz de la reciente divulgación de la lista de nominaciones hecha por Academia Latina de las Artes y Ciencias de la Grabación de Estados Unidos (LARAS, por sus siglas en inglés). Es bueno aclarar que nuestra melodía, trascendente por sus matices tímbricos y por géneros oriundos del territorio nacional que se preservan, los cuales son un distintivo en plazas internacionales, no tiene que signarse a la legitimación de un pequeño jurado que pueda decidir qué es bueno y qué no, como patrón de medida, aunque tampoco debieran ceñirse las otras músicas. Si embargo, no desconozco que es distintivo y un incentivo para el trabajo de quienes también han obtenido estos lauros.

Esta vez hay varios cubanos nominados en los diferentes apartados que se premian. En primer lugar se ha divulgado la noticia de la nominación del cantautor Silvio Rodríguez, quien compite con su álbum Segunda Cita en el acápite de Mejor álbum cantautor. Allí también están nominados los cds Cantares del subdesarrollo, del panameño Rubén Blades; Amar la trama, del uruguayo Jorge Drexler; Cruce de caminos, del colombiano Santiago Cruz, María Gadú, de la brasileña María Gadú; y El tiempo del viento, del dominicano Pavel Núñez.

Para Silvio esta es su segunda nominación a los premios, ya que por su fonograma Erase que se era, el autor de Ojalá y La gota de rocío, estuvo compitiendo en la mencionada categoría en la edición del galardón en 2007.

Pero uno de los elementos que más sobresale entre las nominaciones cubanas es que en la categoría de Mejor álbum de música tropical tradicional tengan como referentes a la melodía nuestra o sean fonogramas de artistas de la Isla los que resulten nominados. En este apartado tenemos al Septeto Habanero y su álbum doble 90 años, orgullo de los soneros, comentado en Música Cubana. Allí la agrupación, liderada por Felipe Ferrer, interpreta 26 sencillos del cancionero tradicional cubano, destacando obras de Pedro Ibáñez, Manuel Corona, Gerardo Martínez y Guillermo Castillo —estos dos últimos fundadores en 1920 del afamado grupo. Junto al Habanero compite otra agrupación coterránea Sierra Maestra con Sonando ya, un grupo cultor de la música tradicional de la Isla y que trae este fonograma que de seguro colma las espectativas de sus seguidores.

La huella cubana también se palpa en esa categoría con el disco El último trago, de la cantante española Concha Buika y con la magistral interpretación en el piano de Chucho Valdés. Ese CD fue grabado en abril del pasado año en los Estudios Abdala de la capital cubana y con ello ambos músicos rinden homenaje a la mexicana Chavela Vargas.

Las otras candidaturas en el apartado también dan una muestra de la música criolla con el cd 100 sones cubanos, de varios artistas. En él su productor, Edesio Alejandro recopiló en cinco discos éxitos musicales y un documental que resalta al son cubano.

“Más que un género musical el son es un fenómeno artístico-social arraigado profundamente a la idiosincrasia del cubano, que ha evolucionado dejándose adaptar a cada época por el pueblo y los autores musicales”, ha expresado Edesio al sitio www.descarga.com .
Sarandonga, El que siembra su maíz, Lágrimas negras, El punto cubano y Pare cochero, son algunos de los títulos que contiene 100 sones cubanos. Por último y no menos importante se encuentra el volumen Tributo a Orlando Contreras, El Jefe del Despecho, de Pedro Jesús. Aquí el intérprete, según aparece en el sitio www.descarga.com, rinde homenaje al bolerista cubano Orlando Contreras con temas como En un beso la vida, Sin egoismo y Si yo pudiera. En esta producción se enrolan músicos como Gino Picart (piano), Luis "Jungo" Ortiz (bajo), Elton Reyes (trompetas), Guillermo Hewitt (trombones) y Alberto "Coco" Reyes (coros).

El rostro musical de Moneda dura

2010-09-13T19:06:00.000-07:00

Nassiry Lugo entona Candil de nieve. Rapea, se mueve con soltura en el escenario y propone, con frases rápidas, su versión de la canción de Raúl Torres. Su banda lo secunda a golpe de puro pop rock. El teatro Karl Marx colapsa.
Les sucedió en varias ocasiones la noche en que decidió ofrecer el concierto con su grupo, y sobre todo con aquellos sencillos contenidos en su disco Ojalá (EGREM 2002), álbum trovadoresco que los llevara a interpretar temas de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Amaury Pérez, Gerardo Alfonso y Carlos Varela, entre otros cantautores nacionales.
Moneda dura lo había decidido: despediría la presente cita estival con su música y para ello no escogió una plaza pública y apostó por el reto de actuar en un teatro, donde un convincente juego de luces y una simple y funcional escenografía, también secundó la actuación de la banda.
Pero fue el dinamismo ganado en la escena, que no le permitió perder un minuto entre canciones, uno de los puntos descollantes de la velada, lo cual mantuvo en plena hiperactividad al público, compuesto en su mayoría por adolescentes.
El concierto también fue un buen momento para ponernos en sintonía con las composiciones actuales del grupo. Dos nuevos temas, Algunas enemigas y Caminos infinitos, conectaron a los presentes con lo que será la próxima producción fonográfica de Moneda Dura.
Pero la agrupación, fundada en la Universidad de La Habana en 1997, no dejó a los espectadores aguardando por los éxitos de su autoría. Así cantaron los románticos Al Sudeste y Sin hablar, el sensible Los ojos de Aitana, el irreverente Mala leche, y los de crítica social Callejero y Lola.
Allí como en Luna Negra, Yo vengo de La Habana y otros tantos, la banda mostró una clara referencia hacia la música criolla, pero en la cuerda del rock alternativo, el pop, el reggae y el funk que tanto defienden.
En lo personal, fueron aproximadamente dos horas que me permitieron rememorar a uno de los grupos que marcó a muchos coetáneos en mi etapa adolescente, aunque confieso que en el Karl Marx había un notable número de personas que ya rebasaba ese período de vida.
El público que fue a escuchar a Moneda Dura, puso en clara evidencia que la propuesta de la banda tiene seguidores. La formación musical dialoga con romanticismo sobre vivencias cotidianas con un leguaje juvenil y es un elemento válido. Más de una década ya le da un rostro dentro de la música que enarbolan.

El pianista

2010-08-24T19:10:00.000-07:00

Hoy les propongo hablar de un chico especial. Pude entrevistarlo hace un par de semanas cuando preparaba su concierto en el Oratorio San Felipe Neri de La Habana, presentación de la que ya he comentado en las páginas de Juventud Rebelde.
Pero ahora regreso con mayor información sobre Mario Orlando El Fakih. Muchos a lo mejor no saben que este joven pianista primero deseó ser un gran nadador, al estilo del medallista olímpico Rodolfo Falcón, sin embargo supo darle un giro totalmente distinto a su vida a la edad de diez años. “Un día llegué de la piscina y dije: ‘Mami, ya no quiero tener nada que ver con la natación, ahora lo que quiero es tocar piano”, confiesa el artista a Música Cubana.
Así inició su carrera en la música. Hizo las pruebas para comenzar los estudios de piano, pero a los 10 era un poco tarde para iniciarse en el instrumento. Se decidió entonces por la guitarra y cursó dos años de nivel elemental, pero lo que realmente anhelaba era tocar piano y tuvo esa posibilidad más tarde, cuando aprobó exámenes para nivelarse en él y ponerse a tono con los muchachos que desde los siete años lo estudiaban.
Ahora Mario Orlando es un pianista que gana cada día en mayores conocimientos. Ve en la japonesa Mitzuko Ochida y el cubano Jorge Luis Prats, a sus paradigmas. Se prepara con ahínco para seguirlos. Ha llegado lejos: cursa estudios desde 2008 en la prestigiosa Universidad Mozarteum de Salzburgo, Austria.
Acceder allí fue un reto para el joven artista. “Fue una selección muy rigurosa. Se presentaron alrededor de 70 pianistas y gracias al Instituto Cubano de la Música y el Ministerio de Cultura, pude representar a mi país. Fueron dos exámenes de diez minutos cada uno y el jurado evaluó un repertorio universal.
“Los estudios allí son muy exigentes. La universidad posee un programa extenso que recoge alrededor de 50 asignaturas complementarias que hay que llevar de conjunto con las prácticas como el piano y la música de cámara. Todo se aprende en 14 semestres, aproximadamente siete años de carrera.
“Desde el punto de vista del conocimiento, uno sale Máster en Arte y, desde el punto de vista pianístico y práctico, se gradúa con una formación muy completa”.
-¿Pero no llegaste en “pañales” a Salzburgo?
-Sin la formación cubana no hubiera podido enfrentarme a ese desafío. Estudié en la Escuela elemental de Música Alejandro García Caturla y me gradué del Conservatorio Amadeo Roldán, en abril de 2008.
“En Salzburgo los profesores notan que en Cuba se trabaja muy seriamente y que el repertorio que abordamos, es el que se exige en todos los conservatorios del mundo”.
-¿Cómo te sientes más cómodo, interpretando música popular o clásica?
-Clásica. Es donde he hecho mis estudios y quiero dedicarme a ello como profesional, ya sea en una carrera en solitario o integrando un formato de cámara. Quién sabe en un futuro cuántas cosas pudiera hacer.
-Y seguirás tocando esta melodía a pesar de que en ocasiones encuentra menos anuencia en los espacios promocionales.
-Lo importante es nunca rendirse. A pesar de la música clásica que no es muy divulgada, amo esta música, por eso organizo conciertos y motivo a la gente a que escuche. Mi objetivo es llevarla a todos los espacios posibles.
-Una experiencia que ya vimos materializada junto a otros noveles músicos, en el concierto del pasado 14 de agosto en el Oratorio San Felipe Neri.
-Estuve reunido con grandes amigos. Fue un gran reto porque estoy de vacaciones y las he dedicado a preparar la presentación y a ensayar diariamente para montar el repertorio.
“Interpreté junto a Jalime Benítez Atta(clarinte) y Alberto García Fayad (violoncello), obras compuestas en el siglo XX -muy poco tocadas en Cuba- en un formato de música de cámara, algo que decidí trabajar porque es una conformación que en el país se está potenciando. El objetivo del concierto estuvo en hacer sentir a los jóvenes artistas la ilusión de preparar una presentación así”.
-¿Qué expectativas profesionales tiene de ahora en adelante Mario Orlando El Fakih?
-La primera es graduarme. La música cubana es muy rica y de mucha diversidad en cuanto a géneros y quizá, si en un futuro fusione algo con ella, sería vinculada al mundo de la música de concierto, quizá hacer arreglos vocales, arreglos musicales...”

* En la foto que tomara el fotoreportero Roberto Suárez, se encuentra Mario Orlando junto a sus colegas Jalime y Alberto en un ensayo. Foto Tomada de Juventud Rebelde Digital.

Tranquilos, César (Pupi) Pedroso controla

2010-08-02T18:17:00.000-07:00

Los que son son, guiados por su líder, el pianista César (Pupi) Pedroso, están metidos de lleno en los estudios de grabación, dando los toques finales a su nuevo disco. "Basado en nuestro repertorio habitual, saldrá nuestro próximo álbum", ha declarado Pupi en especial para Música Cubana.
Su orquesta, fundada tras su salida de Los Van Van, cumple en 2010 nueve años de creada, mientras Pedroso celebra 50 de vida artistica. Esas constituyen las mejores motivaciones para el disco nuevo Siempre Pupi y la gira que acaban de realizar por Estados Unidos.
Desde el pasado 2 de junio y hasta el 2 de julio, la agrupación se presentó en ciudades como Miami, Tampa, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Okland y Washington.
"Esta es la primera vez que visito EE. UU con mi orquesta. Estuve anteriormente con los Van Van y fui menos presionado, porque esa era una orquesta de tremenda trayectoria, de un nombre internacional, la orquesta significativa del país.
"Fue una prueba de fuego el presentarme allí con Los que son son. Pero considero que salí airoso, porque desde que toqué el primer tema, parecía que estaba tocando en La Piragua -sobre todo la ocasión en que actuamos en el Parque Central de Nueva York ", confesó Pupi.
Aunque el pianista preparó un concierto inspirado en temas clásicos suyos como Seis Semanas y Azúcar, fueron sus canciones más actuales las que más le solicitaron los bailadores.
Así interpretó sencillos de su última producción discográfica Tranquilo, que yo controlo y de anteriores. "Tuve que cerrar con De la Timba a Pogolotti, con eso te lo digo todo", señaló el músico.
Ahora la agrupación y su director se incorporan a las presentaciones que tienen las orquestas en la Isla para festejar con los vacacionistas este período estival. "Estaremos la semana próxima en la Isla de la Juventud, con la brigada Martha Machado y junto al artista de la plástica, Alexis Leyva Machado (Kcho) , y también tocaremos en los carnavales de Holguín", puntalizó Pupi.

Las décimas que me encuentro en el Caribe

2010-07-12T18:45:00.001-07:00

Los he extranado un montón. Me disculpo por no haberlos puesto al tanto de lo que acontece musicalmente en la Isla. Es que estuve unos días en el Oriente cubano. Dos eventos me mantuvieron en esa zona: la Jornada Cucalambeana de Las Tunas y el Festival del Caribe de Santiago de Cuba. Ambos espacios explotan al máximo la posibilidad de reunir por solo unos días a los exponentes de una cultura que nace de lo popular, de lo más auténtico de nuestro pueblo.

Verlo en ambas ciudades fue gratificante. En las Tunas fue la música campesina y todo lo que la rodea lo más interesante. Ver a poetas y repentistas en una misma construyendo poemas con palabras sabias y al calor de la improvisación, fue estupendo.

A todo ese entramado de tonadas, seguidillas y controversias, le rodearon otras manifestaciones de la campiña cubana, como la danza y la pintura. Desde allí también se describió a la Isla y a ese hálito cultural heredado de los emigrantes españoles, porque la décima, nuestra estrofa nacional, ha reinado en Las Tunas por más de 40 años en un evento como la Jornada Cucalambeana.

De Santiago de Cuba conservo las imágenes dejadas por los grupos que cultuvan las tradiciones afrocubanas y las llevan impreganada en la piel de sus integrantes. El multicultural desfile de la Serpiente, una especie de bienvenida popular al Festival Santiaguero, mostró a grupos como la Tumba Francesa de la propia ciudad sede del certamen, y a otras agrupaciones de distintas partes del país que representaron lo que ya tenían escrito en sus genes desde antaño.

Pero corre en Santiago una brisa especial. Es que hasta allí se van cada año representantes de otras culturas y las llevan para crear todo ese mundo real- maravilloso del que tanto nos enamoraramos en los libros del escritor cubano Alejo Carpentier.

Esta vez me place decir que junto a la ya familiar música mexicana, descubrí que más allá del internacional tango, Argentina palpita en la danza folclórica de las distintas regiones que contiene su geográfia; que no son solo los universales colores del carnaval de Río de Janeiro ocupan todo el hacer cultural de esas festividades, como mostrara la delegación de Pernambuco, y que es la música de Curazao un aliciente para elevar el espíritu por su fuerza y su optimismo.

Han sido 12 buenos días para adentrarse en la raíz de la Isla, en esa que nos moldea como somos. Han sido dos semanas que en las que he escuchado a cantores de pueblo como el repentista cubano Luis (Papillo) Paz y el argentino Emiliano Zerbini, y he visto en sus canciones, la expresión de quienes también están dispuestos a erigir un muro para los que intentan olvidar las esencias, nuestros orígenes.

Septetos Nacional Ignacio Piñeiro y Habanero: desafíando al destino

2010-06-18T22:14:00.000-07:00

Como le prometí a Marié, una de las lectoras de Música Cubana hoy hablaré de dos agrupaciones de la música tradicional y sus más recientes volúmenes fonográficos que ya son una joya musical, a pesar de que acaban de presentarse en la escena nacional. Se interpreta allí de una manera arrasadora sones clásicos del pentagrama nacional y desenredan con elegancia toda una tradición que va envuelta en nuestros genes de cubanos.
Son dos septetos con una amplia y extensa carrera en el mundo sonoro. Ambas sobrepasan las ocho décadas y cada una se ha nutrido de varias generaciones de músicos, que la han arropado con sus experiencias.
Ahora reaparecen en la discografía con dos nuevas entregas. Así, a todo son, rumba, guaracha y bolero, se erige sobre sus 82 años el Septeto Nacional Ignacio Piñeiro para continuar Desafiando el destino. Se hace acompañar esta vez de voces destacadas de la Isla como la Musicalisima Beatriz Márquez, Pedro Lugo (El Nene), Felix Baloy (El Bala), Emilio Moret, Pablo Justis, Genaro Camacho, Ernesto Pluma y el percusionista Tomás Ortiz (Panga). También se suma el venezolano Enrique Iriarte, quien fundara junto a Oscar D' León la mítica orquesta Dimensión Latina.
Entre los compositores que podemos encontrar en Desafiando... está Francisco Oropesa , el bongosero del Septeto, quien ha escrito para el álbum Candela mi son, Tu son tresero y Rumba amanamba. Otros integrantes del grupo igualmente participan en la autoría de los temas, como el guitarrista Dagoberto Salcerio (¿Por qué será?, Aquí estoy yo), el trompetista Agustín Somellán (La rumba no ha muerto, Del some al son) y del cantante y líder de la agrupación Eugenio "Raspa" Rodríguez (Un clavel para la niña, Entre nosotros).
Fundado por Ignacio Piñeiro el 13 de diciembre de 1927, el Septeto Nacional esparce melodías en los escenarios nacionales e internacionales. Y es este nuevo disco una evidencia de su hacer.
Otra formación musical también se asoma a la fonografía. Llega con un álbum doble para mostrar que 90 años son un buen average, a pesar de que la conocida frase de Gardel. En 26 sencillos el Septeto Habanero hace un desfile del cancionero tradicional cubano, destacando obras de Pedro Ibáñez, Manuel Corona, Gerardo Martínez y Guillermo Castillo —estos dos últimos fundadores en 1920 del afamado grupo.
Tres lindas cubanas, Aurora, Elena la combanchera y esos pegajosos y populares temas Papá montero y A la loma de Belén, suenan impecables y con la experiencia de una agrupación que celebra con este fonograma sus nueve decenios de música e identidad.
Otros autores contemporáneos se suman y respetan en sus canciones el estilo de los grandes compositores. Así podemos saborear de éxitos actuales del septeto como Y qué sabrosito pa’ gozar, de Jaime Gracián, y Voy a la calle Vapor, de Emilio Moret.
Es 90 años. Orgullo de los soneros (Colibrí 2009) uno de esos discos donde no tienes en cuenta el tiempo, porque de allí tomamos esa esencia que es capaz de describirnos desde las historias locales -y a la vez universales que cuentan-; y porque domina impecablemente la capacidad de narrar desde la melodía. Enhorabuena que Desafiando al destino siga esa misma línea.

David Torrens: Razones pa’ andar cantando

2010-06-07T17:35:00.000-07:00

Hola a tod@s. Hoy quiero compartir algo muy especial. Tuve la oportunidad de presenciarlo en Cubadisco cuando David Torrens presentó Razones, su tercer y más reciente disco. Les comento que con él ha mirado al Sur para darle un toque geográfico a su último disco. El cantante siente que ante todo hace música y deja que de modo natural surjan sus temas. No se extrañan en este nuevo fonograma a Sentimientos ajenos, ¿Quién me quiere a mi? y Ni de aquí ni de allá…, títulos que también calaron con desenfado en el público.
David Torrens lo tiene claro: su nuevo CD es el resultado de lo «que quería en este momento». Así contesta a esa pregunta obligada que le harían los entrevistadores. Él se sale de las casillas, los crucigramas y todas esas líneas que se utilizan para contornear, categorizar.
Hay mucho de temperamental en su música. «Antes deseaba intensamente, hacer el pop que hacían los gringos. Me saqué esa espinita con mis dos primeros álbumes», confiesa.
Ahora le salió un volumen con mirada longitudinalmente opuesta a su pasado melódico, pero, dice resuelto Torrens, es a la música toda a lo que me dedico.
Con ello da por sentado que la fusión de varios ritmos es un recurso esencial en Razones (Bis Music 2009), su última entrega discográfica, que resultó premiada en ese apartado en Cubadisco 2010. Musicalmente «las influencias en este disco son hacía abajo. Estoy parado en el meridiano y miro hacia ese lado», explica David.
Una docena de letras ofrecen esa visión. Hasta allí se ha colado el romanticismo que puebla las composiciones de Torrens. Con un lenguaje citadino, el autor «pinta» en tres Congas tristes, igual número de historias dedicadas a narrar el amor actual «muy a mí manera».
A la secuencia de congas la ha bautizado como poesía del suceso: «no estás diciendo palabras bellas», se presentan «con una sutileza que no caen en lo vulgar», y donde «narras un suceso que es poético en sí mismo».
Si tuviera que elegir, el cantautor escogería cada uno de los track del disco. Siente cercanos «los temas menos comerciales: las tres congas tristes o la canción que grabé con Pablo Milanés, Déjate ver. Son textos muy caprichosos, para sentarse a escucharlos tranquilo. Los otros que hice, me divierten muchísimo».
La sexualidad y la relación de pareja son conceptos que David explota en Razones. Llegan desde su voz, cantadas con erotismo y sin prejuicios, cuatro títulos para explicar que no hay amor sin embrujo (Masoquista) y sin ese sentimiento «suicida» (La guerra de tu sexo) que nos hace morir por el otro. Porque enamorarse para el autor no es «un descanso, ni pasión detenida», ni se cuelga «el deseo donde el temor se esconde» (Dámela), es simplemente ese «amor que me devuelves la vida» (Tú).
El sencillo que titula el disco es en el único que Torrens comparte autoría. Invitó a su colega Kelvis Ochoa a pensarlo juntos. Y en el texto se percibe el optimismo y la fe en la música de ambos artistas. Quien no tendría vida mía/Razones pa andar amando/ Razones pa andar queriendo/ Razones pa andar soñando, Razones..., han escrito ambos.
¿Este es un álbum modelo para los otros que vendrán?, pregunto. «No, para nada. Es decir, este es el disco que deseaba hacer en ese momento. Inclusive lo estoy tocando, representando, y empiezo a disfrutarlo ahora. Pero, de hecho, ya quiero hacer otra cosa. Quiero hacer música».
Su decisión va a tono con sus concepciones sobre cómo escribir canciones y ponerles sonido. Con Torrens no valen los esquemas. «Es que creo que los patrones para premiar, categorizar y catalogar un artista y su obra no pueden ser tan estrictos. Ahora (con Razones) estoy en fusión, pero también es canción. Si le quitan la rumba es canción, intensa y profunda», sentencia.
«¿Y entonces que viene ahora?», se suele preguntar el intérprete de Mi poquita fe. «Viene la música», no se cansa de contestar. «Ella solita será. Porque nunca pensé que iba a hacer un danzón u otro tema que es casi merengue en Razones y ahí están. Lo importante es la canción, los propósitos vienen solos».
Por lo pronto a David también le satisface que este año saliera el volumen Anatomía de La Habana (EGREM 2008), que hiciera hace tres años junto a la cantante Liuba María Hevia, el pianista José María Vitier y el grupo vocal Sexto Sentido. El CD DVD contiene imágenes de varias de locaciones de la capital, tomadas exclusivamente para este material.
Dice David que actualmente no deja de escribir sus historias, a las que luego pondrá armonía. Adelanta que compone un tema para su Habana, una ciudad que ama. Si embargo, necesita aún más del calor y la cotidianidad que respira en Guanabacoa, ese lugar exacto adonde pertenece.
Desde allí Torrens sigue inspirándose y mezclando sus melodías. Ahora le da paso a la «euforia que tenemos todos los artistas, por defender lo que acaban de hacer». Y Razones es esa apuesta, actual, temperamental, aguda.

Mis raíces

2010-05-31T17:27:00.000-07:00

Música Cubana acaba de cumplir un año y quiero celebrarlo junto a ustedes. Compartiendo. Dialogando. Y que mejor que comentándoles sonre un disco que crea un paisaje nítido, como aquellos que pintaba Carlos Henríquez, dibuja musicalmente Mis raíces (Bis Music 2010), el disco que acaparó uno de los grandes premios en la recién concluida Feria Internacional Cubadisco 2010.
Con la interpretación impecable de María Victoria Rodríguez en la mayoría de los temas, y los arreglos melódicos del conocido tresero Pancho Amat, el volumen muestra valores imprescindibles de la música campesina.
En esa empresa también se unieron los cantantes Inocente Iznaga (El Jilguero de Cienfuegos), Mercedes Sosa -madre de María Victoria y voz conocida del género en la Isla-, y Antonio Alberto Iznaga (El Jilguerito); y el laudista Erdwin Vichot.
Grabado en el estudio Eusebio Delfín de Cienfuegos, Mis raíces destaca no solo por sus acordes sonoros, también por el acople entre el diseño y la fotografía, tratados por Ricardo Monnar y Ángel Alderete, respectivamente.
Entre las canciones, resulta significativo que aparezcan algunas que se clasifican como antológicas en la música guajira, como Mi tierra es así y Como la palma de mi mano, ambas de Radeunda Lima; y Tú no, yo sí, de Miguel Matamoros.
Igualmente se incluyen en el álbum otros títulos contemporáneos como ese precioso tema De donde viene el amor (Monte adentro), de Pepe Ordaz, o Décimas al amor, de Luis Paz (Papillo) y Elio Vidal.
También el dueto Amat- Rodríguez insertaron composiciones suyas que le dan al fonograma un aire personal y que no rompen con el concepto central que quisieron brindarle. Así podemos escuchar el instrumental El gallo pinto, firmado por Pancho; y el título que da nombre al CD, escrito por María Victoria.
La idea de hacer Mis raíces ha sido clara: “llamar la atención sobre el caudal tan rico que hay en la música rural cubana y de todo lo que tiene de vivo el género, así como su combinación con otros estilos”, ha dicho a Cubasí Pancho Amat.
La pretensión, explicó, es que la gente se fije, “pues estos temas están tratados con aires de contemporaneidad y hay algunos que han sido compuestos en etapas más recientes”.
Por eso María Victoria ve en este premio se ha ganado, un motivo para “seguir cultivando nuestras raíces”. La cantante piensa que es necesario “darle más atención a la música campesina y ponerla en el lugar que merece”.
De ahí que a toda Cuba llegarán los ecos de este disco, pues sus protagonistas emprenden desde finales de mayo y hasta junio, una gira nacional donde promocionarán el disco.
“Tanto Pancho como yo nos quedamos con los deseos de seguir investigando cosas que están inéditas”, aseguró María Victoria. Algo en lo que Amat coincide. Entonces no dudemos si en un futuro este trabajo continúa.

Barbarito Torres: el rey del laúd

2010-05-24T15:15:00.000-07:00

Siempre se habla de la pasión que sienten los artistas por la música. Cada historia devela elementos interesantes y muestra cuánta imaginación vuelcan luego los músicos en sus creaciones. Así sucede con el laudista Barbarito Torres (Matanzas, 1956), quien tiene una relación especial con la melodía.
Su infancia transcurrió entre notas sonoras. Su padre hacía décimas, era un “fanático del punto guajiro” y tocaba el laúd. A su casa iban algunos de los más grandes poetas y repentistas para “descargar”.
“Los cumpleaños, los velorios de santos..., siempre habían un motivo para formar el guateque, y en ese ambiente crecí”, confiesa Barbarito.
Recuerda Torres las tantas veces que acompañaba a hermana Conchita en las tonadas y temas guajiros que esta última interpretaba. Él la seguía primero con su voz, imitando lo debía tocar el laúd en un punto guajiro, y después la secundaba con el instrumento.
Así creció y se desarrolló en la música Barbarito Torres. Su virtuosismo fue reconocido con el Premio de Honoren en la recién finalizada Feria Internacional Cubadisco 2010.
—El laúd es un instrumento que tienen una rítmica tremenda, ¿Cómo llegó a él?
—El laúd denota en su ejecución una gran riqueza melódica, armónica y rítmica. Empecé a tocarlo desde muy niño, junto a mi padre y también con mi padrino, Luciano Monet, un gran laudista cubano, desaparecido ya físicamente. Él me dio mis primeras clases, me enseñó los primeros puntos en este instrumento y ya a la edad de 14 años, era un profesional del mismo.
“Luego, en mi etapa de juventud, desarrollé la ejecución de este instrumento en todo tipo de música. Fui el primero que lo sacó de su ambiente original, para hacer cualquier tipo de música, desde la tradicional, hasta el jazz. También lo he llevado, con mucho orgullo a brillar en los escenarios internacionales”.
—¿Piensa que es necesario que en la Isla se potencie su enseñanza?
—Por supuesto. El laúd es uno de los instrumentos más importantes para la ejecución de nuestra música folclórica campesina, y también puede vincularse a otros géneros. Es un símbolo de cubanía. Y es de vital importancia que se desarrolle su ejecución en las jóvenes generaciones, para que no muera la tradición y siempre siga viva.
—Dicen que cuando usted hace sus solos con el laúd el público calla, y que cuando maneja el instrumento a la espalda, salen del auditorio voces de asombro. ¿Cuál es su secreto? ¿Cómo consigue concentrarse?
—Siempre, desde muy joven estudié mucho mi instrumento. Desde niño, el laúd fue mi juguete. Por tanto, conozco todos sus secretos y puedo dominarlo a la perfección. He practicado las formas de tocarlo, y para mí ya eso es algo habitual. Cuando toco, estoy en comunión perfecta con el instrumento, muy concentrado, es como si fuera parte de mi cuerpo y de mi mente. Tocar el laúd para mí es algo muy natural. Eso llama mucho la atención del público.
—Hábleme de su paso por la Orquesta Cubana de Cuerdas y de esa gran experiencia junto a Celina González, en el grupo Campo Alegre.
—La Orquesta Cubana de Cuerdas fue creada por ese gran promotor de la música guajira, el laudista Miguel Ojeda, y estuvo conformada, por los mejores instrumentistas de la cuerda pulsada del género campesino en nuestro país, allá por las décadas del 1970 y 1980.
“Fue un gran honor, un gran placer y una experiencia única compartir en esa agrupación con figuras de la talla de los laudistas Raúl Lima, José Manuel Rodríguez y Juanito Rodríguez Peña —a quien aún tenemos presente—; los guitarristas Ángel Romero, el chino Benemelis y Arsenio Núñez; y los treseros Mongo Huerta y Alcides Mendoza. Todos han sido artistas excepcionales dentro de la música guajira y la tradicional cubana. Todos con mucho que enseñar, con mucha savia donde beber y formarse.
“Fui también laudista del grupo Campo Alegre y estuve durante muchos años con Celina Gonzáles —desde 1986 al 90 aproximadamente. En el año 1992 fundé mi propia agrupación, El Piquete Cubano, que acompañó a Celina, durante varios años”.
—Dos agrupaciones importantes en la escena musical de la Isla lo han acogido. ¿Cómo valora su trabajo en Afro Cuban All Stars y el Buena Vista Social Club?
—Trabajar con el Afro Cuban All Stars, y el Buena Vista Social Club han sido un placer tremendo, ya que son dos agrupaciones imprescindibles en la historia de la música popular cubana.
“Resulta un privilegio compartir con músicos tan importantes y representativos de nuestra cultura musical, como Rubén González, Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Cachaíto López, el Guajiro Mirabal, Juan de Marcos González, Amadito Valdés, Eliades Ochoa, Pío Leyva, Manuel Licea y Omara Portuondo”.
—Cubadisco 2010 apunta su mirada hacia la música campesina. ¿Siente que el género esta siendo olvidado en la discografía y en los medios?
—Sí, pienso que sí. No hay que esperar a que haya un evento dedicado la música folclórica guajira para grabarla. Esta música debe estar presente siempre en las producciones discográficas y en la difusión, a través de nuestros medios masivos.
—Si tuviera que hablar de momentos sensibles en su carrera artística, ¿cuáles enunciaría?
—Cuando recibí la Orden por la Cultura Nacional, eso es algo que un artista siempre desea, poder aportar algo para su país. También cuando me fue otorgada la categoría de Profesor Titular del Instituto Superior de Arte, pues fue ver cómo mis formas de ejecución y mis modos de tocar el laúd, son un patrón para las nuevas generaciones de laudistas. Y lo más importante es el reconocimiento que ha merecido mi trabajo musical en cada escenario dentro de Cuba y fuera de ella.
—¿Qué proyectos llevan el pulso de Barbarito Torres en estos días?
—En estos momentos estoy trabajando y preparando el próximo disco de mi agrupación Piquete Cubano, y a la vez realizamos conciertos junto a otros músicos invitados.
“Igualmente me presento con la orquesta Buena Vista Social Club en escenarios internacionales. Además, integro un equipo de especialistas que trabaja por la salvaguarda de las tradiciones musicales guajiras, donde investigamos y dejamos plasmado en soportes audiovisuales, las más genuinas tradiciones guajiras.
“Este grupo está liderado por la musicóloga Sonia Pérez Cassola y Patricia Tápanes, especialista de CREART. Con ellas, y otros amantes de esta labor que se nos suman, hemos realizado al álbum doble Soy la décima guajira, que asumió la EGREM el pasado año y que fue Premio Cubadisco en la categoría de música folclórica en esa ocasión.
“Este año hemos culminado un volumen doble que contiene el documental Parrandeando entre las lomas, dedicado a las parrandas campesinas de Florencia y de Arrollo Blanco, dos agrupaciones patrimoniales de la cultura comunitaria campesina, acogido en esta ocasión por la disquera Bis Music y que, por cierto, presentaremos en el marco de Cubadisco 2010”.

Hechizo de cuerdas en Cubadisco 2010

2010-05-21T09:49:00.000-07:00

He estado toda la semana en Cubadisco 2010. Hoy les hablo de la noche especial que viví el miércoles cunado un verso breve, pero profundo hizo meditar a los poetas. La música campesina gravitó entre los bardos boricuas que en el Encuentro del Laúd, el Tres y el Cuatro, tuvo lugar este miércoles, en la sala Covarrubias del Teatro Nacional de la capital.
Acompañados del grupo Mapeyé de Puerto Rico, tres repentistas pertenecientes a distintas generaciones, hablaron de sus influencias en una rima que traía impregnada la tradición de su pueblo. Allí también pusieron otras estrofas, salidas al calor de la musa inspirada en los campos latinoamericanos.
Se asomaron esa noche al recién remozado escenario habanero, agrupaciones y cultores de este tipo de música procedentes de Venezuela, Puerto Rico y Cuba. Todos ellos cumpliendo una invitación del tresero Pacho Amat y su Cabildo del Son, quienes fungieron como anfitriones de la velada.
Para Amat la noche fue singular porque recibió, de manos de Ciro Benemelis, presidente del Comité Organizador de Cubadisco 2010, un reconocimiento especial del certamen. Pancho había recibido en la Gala de Premiaciones del sábado último, el gran premio del evento por su disco Mis raíces (Bis music 2010) junto a la cantante María Victoria Rodríguez; mientras el álbum que grabara con EGREM, Yo traigo un son, se alzó con el lauro en el apartado de música tradicional.
Un momento igual de mágico devino la entrega del Premio Internacional Cubadisco 2010 al grupo Mapeyé y a su director José Antonio Rivera, conocido en el mundo artístico como Tony Mapeyé, por el volumen El ritual de la fiesta Mapeyé.
Entre las actuaciones memorables de la noche estuvo la del boricua Edwin Colón, quien deleitó a los presente con el solo de su cuatro, donde hizo un recorrido por canciones populares de la música cubana.
Muy aplaudidos también fueron los instrumentales interpretados por los venezolanos de Pentarcorde y el Ensemble 4X4, quienes trajeron consigo la tradición musical de los llaneros de su tierra, donde el joropo es considerado un símbolo del patrimonio sonoro del país sudamericano.
La poesía y el sonido crearon un enigmático momento la noche del miércoles pasado. Las cuerdas de los laúdes, cuatros y tres estremecieron a un público sensible y seguidor de las costumbres más arraigadas de las naciones latinoamericanas. Así lo palpamos en los acordes impecables y las improvisaciones de los músicos en el cierre del concierto, unido al gran coro de voces en ese popular tema que es Capullito de alelí.

Coro de Camajuaní

2010-05-19T21:12:00.000-07:00

Los he extrañado un montón. No he tenido tiempo de escribir algunas líneas porque he estado todo el tiempo en funciones de trabajo, pero, como siempre, les dejo algunas noticias musicales que en estos días he conocido. Estuve a inicios de mayo en el pueblo donde nací. En esa pintorezca localidad una se encuentra con cosas asombrosas. Esta vez me maravillo escuchar desde el portal de la casa de mi abuela, al Coro Profesional de Camajuaní. Lo dirije la maestra Rebeca Orrivarri, que lleva muchísimo tiempo guiando a la agrupación.

Recuerdo a Rebeca en una de esas tardes en las que la tranquila rutina de mi escuela primaria se trastocaba con algún acontecimiento. Esa ocasión llegó ella para cantar a los pioneros y les confieso que era la primera vez que escuchaba un acople de voces tan perfecto y sin que les hiciera falta instrumento alguno.

En mi visita de mayo, el Coro era invitado por la Iglesia Católica del pueblo para deleitar a los feligreses y, aunque no tengo esa vocación religiosa, me sumé al público. Supe por su directora que la agrupación fue fundada en 1964 y cuenta con más de una docena de cantores, entre ellos algunos fundadores como la propia Rebeca. Su repertorio es amplio y abarca la música cubana y universal.

Ha sido una suerte verlos. Les he prometido al volver conversar con ellos con calma y que me cuenten su historia en la música. Pero desde ahora siento que ha sido agradable el saber que en Cuba hay instituciones musicales que, desde los escenarios de las pequeñas ciudades, hacen arte y colorean la cultura de la Isla.

Cubadisco mide el kilometraje del pop

2010-04-27T20:39:00.000-07:00

Lo prometido es deuda. Siempre dicen. He dicho a mis lectores que escribiría en detalles sobre las categorías de Cubadisco 2010. Hoy comienzo y lo hago con el pop. Esta vez en concurso hay cuatro volúmenes de la disquera Bis Music: Kilómetro cero, de Ernesto Blanco; Dulce locura, de Patricio Amaro; A la felicidad, de Haydée Milanés; y Mírame, de Jacqueline Vell; mientras por la EGREM aparece el álbum de Diana Fuentes, Amargo pero dulce.
Denotan esos trabajo una
búsqueda por ganar en el terreno melódico, por salirse de los lugares comunes para contar las historias, y tomar así distancia de conceptos que se manejan en otras regiones del mundo.
Pues aunque algunos ven en el género elementos de frivolidad y un marcado pacto con lo comercial, la forma con que se encaran estos álbumes supera para bien algunas concepciones y las propuestas están influenciadas por otros estilos oriundos de nuestro país o foráneos. Sin embargo cuidado, que estos discos no olvidan los términos de mercado.
Sus autores son jóvenes artistas y es precisamente ese apartado, una muestra de cómo el quehacer de los más nuevos encuentra una brecha en las casas discográficas nacionales, sobre todo en un género no oriundo de la Isla.
Siento que este será uno de los segmentos donde va a resultar difícil pronosticar el ganador por el equilibrio de las entregas de los aspirantes. Cada uno de los álbumes particulariza una forma de hacer música, lo cual encuentra eco en el empaque gráfico que los envuelve.
Es el diseño uno de los aspectos que la industria fonográfica nacional no desconoce, de ahí que en estos cinco ejemplares haya un cuidado en el uso de tonalidades, fotografías e ideas generales, para componer desde la gráfica también la idea que sus autores desearon ofrecer.
Entre las temáticas nos llega de disímiles maneras cómo ilustrar el amor, la felicidad y la forma de relacionarnos. Buscar las claves para decirlo en la actualidad les ha ocupado tiempo a Patricio, Haydée, Diana, Ernesto y Jackeline.
Dulce locura lo expresa en las 11 canciones que integran el CD, todas escritas por Patricio Amaro. Con un aire roquero, el autor regala doblemente el sencillo que da título a su producción discográfica -uno de ellos es un remix inclinado hacia la música disco-, e incluye Nunca te olvido, un éxito de Amaro que ahora viene como bonus track.
José Manuel García Suárez y Eddy Cardoza López produjeron el álbum, además de que participaron activamente en la grabación, mezcla y masterización de este producto.
Suenan agradable al oído Ya no pienso en ti, El cielo en tu boca, Llegué caminando y la balada rock Para la vida, donde la guitarra es protagonista junto a la voz del cantante.
A la felicidad hace alusión en su portada a un cuadro conocido, pero también traduce en canciones lo significa ser feliz para una artista. Diseño, fotografía y música se unen para armar ese concepto, que al decir de Haydée Milanés, es su visión personal de apreciar el tema.
Casi una docena títulos enarbolan esa máxima, que para nada toma ideas idílicas y sí reales sobre una temática en la que todos los seres humanos tenemos mucho que aportar.
La cantante referencia lugares significativos de su ciudad como sucede con En el muro del Malecón, y se une a otros músicos para expresar sus letras, tales son los casos de David Blanco, René Espí y Haydée Milanés en el track que nombra el volumen, o en No me hables, una composición que realizó junto al poeta brasileño Thiago de Mello, donde toman la ruptura de una relación amorosa como conducto principal de la canción.

El disco tiene otras voces que acompañan a la de Haydée, como la de Omara Portuondo (Discreta), el argentino Pedro Aznar (Espíritus que llegan), David Blanco (Puente de amor), o la de su padre Pablo y la de Robertón Hernández con la melodiosa flauta de José Luis Cortes (El Tosco) en Yo quiero que me quieras.
La primera «brisa» que escuché de Mírame fue el tema Se me olvida. Jackeline Vell hace en él gala de su proyección vocal y nos devuelve la canción, escrita por Jesse Suárez, con una particular forma de interpretarla.
Jackeline anexa a ese conocido título otros nueve en su primer álbum. No se despega la intérprete de su proyección lírica, una especialidad que estudió en su natal Holguín. En Mírame no hay letras de la cantante, quien aseguró en la presentación del CD que fue en busca de personas que escribieran lo que deseaba expresar. De ahí que escogiera piezas de Osmani Espinosa, Jesse Suárez, Bismark Estupiñán y Antonio Alonso Brito, entre otros.
Allí emerge esa visión del romanticismo y una mirada emancipadora de la mujer en la sociedad. Así se muestra Quédate con él, Quién dice que no, Animales, Nada —cuyo videoclip obtuvo varias nominaciones a los Premios Lucas—, y Gente auténtica —video seleccionado para la campaña de prevención de las enfermedades de transmisión sexual en la Isla.
Un homenaje a la guitarra y a grandes instrumentistas que constituyen paradigmas de la vida artística de Ernesto Blanco, es uno de los motivos de Kilómetro cero, su también punto de partida discográfico.
Ernesto es el productor musical de esta ópera prima, que contiene 10 sencillos en los que Blanco matiza su visión del pop con géneros como el mambo y el chachachá.
La guitarra de Ernesto y la banda que lo sigue, protagoniza dos instrumentales, Rebelión y Madrugadas. Sobresalen sencillos donde Blanco se une a su hermano David en Solo positivo y a Dianela de la Portilla en Tú y yo, pero es Reinas de la noche uno de los tracks más conocidos del CD.
Diana Fuentes, la propuesta de EGREM en la categoría de pop, desanda los caminos del género donde descollan el sencillo que titula el álbum Amargo pero dulce, la balada Luna de vino tinto —un exquisito dúo de Diana y el trovador Carlos Varela, cuya letra firma el autor de Monedas al aire —, la canción con mezclas de hip hop con Mad at me, y otras maneras de expresar la música, donde la cantante esboza su forma personal de interpretar.

Esta primera entrega de la cantante junta en una decena de temas a autores reconocidos como el propio Carlos Varela y a Descemer Bueno —además director y productor musical del CD—, y por supuesto, incluye composiciones de Diana.
Sin dudas, Cubadisco 2010 pone sobre la mesa cinco producciones fonográficas que representan a un género que ya va consolidándose en la Isla. Más que buscar a un ganador para una de sus categorías, el certamen apunta a hacia la variedad de cultores que ya encuentra un reconocimiento en la escena nacional.

Cubadisco 2010 en detalles

2010-04-16T07:15:00.001-07:00

Quiero hablarles hoy de Cubadisco 2010, un evento que trata de mirar en lo más reciente de la fonografía nacional y premiar allí lo mejor. El certamen ya se acerca y, por supuesto, que ya se han dado a conocer los nominados. Por eso hoy comparto declaraciones exclusivas de su presidente y alguna que otra noticia relevante sobre los lauros.

Comienzo por la declaración que este jueves en el afamado Cabaret Tropicana, Ciro Benemelis, presidente del comité organizador del evento fonográfico más importante de la Isla, me diera: “Diría que todas las categorías de Cubadisco 2010 son fuertes. La selección ha sido muy rigurosa”.
Y es cierto, como asegura Benemelis, los apartados de música popular bailable y pop, poseen este año el calificativo de “reñido” por la calidad de los álbumes en competencia.
Entre los volúmenes de la música bailable figuran entregas muy populares como No mires la carátula, de la Charanga Habanera, y Mango, de Arnaldo Rodríguez y su Talismán. Por su parte, al jurado le será también difícil emitir su veredicto entre las propuestas del pop, pues allí podemos encontrar discos como Kilómetro cero, de Ernesto Blanco; Dulce locura, de Patricio Amaro; A la felicidad, de Haydée Milanés; Amargo pero dulce, de Diana Fuentes; y Mírame, de Jacqueline Vell.
Se percibe una notable presencia de los jóvenes músicos en las nominaciones. El impacto de los noveles artistas se evidencia no solo en categorías como el pop, sino en música instrumental, popular bailable y de concierto, jazz, fusión, rock, rap y muchas otras.
De las entregas hechas por los más nuevos despuntan Amnios 1407, de Yasek Manzano; Cimarrón, de Rember Duharte; Con clarinete, del grupo Aire D’ Concierto; Sones y flores, de Alter Ego; y el CD DVD Buena Fe live, de Buena Fe.
Trasciende entre las candidaturas una nueva categoría: la de música campesina, temática a la que Cubadisco 2010 prestará particular interés en segmentos como su Coloquio Internacional y en los conciertos . Así lo ha afirmado Ciro Benemelis: «queremos hacer relevancia a este tipo de melodía, porque nos hemos dado cuenta que mucho de ese arte se pierde y no se graba».
Otro punto importante que descolló de la Gala de nominados fue el anuncio de los Premios Internacionales que otorga desde 2007 el evento. Estos galardones recayeron en los puertorriqueños de Calle 13 —quienes estuvieron en marzo último en La Habana—, por Los de atrás vienen conmigo y del grupo Mapeyé, El ritual de la fiesta de Mapeyé.
Igualmente fueron galardonados los españoles Joaquín Sabina con Vinagre y rosas, Martirio con Martirio, 25 años en directo, y el grupo Ojos de brujo con Aocaná; el paraguayo Ricardo Flecha con El canto de los Karaí, y los discos Saudações, de la Camerata Romeu (Cuba) y Egberto Gismonti y Alexandre Gismonti (Brasil), y Playing for change. Songs around the world, de varios intérpretes estadounidenses.
Asimismo, Cubadisco 2010 dio a conocer sus Premios Especiales, concedidos a Separados por el mar, una producción cubano-boricua del proyecto Decimanía; La isla del Coco, colección de la disquera Bis Music dedicada a los niños; Argeliers León, monográfico de Producciones Colibrí sobre la obra de ese compositor cubano, dirigida por el pianista Ulises Hernández; Cerca del río, zarzuela infantil también de Colibrí hecha con niños cantores, Noel Nicola: nos queda la canción, un documental de Carlos León para el Sello Unicornio; y Leyenda viva, un álbum doble de Oscar Valdés al frente de Diákara, presentado por Bis Music.
"El disco es una obra de arte", ha sentenciado Ciro Benemelis, y es precisamente esta Feria Cubadisco 2010 —certamen que tendrá lugar del 15 al 23 de mayo en La Habana—, un buen momento para corroborarlo.

Un canto a la Patria

2010-04-13T12:18:00.000-07:00

Hoy les comento de mi última cobertura. El sábado último estuve, como muchos cubanos, admirando el arte de la Isla y eschuchando a los músicos hablar de su compromiso con Cuba en la Tribuna Antiimperialista José Martí de La Habana.
Así lo tengo claro: Cuba es mi razón de ser. Hoy no quiero escribir tanto y si dejarlos con las fotos de mi colega Roberto Suárez, sobre ese especial momento que se creó el sábado.

Sinfonía mágica de sábado

2010-04-02T18:57:00.000-07:00

He querido ahondar en Música Cubana sobre el tema que aborda mi trabajo de hoy en la sección cultural de Juventud Rebelde. El corrector de estilo del diario me ha motivado a que les cuente a los lectores más sobre el músico argentino Jorge Rotter y su experiencia en el taller que imparte a la orquesta del Lyceum Mozartiano de La Habana, que tendrá como feliz término el concierto, hoy en la tarde, en el Teatro Auditórium Amadeo Roldán de La Habana.
Conocí a Rotter la pasada semana, en el receso del ensayo vespertino con la orquesta. Era la tercera jornada suya en La Habana y me impresionó su forma de ver a los músicos que tenía bajo su batuta.
“La mayor parte de las cosas que hemos ensayado han quedado incorporadas. Eso es muy importante. Es un buen síntoma de la capacidad de la orquesta. Tiene un buen nivel, algunos sobresalientes, pero todas las agrupaciones lo tienen, pues la técnica juega en esto un rol muy importante.
"Estoy muy contento, incluso tengo que decir que en varios momentos del ensayo me sentía musicalmente emocionado, que es, al fin y al cabo, lo que queremos que después sienta el público: la emoción musical de la obra, así como fue hecha por los compositores.
"Observaba en estos jóvenes músicos que hay pasajes que parecen facilísimos y el que escuche el concierto no sabrá cuánto trabajo hay detrás de cinco segundos de música".
Sabía que Jorge Rotter es el director actual de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Mozarteum de Salzburgo (Austria) y del Ensemble Klagkonzepte de Nümberg, Alemania, especializado en música contemporánea. Avalan también al maestro argentino el haber guiado filarmónicas de su país natal y de otras naciones latinoamericanas. El tenerlo en la Isla me animó a sostener esta conversación que ahora les dejo.
-¿Cómo evalúa la formación de estos jóvenes músicos cubanos?
-Excelente. Me parece que son chicos talentosos, por supuesto son interesados en prepararse y tienen buenos maestros. Hay una gran seriedad en ellos por el trabajo, ya que tienen mucha paciencia. Digo paciencia porque cuando uno es más nuevo, es más impaciente por ir adelante, y la paciencia en el aprendizaje de la música es fundamental, es una necesidad total y estos chicos la poseen.
-¿Qué objetivo persiguen los talleres en el Lyceum Mozartiano de La Habana?
-Nuestra idea es realizar tres por año, durante un período de tres años y llegar a presentar la orquesta en Europa.
-¿Cuánto le ha aportado a su práctica diaria la experiencia de pasar por varias agrupaciones europeas y argentinas?
-La vida de un músico es aprender durante toda su existencia, y trabajar y aplicar lo que ya sabe. Los directores recibimos mucho de las orquestas que guiamos y los años nos dan experiencia. En mi caso, además enseño dirección orquestal en la Universidad Mozarteum de Salzburgo.
"Así que mantener el diálogo con mis alumnos me hace aprender, porque me obliga a formular de forma pedagógica ideas que no tenía de antes, para que sean incorporadas. La práctica artística es la suma de experiencias y tenemos la suerte de que podemos volcarla hacia los demás".
-La mirada a la enseñanza de la música clásica en Europa es muy distinta a la de otras regiones del mundo. ¿Cómo logran que el modelo de ustedes sea exitoso?
-El punto de partida es muy diverso en el Mozarteum de Salzburgo, porque el lugar que ocupa la música clásica es decisivo en Austria, al igual que en Alemania, Holanda e Inglaterra y otros países europeos que tienen esa tradición, que data de varios siglos. Es como una especie de centro al que vienen a estudiarla personas de todas partes del mundo.
"El sistema de estudios allá, parte de un nivel universitario, pues el primario y secundario quedan a cargo de los conservatorios y escuelas de música. En consecuencia, la Universidad Mozarteum, como sus similares en Inglaterra, Alemania..., recibe alumnos de todo el mundo y muchos de ellos, ya graduados en sus países.
"Volviendo a La Habana, observo aquí que son chicos muy talentosos y me he enterado que varios de ellos han realizado cursos fuera o van a hacerlo. Naturalmente eso es muy importante porque no solo mantienen el contacto con un buen maestro, sino que una vez que vuelven, multiplican el resultado, porque la gente a esa edad es muy receptiva".
-En Latinoamérica hay otros ejemplos de instituciones que desarrollan la música de concierto. ¿En qué punto de ese desarrollo está Cuba, si se compara con referentes como Venezuela?
-No he estado en Venezuela, pero conozco su proyecto de orquestas juveniles. Sé de sus resultados, que son muy buenos, aunque es completamente diferente al cubano, el cual está muy bien encaminado”.

Me atrevo vo, voy a bailar con Calle 13

2010-03-22T20:15:00.000-07:00

Esa es la frase de este martes. Calle 13 hará mover las caderas de los cubanos con su música contagiosa y su espontaneidad. Confieso que tuve que perdirle a algunos amigos los discos del dúo boricua. También les digo que me los he oído de un tirón y no me parece nada mal esa poesía cantada de los puertorriqueños, inpirada en los barrios urbanos de su país.

Iré a la Tribuna con ese deseo de escuchar la visión de René Pérez y Eduardo Cabra sobre América. Ya he hablado en muchos artículos de Juventud Rebelde sobre la presencia de ellos, por eso ahora solo quiero referirme a mis impresiones sobre estos muchachos. Ellos muestran su hablar popular y que no han olvidado dónde crecieron y de dónde vienen.

Me agrada también que son desinhibidos y no ocultan ese deseo de que otros artistas también se presenten en La Habana. Han ido a lugares como El Gato Tuerto y ya han visto un poco de nuestra música, auque sabían sobre nuestra sonoridad desde hace mucho tiempo.

Completo mis impresiones con dejándolos con la foto que el fotógrafo Raúl Pupo me ha tomado junto a Eduardo Cabra.
Disfrutemos de Calle 13 en La Habana.

Detalles de Quarlem y Pa kin kin

2010-03-09T18:01:00.000-08:00

Entre las buenas noticias que recibo esta semana, les comento en detalles de una especial. El músico y compositor Guido López- Gavilán me ha escrito a través del correo electrónico sobre el estreno de dos de sus obras en la tierra de Edgar Alan Poe.

"Estuve en los Estados Unidos - en New York y Salt Lake City - desde mediados de febrero hasta principios de Marzo invitado por la Universidad del Estado de Utah, para asistir al estreno mundial de dos obras mías y ofrecer varias audiciones y conferencias sobre mi música, así como acerca de diversos aspectos de la música cubana en general", nos cuenta el maestro López- Gavilán.

El artista relata que en la ciudad de New York fue estrenado Quarlem, compuesta especialmente para el prestigioso Harlem Quartet, quien interpretó su primera audición mundial el 20 de febrero en Queens Concert Hall. En Salt Lake City, tuvo su estreno el 26 de Febrero en el Libby Gardner Hall: Pa kin kin, pieza escrita por encargo de la Universidad de Utah para el coro University of Utah Singers, que conduce el maestro Brady Allred.

La importante agrupación vocal ha efectuado giras por casi todo el mundo y ha resultado ganadora de importantes concursos internacionales.

"Muy emotiva resultó la calurosa acogida del público al anunciarse que yo había viajado especialmente desde Cuba para estar presente en tan significativa ocasión. Ambas presentaciones fueron premiados con largas ovaciones, con el público de pie", puntializa a Música Cubana el autor de Camerata en guaguancó.

Desde acá nos alegramos de que nuestra música se prefiera en otras partes del mundo.

La dulce locura de Patricio Amaro

2010-03-03T08:27:00.001-08:00

Tengo entre las manos el nuevo disco de Patricio Amaro, el muchacho aquel de "amor yo nunca te olvido,/ nunca te olvido, mi amor". Escuché mucho esa canción, tenía una mezcla de rock con pop. Es una cuerda en la que se mueve con soltura Patricio y no le queda mal. Ahora viene con su disco Dulce locura (Bis Music 2010) y se ve diferente desde misma portada del álbum.

¿Sonará distinto?, me surge la pregunta. Les propongo seguir develando el nuevo fonograma y averiguarlo. A la vista, como les comentaba, Dulce locura sorprende por mostrar a Amaro con un look diferente.
En la portada se conjugan colores como el azul y el blanco para dar una imagen ligh del cantante. Mientras, en la contraportada, aparece el intérprete con su guitarra y unos guantes negros y, como fondo, una tonalidad de azul mucho más fuerte, lo que ofrece la idea de que no ha abandonado su formación roquera. Lo mismo se resalta en las instantáneas interiores, donde Ricardo Monnar toma los conceptos pautados por el nombre del CD y los despliega en su diseño gráfico.
La producción del álbum ha corrido por José Manuel García Suárez y Eddy Cardoza López, quienes además participaron activamente en la grabación, mezcla y masterización de este producto. En el caso de los temas del disco, todos han sido compuestos por Patricio. En total suman 11 canciones las que integran Dulce locura, entre ellas el autor regala doblemente el sencillo que da título a su producción discográfica -una de ellas es un remix bien a lo música disco-, e incluye Nunca te olvido, un éxito de Amaro que ahora viene como bonus track.
Suena agradable al oído Llegué caminando, donde el compositor aclara -quizá como una declaración de cómo llegó a la música-, que a él "nadie lo trajo". En la balada rock Para la vida, donde la guitarra es protagonista junto a la voz del cantante, observo ese hálito romántico que no falta en el intérprete y que explica con belleza que "me convierto en un poema,/ tú en mi musa y en mi más, dulce dilema./ Benedetti lleva el hilo, /entre sus versos me miro/ en todo lo que siento y nunca digo".
¿Dónde encontrar entonces esos temas en los que Amaro se muestra más roquero? Pues está esparcido en todo el disco, pero más en Ya no pienso en ti y El cielo en tu boca. Allí Patricio habla del desamor y del más sublime de los sentimientos, en un leguaje que cuida y redondea con la finura de su forma de componer.
No me sorprende que Dulce locura sea un compendio de canciones bien escritas sobre una melodía bien pensada y con un evidente conocimiento del mercado comercial, porque en definitiva la nueva entrega de Patricio Amaro apunta a su crecimiento como músico y crea ese importante efecto de cautivar a quienes lo escuchan.

*En la foto aparece Patricio Amaro junto a Edesio Alejandro.

Las canciones al piano de José María Vitier

2010-02-26T18:38:00.001-08:00

Hoy les comento sobre un pianista que, desde su sensibilidad, tocará títulos imprescindibles en varios escenarios de Cuba. José María Vitier ha querido que su gira nacional -titulada Canciones sin palabras-, lleve en las entrañas esos temas que tantas veces entonamos y que también reconocemos por su melodía.
Siempre le ponemos un nombre genérico a estos recorridos. En esta son esas importantes canciones, lo único que nadie cantará. Solo soy yo al piano”, me ha dicho este viernes el artista.
Vitier, que iniciará el periplo el 4 de marzo en la ciudad de Guantánamo, se confiesa un eterno admirador de la trova, la cultura afrocubana, la rumba y el jazz. Cargado de esos géneros y con su talento, interpretará clásicos nacionales como Quiéreme mucho de Gonzalo Roig, y el Son de la loma de Miguel Matamoros.
Sus composiciones también viajarán por las localidades cubanas. Así llevará Variaciones afrocubanas, una versión libre de José María sobre temas yorubas, sus románticos Gacela del amor imprevisto y Deseos, y su devota Oración por Cuba, entre otros.
Para los 13 conciertos previstos, el músico ha invitado a los percusionistas Adel González y Luis Bárbaro Rodríguez. En esas presentaciones hará “muchos estrenos, porque la mitad del material es nuevo”, apunta.
José María revela que en este momento ha estado grabando mucho y “los conciertos -tanto los de la gira como el de La Habana el 24 de marzo en la Basílica Menor del Convento de San Francisco de Asís, que será diferente-, están basados en material que saldrá en próximos fonogramas”.
Es el tercer año consecutivo que Vitier emprende este tipo de recorrido. Los anteriores fueron promocionando su CD DVD Pulsos de vida -presentado en la pasada Feria Internacional Cubadisco-, y su disco Paisaje interior.
Aunque las presentaciones en Santiago de Cuba, Bayamo, Manzanillo, Camagüey, Cienfuegos, Santa Clara, La Habana, Cárdenas, Bejucal y San José de las Lajas; mantendrán muy ocupado a José María, ya avizora nuevos proyectos discográficos.
Casi a punto de salir están esas versiones de temas que dan nombre a su gira y que incluyera el artista en un fonograma editado por el sello Autor de la SGAE. A esto se suma un álbum dedicado a la música de cámara.
Son el periplo Canciones sin palabras y las novedades discográficas, una oportunidad para ahondar en ese increíble mundo sonoro de José María Vitier. Sin dudas, constituyen pinceladas que el público no perderá de vista.

Dos trovadores, dos conciertos

2010-02-23T09:37:00.001-08:00

¿Por qué la música tendrá ese efecto de recordarnos buenos momentos? ¿Por qué a veces nos sorprendemos cantando un pedazo de alguna canción que ni creíamos conocíamos? No sabía que tenía en mi subconsciente tantos fragmentos de canciones de Polito Ibáñez y Raúl Torres. Descubrirlo el viernes y el sábado últimos en dos teatros de La Habana, fue algo mágico.

El lirismo y esa capacidad de Polito de mostrar en sus letras cómo somos de románticos y preocupados por nuestro día a día, lo encontré en el Teatro Mella. Ibáñez presentaba su nuevo disco Sombras amarillas (Bis music 2010) y no perdió la oportunidad de interpretar clásicos suyos como Ausencia donde solo se hizo acompañar del piano, Recuento, Piercing de amor, Como nacen las hojas...

Noté que Polito persigue la misma cuerda reflexiba en Sombras amarillas que en sus entregas anteriores. En la portada del CD el cantante aparece con el aire clásico del trovador con su guitarra, mientras en el concierto se le veía acompañado de una banda, algo que en la actualidad constituye una tendencia entre los trovadores en Cuba.

Me agradó del nuevo fonograma que sobresaltara su faceta de cronista social y que Ibáñez nos regalara En la basura, donde habla de esas pequeñas cosas que nadie quiere ya llevar consigo. También Gente de pueblo destaca ese noble empeño de dialogar sobre las personas sencillas que conviven junto a nosotros en la ciudad.

Sin embargo, sentí que la velada junto a Polito se ponía por momentos tensa, causadas por algunas demoras entre un tema y otro, y las retardadas y reiteradas afinaciones de las guitarras, súmele a ello que el concierto comenzó casi 30 minutos después de lo previsto y duró aprximadamente dos horas.

Maqueta sabatina

Raúl Torres escogió la frase Maqueta de platino como título del disco que grabara en 2009 con la EGREM. A seguirlo en esos temas donde Torres se le ve inmerso en un campo más experimental y de otros muy conocidos quiso el trovador convidar el sábado último en el Teatro Karl Marx.

Celebraba así dos décadas al calor de la melodía y poniendo en ella letras que hablan de los vivencias personales y colectivas. De ahí que en el escenario sabatino se le viera a Raúl acompañado de muchos colegas. Esa noche hubo en escena momentos memorables como ese de David Torrens y Raúl en Only you, un sencillo con toques de blue en el que resultó un gustazo disfrutar junto a las interpretaciones del saxofón de Ernesto Camilo Vega como fondo.

Con Kelvis Ochoa, Torres quiso cantar una de sus canciones más conocidas Candil de nieve. La unión de ambos resultó especial, aunque también sientiera nostalgia en ese tema por la voz de Pablo Milanés, quien no estuvo presente esa noche por compromisos de trabajo como explicara en un video difundido en la velada.

Me agradó igualmente el acople que encontraron el trompetista Yasek Manzano y Raúl. Asimismo, me sorprendí tarareando el tema de este último junto a Israel Rojas y Yoel Martínez (integrantes de Buena Fe), donde pedían: "Vamos a abrazarnos fuerte/ vamos a querernos mucho/Que nuestro amor contagie gente y limpie el odio de este mundo"...

De uniones fabulosas también encontré la de Raúl junto a Lynn Milanés y a Yolo Bonilla. Igual sucedió con la calidad de los instrumentistas invitados: Abel Acosta (tres, percusión) y la orquesta del Conservatorio Amadeo Roldán.

En fin, que me pareció excelente volver a encontrarme con estos dos trovadores. Cada uno con una forma distinta de hacer música, pero con ese común punto de marcar en la conciencia de sus seguidores las frases exactas de sus canciones, esas que escuchamos en los buenos momentos y repetimos sin rubor en algún que otro concierto.

Se los prometo

2010-02-20T21:51:00.000-08:00

Prometo escribir el lunes de dos conciertos a los que acabo de ir este fin de semana. No lo hago ahora porque mi cabeza está a punto de estallar con una terrible migraña. Solo les adelanto que La Habana estuvo trovadoresca durante viernes y sábado con Polito Ibáñez y Raúl Torres de concierto. Si alguno de los lectores de Música Cubana quiere compartir sus impresiones sobre ambos conciertos, pues me dejasus comentarios y vemos cómo los acomodamos. Un saludo y excelente domingo.

Un canto a la felicidad

2010-02-12T16:27:00.000-08:00

Estuve unos días sin escribir para ustedes, pero siempre los llevo en esa cavidad palpitante que tenemos en el pecho. Hoy les traigo un buen tema, surgido al calor de una cobertura reciente. Les cuento...

Una instantánea “dibuja” lo que se quiso mostrar en letras musicalizadas. Una portada grafica lo que significa ser feliz para una artista. La fotografía y la música se funden para armar el concepto de felicidad, que al decir de su creadora, es una visión personal y a la vez universal, de apreciar ese tema.
Es un disco quien capta todo ese entramado de canciones e imágenes. Es lo nuevo de la cantante Haydée Milánes, que recién ha presentado la disquera Bis Music. El álbum es el tercero de la intérprete y con él desea que llegue un mensaje feliz a quienes lo escuchan.
Once sencillos enarbolan esa máxima, que para nada toma ideas idílicas y sí reales sobre una temática en la que todos los seres humanos tenemos mucho que aportar.
Pero, ¿cuál es la estrategia de Haydée?. Pues ella se vale, para referenciar, de lugares significativos no solo para sí misma, sino para sus coterráneos, como sucede con En el muro del Malecón, una alusión precisa a ese particular sitio habanero a través de las frases: Qué buscamos/qué queremos tener/cariños guardados del ayer/recuerdos vamos a recorrer/sonrisas que no puedo perder/en el muro del malecón.
Otros temas no dejan fuera al amor, como expresión suprema de todo momento eternamente positivo y gratificante. Entre ellos se encuentra el que da título al volumen, A la felicidad, cuya letra la firman David Blanco, René Espí y Haydée Milanés, siendo esta última la autora de la melodía.
También está permeado de esos aires románticos Yo quiero que me quieras, una exquisita mirada a la relación de pareja que encuentra toda la calidez y la esperanza en las voces de sus intérpretes -Pablo Milanés, Roberto Hernández y Haydée-, y en la flauta de José Luis Cortes (El Tosco).
No me hables deviene fino ejercicio de reconocer el fin de una relación. Así el poeta brasileño Thiago de Mello y Haydée toman la ruptura como conducto principal de la canción y logran el efecto que desean.
Haydée igualmente describe en sus textos la llegada Discreta de la lluvia y allí la acompaña Omara Portuondo. Además, la cantante se adentra, junto al argentino Pedro Aznar, en esos Espíritus que llegan a través de la música y que salvan a la gente de momentos tristes. Luego, invita, de conjunto con David Blanco, a trazar Puentes de amor colectivos como una manera de regocijo y de ser feliz.
Comparto la idea expresada por Oni Acosta en la presentación del CD A la Felicidad. La Milanés sabe hacia dónde va el mercado, pero no por ello deja de brindar un álbum valioso, con una sonoridad apegada a lo más actual y con formas novedosas de hacer los arreglos musicales –por cierto su mano está en la totalidad de ellos.
En todos los textos Haydée escribe o se hace acompañar de músicos como René Espi y David Blanco. El proyecto le ha tomado dos años, sin embargo ha valido la pena emplear ese tiempo. Resulta que, para ella y los jóvenes a los que dedica el disco, les es siempre grato hablar de la felicidad, y enhorabuena que lo haya mencionado.
*En la foto Haydée canta junto a su padre Pablo Milanés.

Sinfonía de medio siglo

2010-01-29T19:05:00.000-08:00

Descorchan un año como con la champaña. Beberán 12 meses de un tirón, porque en definitiva, medio siglo no se festejan todos los años. La Sinfónica de mi Isla cumple sus primeros 50 abriles. Ella canta su "oda de la alegría" a quienes cada semana se sientan en frente al escenario, también a ese mágico teatro auditórium Amadeo Roldán que con su acústica y su espacio físico, permite que la melodía de la agrupación no se conviertan en silencio.

Aunque 1959 marcó el inició del proyecto, fue el año siguiente la fecha justa para presentar el primer concierto de la OSN. Un programa dedicado a la música de Alejandro García Caturla se escucho esa vez, como claro referente de que la Sinfónica hurgaría en el repertorio nacional sin obviar la música tradicional y la popular, para conjugarla con los clásicos de la sonoridad universal.

«Son cuatro conciertos a lo largo de todo este año para festejar», dice el director general de la OSN. El primero, previsto para este domingo en el Teatro Auditórium Amadeo Roldán, dirigirá la orquesta el maestro Guido López-Gavilán.

Allí se reconocerá a 16 fundadores y tres instituciones muy relacionadas con la fundación de la orquesta como lo fueron el ICAIC, el Teatro Nacional y el Ballet Nacional de Cuba. Del cine se recuerda la participación de la agrupación en la musicalización de películas como Historia de la Revolución.

Sin dudas, me uno a esta celebración eterna, esa donde el goce y el regocijo, se alcanza desde el lunetario, escuchando lo mejor de nuestra sonoridad, gracias a la melodía salida de la Sinfónica.

www.egremtodomusica.com

2010-01-25T12:59:00.000-08:00

Ya lo sé. Es un sitio digital. Pero ¡qué sitio! La Casa de Ediciones y Grabaciones Musicales de Cuba (EGREM) ha presentado hoy esta sencilla dirección electrónica y en ella acopia más de 12 mil títulos musicales. La música cubana del siglo pasado, guardada celosamente en sus archivos, y todo lo actual que EGREM: Las puertas de la música la discográfica posee, ahora lo pone a solo un clik de los usuaros de www.egremtodomusica.com, la nueva tienda on line, que desde ya se estrena en la red de redes.

Con precios que tienen un tope de 0.99 centavos USD y 2.00 pesos cubanos por tema musical, la EGREM propone a sus seguidores un amplio espectro de la sonoridad nacional. Allí encontrarán desde grabaciones de Benny Moré hasta lo más actual de la Charanga Habanera. En una plataforma bilingue (inglés y español) los interesados pueden hacer todos los pedidos tanto desde la localización del sitio web como desde la red de tiendas de la disquera ubicadas en Ciudad de La Habana (Casa de la Música Habana), Varadero (Plaza América), Santiago de Cuba (Centro Dos Abuelos), Trinidad y Holguín. En el caso de la red de tiendas este proceso de descargas de música se instala paulatinamente.

Aunque estudiosos en el tema de la comercialización electrónica de la música aseguran que las tiendas virtuales le plantean un reto en las ventas a los discos compactos y otras formas de promoción, la EGREM confía en esta iniciativa personaliza sus servicios y le da opciones a los usuarios de conformar su propia selección.

Las tiendas virtuales son comunes en otras partes del mundo y en la propuesta cubana se espera que se sumen otras casas discográficas. Por el momento, la EGREM ha anunciado que los que busquen www.egremtodomusica.com antes del 25 de febrero podrán realizar sus descargas gratuitamente. Los detalles los ofrecen en el sitio. Espero que los lectores de Música Cubana me comenten de sus selecciones.

Lo que escucharemos en 2010

2010-01-21T13:32:00.001-08:00

Estoy contenta. Habrá mucha música cubana que escuchar en 2010. las discográficas se alistan para plasmar parte de lo que acontece en nuestro panorama sonoro. Hoy les hablo de Bis Music, una disquera que en 16 años ha acopiado un catálogo que supera los 700 títulos y espera subir la parada en estos 12 meses.
Dagma Francia, su directora de marketing, ha comentado para este año contarán con producciones excelentes y que incursionan en muchísimos géneros.
De Bamboleo saldrán dos discos: el primero es una especie de descarga de boleros pertenecientes a los años 30, 40 y 50; y el segundo es de música popular bailable. Igual sucederá con Manolito Simonet con un CD de jazz y otro dedicado al son; mientras de Elito Revé se espera un nuevo fonograma luego de su éxito con Fresquesito.
De Sory habrá un fonograma y en él aparecerán invitados excelentes como Pablo Milanés y Alexander Abreu. Llegará igualmente de Interactivo con Cubanos por el mundo, y de la música campesina saldrán dos CD que rinden homenaje a Celina González, en los que aparecen músicos que forman parte del catálogo de Bis Music.
Para los que gustan del pop se les dedica el fonograma de Patricio Amaro -que viene con un cambio de imagen. Mientras que para los que gustan de la música de la cantautora Liuba María Hevia les tengo una buena noticia: está en proyecto el álbum para adultos Puertas, y allí Liuba tiene como invitados a Ana Belén y Luis Represas, entre otros.
Para los seguidores de Haila les anuncio que se le dan los toques finales a su CD, y también al del maestro Adalberto Álvarez, el cual incluye un DVD del concierto que ofreciera en el Teatro Karl Marx por los 35 años de vida artística.
Espero haberlos llenado de buenas nuevas. Así que amigos con todas estas noticias imagino que seguimos estrechando nuestra relación, pues la música cubana nos seguirá uniendo.

Jackeline Vell: Una apuesta por la canción

2010-01-15T11:20:00.000-08:00

Se me olvida fue el tema por el que supe de Jackeline Vell. En él la cantante holguinera hace gala de su proyección vocal y nos devuelve la canción, compuesta por Jesse Suárez, con su particular forma de interpretarla.

Ahora Jackeline pone Se me olvida junto a otros nueve sencillos en su primer álbum, titulado Mírame(Bis Music 2009). Allí se palpa esa precedencia de la Vell, del canto lírico, especialidad que estudió en su natal Holguín. Porque con este disco la joven artista ha querido mostrar también todo lo que la ha nutrido como cantante.

“Me gustó trabajar con equipo de ‘primerizos’”, dice Vell, y con ellos explica su estreno y el de los integrantes de su banda en las lides discográficas.

En el orden de las composiciones, en Mírame aparecen temas de Osmani Espinosa, Jesse Suárez, Bismark Estupiñán y Antonio Alonso Brito, entre otros. La razón por la que no hay canciones de Jacqueline en el CD es sencilla: “Tengo un arsenal de composiciones mías, pero fui en busca de las personas que escribieran lo que quería”.

Así emergen temas como 100 % Latinoamericana (de Ernesto Yoel Espinosa), donde la intérprete expresa ese deseo de pertenecer a una región prodiga en culturas genuinas. También hay otros track donde la Vell aboga porque la mujer tenga su lugar en la sociedad, y no faltan los títulos románticos.

Son una muestra de ese deseo de decir de la artista Quédate con él, Quién dice que no, Animales, Nada —cuyo videoclip obtuvo cuatro nominaciones a los Premios Lucas—, y Gente auténtica —video seleccionado para la campaña de prevención de las enfermedades de transmisión sexual en la Isla.

Porque se trata, como ha dicho la cantante, de hablar a través de la música de cosas serias y que la preocupan. Es por eso que el crítico Oni Acosta Llerena le otorga el calificativo de disco “osado” y que consigue el beneplácito de quienes lo escuchan.

El álbum de Vell se mueve entre los resortes del pop rock. En él la melodía fluye a través de la banda que la acompaña, compuesta por drums, guitarras, teclados y bajo.

Todo ello se ubica en armonía con las letras, y así muestran que este comienzo fonográfico de Jackeline Vell, ya da mucho de qué hablar. Escuchémoslo.

Las Tunas: ¡Oh, melancolía!

2010-01-13T18:50:00.000-08:00

He estado 12 días en Las Tunas, la ciudad donde crecí y donde escuché las primeras cosas en música. También el lugar donde publiqué por primera vez un comentario con ese tema. Podría decir que es la ciudad de mis comienzos y, si tuviera que confesar algo, diría que fue el Periódico 26 quien ayudó a fomentar mi gusto por escribir sobre la música.

Quizá la génesis esté en que esa ciudad, ubicada a la entrada del Oriente de mi Isla, lleva tatuado en sus calles, bares, teatros y parques, todas las notas y géneros lo que nos hacen a los cubanos eternos músicos por intuición.

Ahora que he llegado a La Habana hecho de menos el cálido son salido de los septetos Sincopa y Barricada, o de las orquestas Sonido Caliente y la emblemática Los Surik, la cual dejo una huella en la nación en los años 80 con las interpretaciones de Virginia y ese precioso tema Una noche romántica -creo que ese era el título, si la memoria no me falla.

Tengo nostalgia de las peñas en la casa del joven creador, atiguo Liceo de la ciudad. Allí en la década de 1990 era muy oportuno encontrarse con trovadores como Norge Batista y Freddy Laffita, dos grandes juglares de Las Tunas. Todavía recuerdo esa canción de Norge describiendo la ciudad y que tituló Búscame adentro, como una ruta musical para recorrer calles y pasadisos de la localidad.

Esta noche cuando evoco la música de una ciudad pintoresca de Cuba, recuerdo las palabras de un personaje de la vida cultural tunera. Para Sabala, creador de la célebre comparsa de la ciudad, "la música y el ritmo de Las Tunas, nos distinguen". Y así lo siento hoy que regreso del sitio donde los primeros acordes sonaron en mis oídos.

*En la foto el trovador Norge Batista.

Las cinco razones musicales para vivir 2010

2009-12-28T14:15:00.000-08:00

"Porque la vida es una", recuerda Olga Tañón, y vivirla importa mucho. Si es con música, mejor. He ahí la primera, de unas cinco razones, para vivir intensamente cada minuto del año próximo.

También está ese otro motivo por el cual acudimos a la melodía, para evocar recuerdos. Espero seguir escuchando a los que me digan que vale la pena seguir adelante y que música, como la cubana, te saquen de ese trance tan imperturbable que suele ser la rutina.

Bienvenidas las canciones que nos dicen que "solo el amor engendra la maravilla" y que ese es un sentimiento tan fuerte que es capaz de derribar fronteras, como las de los colores y las creencias.
Creo en lo que dicen los buenos temas, por eso pienso que la mayor satisfacción que me da este blog, es que ustedes estén en él, leeyéndolo, pensando que es la Música Cubana uno de los elementos imprescindibles en su vida.
Y sobre todo, soy complice de toda esa empresa que muchos llevan dentro y que suele ser disfrutable cuando decidimos en algún momento del día, darnos el aliento desde el tocadisco, el MP3, las disman, o las reproductora.
Felicidades en 2010, éntrenle con música.

Van Vanéate

2009-12-16T14:22:00.000-08:00

Nunca había visto tanta gente en un lugar tan chico. Era una extensa fila de personas a la entrada de un sitio musical de La Habana. Todos allí esperaban para rumbear y marcar el paso ante el yambú, guaguancó y columbia que hacía reverencia a Los Van Van.

La discográfica EGREM organizó la velada y fueron varios los grupos que se sumaron con un toque largo de tambor para la célebre orquesta cubana. Siempre me agrada la rumba, aunque para ser sincera no tuve esa cercanía con el ritmo en Las Tunas, la ciudad donde crecí. Por eso me emocionó ver a Yoruba Andabo interpretando ese tema de Silvio que tanto nos describe a los cubanos.

Con El necio y una carismástica improvisación, Yoruba hizo recordar que Los Van Van "vienen chapeando" desde siempre. Formell agradeció las canciones y el gesto de todos los presentes de hacer del cumpleaño una celebración tan especial. "No es que sea rumbero, pero este ritmo me fascina", dijo.

Al homenaje se sumaron los matanceros de Columbia del Puerto -grupo que trabaja con Formell en la realización futura de un disco-, y el salsero Maykel Blanco.

Fue una noche grandiosa, donde Mayito Rivera vocalista de Van Van- mostró sus dotes de cantante rumbero, se disfrutó de los humoristas "Gustavito" (Geonel Martín) y Teresa Pieto (Carmen Ruiz), y se exhibieron fragmentos del DVD de los Van Van Aquí el que baila gana.

Andar La Habana con bufanda y cartelera

2009-12-14T12:12:00.000-08:00

Tuve unos días magníficos. Siempre es una suerte estar en La Habana a inicios de diciembre. La ciudad cambia. Se vuelve una gran pantalla con el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano. Esta vez les comento que mi "viaje al centro del cine" fue al convite musical que recreo el evento cinematográfico. Me marcaron los documentales dedicados a abordar la fase creativa de los músicos.

Vi Las manos al piano, un material que retrató a Fito Páez cuando le daba vida a Rodolfo, su disco de 2007. También me emocionó otro material dedicado a Calle 13, los reguetoneros boricuas.Pude ver el documental de X Alfonso, un muchacho muy desenvuelto en la música y que se mueve con soltura y desenfado en los audiovisuales.

Fue un placer para mí conocer a Robert Karft, un hombre que ha dedicado su vida darle coherencia musical a filmes de la compañía norteamericana Fox y que tiene a su haber las supervisiones melódicas de Titanic y Moulin Rouge, y la composición del tema Bajo el mar, del animado La Sirenita.

En fin, que si me preguntaran qué querrías repetir de los últimos días, como nos enuncia Silvio en una de sus canciones, diría que volvería a disfrutar de tanto buen arte contenido en la pantalla grande, y que fuera la música ese puente común del gran espectáculo audiovisual, es la mejor parte de toda la historia. Un abrazo a todos.

Haydée Milanés busca las notas reales

2009-12-11T16:46:00.000-08:00

No cree en presagios que la aparten de la música. Una sola vida se le hace tan corta cuando se le antoja cantar y prefiere perderse «sin rumbo» por la melodía. Son sus frases. Las he tomado «prestadas» de Tú y yo, uno de los temas que ha popularizado Haydée Milanés.
En ellos ha tratado de decir que arte, romanticismo y vida van de la mano. Es que las notas musicales le han llegado de una manera natural. «Mi padre y algunos de mis hermanos son músicos», afirma, aunque asume que fue una decisión absolutamente propia la de dedicarse a esa profesión.
Hubo algunos zigzag en su camino, no obstante todas las rutas andadas le han servido en la actualidad. Estudió primero piano, luego dirección coral y finalmente se graduó de Teoría y Solfeo.
«Pero fue el canto lo que siempre estuvo presente en esa etapa de estudios. Ha sido lo que más he disfrutado, lo que menos trabajo me ha costado hacer, porque mi instrumento es la voz», asegura Haydée.
Confiesa que de niña se ponía a practicar con las letras escritas por su padre, aunque a ese «repertorio» le incluía temas de Michael Jackson, Stevie Wonder, Lionel Richie y Elis Regina.
Su infancia estuvo muy ligada al arte. Vivir ese momento fue sencillamente fascinante. «Se suponía que tenía que estar durmiendo cuando había descargas en casa, pero me quedaba escondida para ver a los mayores cómo cantaban y hablaban.
«Recuerdo la visita de El Guayabero, también la que nos hiciera a principios de los años 90, el Niño Rivera, un excelente tresero y arreglista. Él estaba muy viejito y escuchamos la música que hizo en su juventud».
¿Cuánto de Pablo hay en ella?. Es mi primera pregunta, obvia y a la vez necesaria. Asegura que mucho. «Está a la hora de interpretar y de los gustos musicales. Tengo, supongo, cosas que he admirado de él como ser humano y que he querido conservar para mí».
De Cuba hay una buena dosis en lo que canta Haydée. Musicalmente está bastante influenciada de melodías de otras partes del mundo, «pero el sentimiento y los gustos son muy de aquí. Me agrada mi país. El Malecón de La Habana es un lugar que me gusta tener cerca», señala.
Escogió el jazz para iniciarse en su carrera. Quizá porque el género era, en su vida estudiantil, «la máxima aspiración de un artista —lo es incluso en el lenguaje de los músicos ahora. En la escuela no se imparte música popular, sin embargo el jazz es un estilo muy respetado por los músicos.
«Ernán López-Nussa fue una suerte para mí, porque estaba buscando ese tipo de trabajo para la voz. Hicimos en Brasil el disco From Havana to Río. Allí interpreté Isla, uno de los primeros temas importantes del grupo».
Sin embargo, Haydée quiso mostrar sus propias ideas. Deseaba básicamente hacer música y no dejar fuera de ese proyecto a la nueva trova, el pop, soul, funky y la música brasileña.
Componer es un asunto serio en su carrera. Es un viejo anhelo. Su primer álbum lo grabó con temas de Descemer Bueno y ahora que llega su tercero, llamado A la felicidad —Haydée en Vivo es su segundo—, se arriesga.
Allí habla de situaciones cotidianas y de relaciones de pareja y familiares. Igualmente le canta al Malecón de La Habana, a la vida y, por supuesto, a la felicidad.
Su nuevo disco no es idílico, sino real: «Bastante creo. Está basado en el lado bonito, en el salvable. Lo produje yo misma y la disquera Bis Music lo licenciará».
El álbum tiene 11 sencillos, los cuales quiso promocionar en una gira nacional que emprendió del 10 al 29 de junio pasado. Ahora prepara cada detalle de la presentación del disco el próximo 23 de enero, en el Teatro Karl Marx. La velada contará con invitados de lujo como Pablo Milanés, Omara Portuondo, Robertón Hernández (vocalista de los Van Van), José Luis Cortés (El Tosco), David Blanco y el argentino Pedro Aznar.
«Me siento muy contenta del grupo que he podido reunir», subraya la cantante. El proceso de grabación le tomo dos años. Ese tiempo estuvo a tono con la disposición de Haydée de experimentar y explotar otros estilos.
Así sucede con uno de los track de A la felicidad, en el que integra un texto poético del brasileño Thiago de Melo hecho especialmente para el CD, titulado No me hables. Del mismo modo se auxilia en las letras de René Espí y David Blanco, dos artistas con estilos muy distintos.
«No quiero encasillarme, soy músico», insiste Haydée. De ahí que en otras ocasiones se haya conectado con la forma de expresar la melodía de Yusa, Robertico Carcassés y Kelvis Ochoa, entre otros.
«Formamos parte de un movimiento, del que nos podemos nutrir y aprender. Cada cual tiene su sello, sus ideas, pero en algunos momentos nos encontramos y nos aportamos cosas», apunta.
En lo personal le es placentero cuando la gente siente cercano su repertorio. Le ha sucedido que el público le pide Tú y yo, Libélula y Tanto amar. Cantarlas le satisface. Va una parte suya en ellas porque, en definitiva, una buena canción para que llegue, debe ser absolutamente real. Y eso es precisamente su música.

Un ex Ketama con Cuba en el corazón

2009-12-02T15:25:00.000-08:00

He descubierto a Antonio Carmona en un viaje a la provincia de Pinar del Río. Vino a Cuba para participar en el segundo concierto de Escuelas contra huracanes —celebrado en noviembre último en el teatro Karl Marx—, invitado por el cantante Raúl Paz. Al ex Ketama le agradó palpar en esta ocasión, el arraigo de los cubanos con su tierra. Le recordó de dónde viene. «Los gitanos somos así también».
Vino a cantar en un concierto que recaudó fondos para reparar las escuelas afectadas por el paso de los ciclones de 2008. Cuba le ha inspirado tanto a Antonio que ya ha completado las letras de su próximo disco. «Estoy escribiendo aquí. Me he ido a la calle. Me he tomado un mojito y me he parado en una esquina para ver lo que pasa en La Habana».
Todavía se preguntaba al terminar el concierto del Karl Marx, cómo se iba de la Mayor de las Antillas, si su sueño —desde pequeño—, era, «más que abogado o músico, ser cubano».
Tanto habla de nosotros que va a ser difícil que nos excluya de sus planes futuros. «Siempre los tengo presente. Es bueno venir acá y refrescarse musicalmente. Me voy mucho más humano de ver el compañerismo que hay, a pesar del paso de los huracanes, y sobre todo, del trato de ustedes».
No estamos lokos pegó aquí en la pasada década. Son tantos los secretos de ese número, de cuando eran Ketama y no Antonio Carmona de un lado, y Juan Carmona y José Miguel Carmona de otro.
«Hemos grabado ese tema tantas veces. Está metido en el disco De akí a Ketama (1995). Lo fusionamos con raíces africanas y latinas, y con el jazz y el flamenco.
«Fue un himno muy grande en España, en muchos sitios del mundo, y, por supuesto, en Cuba. Era una frase para vindicar el flamenco, pues en aquella época nos costaba mucho hacer nuestra música. La gente no la entendía.
«Al flamenco que le pusimos batería, bajo, congas y otros instrumentos que no eran convencionales para el género. Las personas decían: “cuidado”, “¿qué es esto?”.
«Era definitivamente una rama del género. No en su matiz más ortodoxo, pero sí una forma de hacerlo mucho más abierto e internacional».
Antonio es gitano. De ahí le viene su acento al hablar, su manera de ver la vida y la música. Serlo significa para él llevar a la melodía una cultura milenaria. «Mi pueblo tiene mucha riqueza en lo musical y en lo humano», asegura.
Ketama cambió la forma de interpretar el flamenco con su manera particular de tocarlo. Antonio debe añorar todo ese tiempo donde la creación era colectiva. A él le gusta explicar cada detalle e, indiscutiblemente, no hubiera habido Ketama sin su historia familiar.
Prefiere decir que esa pequeña «revolución» empezó desde casa. «Pertenezco a una familia de guitarristas. A nosotros nos apodan los Habichuela por mi padre, mi abuelo y mi bisabuelo. Ellos hacían flamenco. Mi papá viajó por todas partes del mundo y empezó a traer discos de grandes como Rolando Laserie, Ismael Rivera y Benny Moré.
«Me empezó a motivar. Mi primera canción fue una sevillana que inicia así: “Linda tierra Cuba, te canto yo”. Hace más de 12 años abrí así el concierto que ofrecí —como parte del grupo Ketama— en el teatro Karl Marx. El público hizo una gran ovación y fue impresionante».
Vengo venenoso es su primer paso fonográfico desde que en 2004 se separa los Ketama. Le tomó un año encaminarlo en los estudios, y mostrárselo al público.
«Es un disco autobiográfico. En él le canto a mi gente, a mi padre, mi madre, y a todas las personas que me rodean. No tengo que mirar mucho más allá para sacar canciones y para ver lo bonita que son mis niñas, que son muy rubias y les corre la sangre gitana».
De eso se trata el camino que ha emprendido en solitario Antonio Carmona, de hacerlo su manera. «Después de casi 23 años de estar con Ketama, decido hacer este disco. Todas las canciones son mías. En una de ellas hablo de la emigración de África hacia Europa, un tema muy fuerte. Crecí en un sitio donde arribaban esas embarcaciones, y es un drama porque algunos de esos barcos no llegan al puerto»
Le va bien ahora al cantante, pero siempre ronda la pregunta: ¿Se reunirá Ketama? Antonio piensa que sí.
«A lo mejor más calvos, más viejos, pero sí, en el futuro nos veremos nuevamente Juan, José y yo. Ahora cada uno tiene su carrera, pero creo que Ketama es un estandarte que nunca va a morir». Confío en la profecía de Antonio, también en su nueva empresa.

Los secretos de Iré a Santiago

2009-11-29T12:46:00.000-08:00

Estoy en Santiago de Cuba amigos míos. Estoy en el Festival Internacional de Coros de Santiago de Cuba que le rinde homenaje al compositor cubano Roberto Valera. Él se siente feliz por estos días. y varias de las agrupaciones asistentes interpretan su popular Iré a Santiago.

Para Valera es “increíble que el tema cumpla ya 40 años, un tiempo en el que no se ha bajado del repertorio del Orfeón Santiago. Agradezco al maestro Electo Silva y al pueblo de Santiago de Cuba que la ha acogido y ha hecho suya”.

La composición fue el pretexto del Premio de la Música en el año 2006, para visitar la ciudad de Santiago de Cuba. “Tenía 30 años y no había pisado la tierra caliente, sin embargo en mi mente estaba el estribillo de Eduardo Saborit: “conozca a Cuba primero y al extranjero después”, cuenta.

Cómo es posible que no hubiera visitado esta ciudad, se pregunta Valera al reconocer en la urbe oriental tantos valores musicales. Enumera que es la “cuna del son”, el sitio donde tantas veces se inspirara Esteban Salas, el de la tradición coral, y un lugar clave en la historia política de Cuba.

“Me había encontrado con los versos que le dedicara a Fernando Ortiz, el español Federico Lorca -un poeta que admiro. Los utilicé para componer Iré a Santiago”, comenta.

El tema, según su autor, no dejó fuera al son cubano, ni el toque andaluz que dicta el poema. “Otro secreto es que utilizo la entonación que tienen los santiagueros al hablar y también la de los habaneros. Es decir, que en ese tema está La Habana, Andalucía y Santiago de Cuba”.

Y resulta placentero escuchar, cada vez que inician los conciertos de esta 29 edición del Festival Internacional de Coros en la ciudad más caribeña de la Isla, a tantas voces juntas tarareando: iré, iré a Santiago. La frase es muestra esa clara esencia de lo que somos.

A La Habana le cantan siete músicos

2009-11-23T13:50:00.000-08:00

El Septeto Habanero, legendaria agrupación cubana fundada en junio de 1920, hace su sitio en la Sociedad Cultural Rosalía de Castro de La Habana, adonde acude a ensayar y cultivar la música tradicional cubana, y desde allí hacer su trinchera de resistencia contra el olvido del género.

Desde las calles Monte y Egido, la capital cubana es vista entre sones, guarachas, boleros y tradiciones. Un largo recorrido sonoro sitúa al grupo liderado por Felipe Ferrer Caraballo entre los principales en el giro. Tanto es así que desde el 29 de octubre de 1924 (fecha que marca la primera grabación de un son, con el tema La maldita timidez) hasta la actualidad, 85 discos conservan la impronta del Habanero.

Con casi nueve décadas, esta agrupación asume la interpretación desde la perspectiva de preservar el son, aunque con la capacidad de utilizar elementos que lo conectan a nuestros días. De ahí que muchos disfruten de éxitos como La calle vapor -compuesto por el cantante del grupo, Emilio Moré, y cuyo videoclip ha sido transmitido en el programa televisivo Lucas-, o aplaudan el Premio Cubadisco 1999 en la categoría de música tradicional.

El Septeto Habanero ha actuado en más de 32 países y ha representado a la Isla en festivales internacionales como el del Son y el Flamenco de Sevilla 1995 (España), la Fiesta de la Música Francia 2000, y el de Jazz Teatro Libre (Bogotá, Colombia), en su edición 18.

Pedro Ibáñez, quien dirigió por muchos años el Septeto Habanero, destacó el hecho de que la pasada centuria iniciara con el son, y auguró que el siglo XXI también lo haría. El músico, fallecido el 9 de agosto de 2007, dedicó gran parte de su vida al desarrollo de ese estilo musical y mantuvo la esencia sonera desde las propuestas de la agrupación de marras.

Felipe Ferrer Caraballo, actual director, expresa que el maestro Ibáñez, "no era un director cualquiera, era muy respetado por su destacada labor. Por tanto, asumir tal responsabilidad, a mis 20 años en el grupo, ha sido un orgullo y un riesgo, pues este es un septeto de mucho nombre.

"No pienso hacer ninguna variante con respecto a lo que tradicionalmente hemos realizado, debido a que tenemos un sistema de trabajo que todos los integrantes conocen, y un sello reconocido nacional e internacionalmente".

-¿Qué ha hecho el Septeto Habanero para mantenerse en el gusto popular tanto tiempo?

-Creo que al público amante de lo tradicional le ha gustado mucho lo que hacemos. A veces nos sorprende el éxito que gozamos en determinados países. Contamos con una popularidad muy grande fuera del país, y todo gracias a que preferimos mantener esa vieja tradición sonera.

"Antiguamente no utilizábamos equipos electrónicos, todo era acústico. Sabemos que hay que evolucionar, pero sin perder la esencia y el timbre del género. Asimismo, incorporamos números de compositores nuevos a nuestra discografía para insuflar aires frescos".

PENSAR EL SON

El célebre Miguel Matamoros sentenció en una de sus canciones, que el son cubano podía gestarse desde las lomas o los llanos de la Isla. El género ha sido desarrollado en todas partes de la nación como un fenómeno genuino y endémico. Tríos, sextetos, septetos y orquestas de gran formato han sustentado esa tradición.

"El secreto parte de contar con un repertorio adecuado a los momentos actuales, que no desdeña aquella distinción de antaño", afirma Jaime Gracian, representante y autor de varios temas de la agrupación.

Asegura Gracian que un son del año 1920 no puede tener arreglos como los de entonces, "porque son otras las influencias. Lo importante es que reconozcan nuestra sonoridad. Cuando presentamos una pieza, nos gusta que el público diga: Ese es el Septeto Habanero. Y eso pasa al cantar A la loma de Belén, Cómo está Miguel, Tres lindas cubanas, Papá Montero y Elena la cumbanchera, entre otros".

Para los integrantes del Septeto, es imprescindible mantener el sello costumbrista del grupo. Autores como el fallecido Pedro Ibáñez, Emilio Moré y Ernesto González Pardo, tratan de no romper con tal principio. Gracian apunta que un cancionero tan extenso debe tener un concepto fresco y ubicado en el presente.

"Pese a que los medios audiovisuales no difundan este tipo de música, el Septeto ha sido una de las excepciones. En el último play off de béisbol, en el choque entre Industriales y Sancti Spíritus, por ejemplo, se utilizó en los cambios de las entradas nuestro tema La calle Vapor", señala.

Así lo confirma también Felipe Ferrer Caraballo. Para él la música tradicional requiere de una frecuencia sistemática en los medios y con ello garantizar que no pierda terreno frente a otros ritmos más contemporáneos.

"No vamos a echarle la culpa a los jóvenes cubanos de no escucharnos. Si no lo hacen, es porque no pueden seleccionarnos. Si omitimos algunas de las raíces de la música cubana, perdemos mucho y nos costaría retomarlas.

"Sería aconsejable abrir más espacios de presentación para estas agrupaciones, con participación en un número mayor de peñas, en centros de trabajo o estudio. De ese modo la situación sería distinta".

Mes de sinfonías

2009-11-05T09:41:00.000-08:00

Una buena nueva ya está casi al acontecer: Por segunda vez en 2009 la 
Orquesta Sinfónica de Venezuela (OSV), dirigida por el maestro Angelo
Pagliuca, vendrá a Cuba. La prestigiosa agrupación estará en la Isla del 
13 al 21 de noviembre. Está previsto que realice un recorrido por varias 
provicias del país. 
 
La OSV, que radica en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, ha querido también 
celebrae sus 80 años con este viaje. Los dos primeros conciertos serán en el 
Teatro Auditórium Amadeo Roldán de la capital. Le seguirán las actuaciones
en la Sala Dolores de Santiago de Cuba (14), Teatro Tunas de Las Tunas (17),
y Cine Teatro Ismaelillo de Holguín (21).

La emblemática orquesta impartirá talleres y clases magistrales, y
sostendrá intercambios tanto con estudiantes de la especialidad como con
músicos profesionales.

Igualmente es noticia que nuestra Sinfónica Nacional parte
para tierras nicaragüenses el 14 de noviembre, con lo que da curso a una
invitación del gobierno del país centroamericano.

La visita se produce luego de 20 años de ausencia en esos escenarios. 
La agrupación cubana llevará un programa con un 70 por ciento de música
criolla y se presentará tres veces en el Teatro Rubén Darío, además de 
que ofrecerá con ciertos en las ciudades de Chinandega y León.

Danzones, cha cha chá y mucho más

2009-10-31T14:38:00.000-07:00

Dos pasos cortos y uno más largo, el cuerpo gira hacia la izquierda y luego
a la derecha. Puede bailarse con El bodeguero o A Prado y Neptuno. Lo
cierto es que el cha cha chá resulta una danza relajante y divertida.
Así sucede con el danzón, más propio de bailarlo en pareja, o con el son
cubano. Cada uno de esos géneros ha marcado a generaciones de personas en
la Isla. Cada uno de ellos, si se les escucha bien, ha descrito épocas.
Pero estos estilos no han sido por sí mismos tangibles sin las agrupaciones
que los han interpretado. Clásicas son las sonoridades de la Aragón,
Estrellas Cubanas o la Enrique Jorrín.
Ellas han particularizado esa cubanía en canciones. Ahora un evento destaca
en La Habana los valores de las orquestas charangas. Lo han nombrado
Charangueando y desarrollará su tercera edición entre el 7 y el 8 de
noviembre.
Resulta interesante y motivador que musicólogos e investigadores se reúnan
en la Casa de Cultura de Plaza (Calzada y 8, Vedado) para “hurgar” entre
los estudios que en el país se han hecho sobre ese particular formato de
estos grupos.
Para Liliana Casanella, organizadora de la sesión teórica de Charangueando,
el evento que auspicia el Centro Provincial de la Música Ignacio Piñeiro
tiene amplias pretensiones en el rescate de estas investigaciones, las
cuales contribuirán a un mayor conocimiento de las mencionadas orquestas. 
Es que en Cuba las charangas han tenido mucha trascendencia y sobresale su
imbricación en la mayoría de los géneros de la música popular. De ahí que
grupos como la Aragón tengan en su repertorio cha cha chá, sones y
danzones, que ya son imprescindibles en cada una de sus presentaciones. 
Esa es una de las razones por las que Liliana Casanella —quien además se
desempeña como musicóloga del Centro de Investigación y Desarrollo de la
Música Cubana (CIDMUD)— da sus votos de aceptación a Charangueando. 
«Es un evento importante que tiene una convocatoria que vale la pena»,
asegura a Cubasi, mientras ofrece una panorámica de las ponencias del
espacio que organiza.
“En esta edición del Coloquio homenajearemos a las Estrellas Cubanas con un
trabajo de Ada Oviedo. También habrá una ponencia del doctor José Loyola
sobre la orquesta Aragón, y se presentará de esta última, fragmentos del
documental que rinde tributo a los 70 años de la fundación del reconocido
grupo”. 
El Centro Provincial de la Música Ignacio Piñeiro ha tomado la iniciativa
sobre un tema medular, pues en su catálogo se encuentran 11 orquestas de
este tipo. El evento es uno de los signos de persistencia de estos grupos,
tan elementales a la hora de mirar en la sonoridad nacional. 
Un buen lugar para ver las agrupaciones será el emblemático Salón Rosado de
La Tropical cuando, el 8 de noviembre próximo, entre pasillos y melodías se
hagan escuchar la Aragón, la Jorrín y Estrellas Cubanas.

Mango

2009-10-24T17:25:00.000-07:00

He estado un poco alejada del blog, pues con las celebraciones por el Día de la Cultura Cubana, el tiempo era escaso para escribirles. Pero siempre están presentes los lectores de Música Cubana. Por eso hoy les hablo de lo nuevo de Arnaldo Rodríguez: Mango (EGREM 2009). Resulta que es su cuarto disco con su grupo, el Talismán.
Arnaldo inserta el CD «dentro de la música popular actual» hecha por jóvenes. La idea partió del proyecto Mango, que está dentro de su agrupación. De ahí que en el fonograma se observa una activa presencia de los integrantes del Talismán, tanto en la composición de los temas, como en los arreglos musicales y las interpretaciones.
El disco cuenta con nueve track y los videoclip de los sencillos Profecías y Riki riki. Los textos que Arnaldo firma en solitario son La maraña y El parrandero, en los que preserva esas intenciones marcadas en su obra sobre la fusión de varios ritmos de nuestra región. En las letras trae a colación esa dosis de humor y costumbrismo que ha signado a las composiciones de la música tradicional de la Isla.
Así se evidencia en El parrandero, donde Arnaldo contagia con una melodía pegajosa; su voz conduce la historia con un estilo “rapeado” y le suceden coros como: «Quita esa cara mi niña/ tú sabes que te quiero/ a mí me gustan las fiestas/ me dicen el parrandero».
Mantienen esa línea del grupo títulos como el del guitarrista Osvaldo Montero (Me gusta), y el de la cantante Eilén Remón —quien de conjunto con el compositor Alfredo Felipe—, propone Hoy, una balada pop sobre las relaciones de pareja.
Autores Osmani Espinosa (Ni virgen ni María) y Guadalupe García y Sergio George(Ahora mando yo) también se mueven en esa diversidad de sonoridades que la agrupación enarbola.

En el diseño que hiciera Ricardo Monnar hay un uso de tonalidades verdes y amarillas, en alusión a la fruta que nombra el CD. Los colores de fondo forman un cuadro perfecto que encaja con las instantáneas tomadas por Ivian Ruiz, quien refleja en los primeros planos de las fotos la premisa de no solo mostrar al líder del grupo, sino de darle protagonismo a otros integrantes.
Me parece que Arnaldo Rodríguez ha continuado apostando por su línea armónica que ha marcado su recorrido discográfico. Mango ha sido consecuente a esos conceptos estéticos que defiende.

El Brouwer que devela un Festival en La Habana

2009-10-15T18:50:00.000-07:00

Leo Brouwer ha cumplido 70 años. Su música y su persona tienen esa lozanía de cuando era más joven. “Me gusta decir que cumplo 35 dobles”, se le oye decir a Brouwer, un hombre osado que ha tocado la guitarra con un estilo único y se ha sumergido por laberintos de la cinematografía para aportarle su visión sonora a ese arte.
Él siempre ha sido un innovador, un inquieto que a cada momento nos sorprende con algo nuevo salido de su mente, tan veloz y adelantada como la de esos genios que piensan en voz alta lo que para otros parece un imposible.
He conocido a Brouwer y no deja de sorprenderme. Todavía no consigo una entrevista suya, pero sin dudas me han dejado una estupenda impresión sus palabras a propósito del Festival de Música de Cámara que en su nombre se desarrolla en La Habana, los días 16, 17, 23 y 24 de octubre pasado.
El evento es solo un “pretexto”, según Leo, para “celebrar no solo los míos sino muchos de los grandes hitos de la Cultura cubana”. Así quiso que se festejara la obra danzaria del maestro Ramiro Guerra, la literatura de Alejo Carpentier y los aportes del musicólogo Jesús Gómez Cairo. Desea recordar también al compositor Amadeo Roldán, al músico Juan Blanco y a la Orquesta de Cámara de La Habana.
Pero son las composiciones de Brouwer el centro de este encuentro, que trata de imbricarse en otras esferas de la cultural tal y como el autor de Paisaje cubano con rumba ha hecho.
En cuatro conciertos Leo quiere que estén el pianista Chucho Valdés, la flautista Niurka González, el coro de cámara Vocal Leo, el guitarrista argentino Víctor Pellegrini y el director de orquesta español Ciro Perelló, entre otros.
Estrenos hay, es el caso de Elegías martianas -interpretado por Niurka González y María del Henar Navarro-, donde el guitarrista describe la influencia en su música del pensamiento del Héroe Nacional.
“Soy martiano por excelencia, como creo que lo es casi toda la intelectualidad cubana”, sentencia Brouwer en señal de reverencia a quien viera a América como una patria toda.
Otra novedad lo constituye la pieza Paisaje cubano con ritual, para flauta y percusión, donde el artista refleja ese sincretismo que rodea a lo cubano.
Un diagrama de composiciones que pertenecen a su edad temprana también están presente en el Festival de Música Cámara. “Nunca antes me gustaron, ahora me encantan las cosas que hice antaño. Con la edad voy perdiendo rigor”, afirma entre sonrisas sobre sus temas Homenaje a Manuel de Falla y Quinteto para guitarra, obras escritas entre los 17 y los 18 años.
Brouwer se alegra de que el evento reúna al Trío White (el violinista Alfredo Muñoz, Amparo del Riego en el chelo y María Victoria del Collado en el piano), luego de más de 20 años sin tocar juntos. “Se han vuelto a unir e hicieron un integral de mis obras para piano, violín y chelo”, expresó.
El Festival de Música de Cámara es el homenaje número 40 que se le ofrece al afamado guitarrista cubano. Antes, el 27 de septiembre último, el Auditorio Nacional de Madrid lo ovacionó. La Sociedad General de Autores y Editores de España (SGAE) también celebró el onomástico con música y ediciones de la obra de Leo. Mientras, Sao Paulo espera para rendirle tributo del 10 al 19 de diciembre venidero, en un evento que dedicará al maestro.
Estoy caminando por la ciudad de la mano de la música de Brouwer, ya dejo de ver a Leo desde las biografías que hablan de su hacer como director del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC; de sus tantas y tantas piezas escritas para los distintos instrumentos; o de su quehacer como presidente del Festival de Guitarra de La Habana.
Miro al artista y al hombre al mismo tiempo. Será, sin dudas, la entrevista que más busque. Por lo pronto me conformo con disfrutar de ese repaso del repertorio de Brouwer, que al mismo tiempo es un espejo de su propia existencia.

Un arsenal musical ahora en DVD

2009-10-10T12:28:00.000-07:00

Complazco a uno de los lectores de Música Cubana, pero sé que muchos otros disfrutan de las canciones de Buena Fe. Recientemente la banda estrenó para la prensa Buena Fe live (EGREM 2009), el DVD que pulsa los signos vitales del grupo que celebra diez años de vida en la música, entre títulos que hacen pensar, y sin dejar a un lado el romanticismo. El material audiovisual recoge el gran concierto que celebraron el 12 de agosto de 2008 cuando reunieron ante un público numeroso en la Plaza de la Revolución José Martí de La Habana.

«No ha habido mucho tiempo para andar de “vacacionista”», reflexiona Israel Rojas, voz y líder del grupo. Él sostiene que la agrupación ha mantenido las premisas de los inicios, allá en su natal Guantánamo. En esencia, han tratado (antes como dúo, actualmente como banda) de hacer crónicas de la realidad que viven, y les imprimen su sonoridad característica.

«Los postulados con los que comenzamos nuestro trabajo se han cumplido con creces. Pero ellos mismos han sido lo suficientemente fértiles como para generar nuevas estrategias de trabajo, nuevas cosas que decir», afirma Israel.

Buena Fe live toca de una forma u otra esos cinco álbumes que conforman los «pulsos» discográficos del grupo, desde Déjame entrar —el primero de los CD— hasta Catalejo. En cada tema se insiste en mostrar una manera propia de interpretar y con letras llenas de vivencias personales y situaciones cotidianas.

Ese optimismo percibido en los textos se logra porque siempre, «a la hora de la creación, es tan colectivo el trabajo, tan divertido y placentero, que uno se olvida de la trascendencia», apunta Israel.

Por eso el DVD, que se presentará en noviembre a propósito del cumpleaños del grupo y que tuvo una primicia para la prensa, ha sido «una necesidad existencial y creativa».

Así tienen que ser las cosas de estos muchachos. Ellos están seguros de que «mañana, cuando los discos ya no vendan, seguiremos haciendo producciones musicales, porque las canciones son lo que nos gusta hacer».

El proceso de filmación en la Plaza, y luego la terminación, les tomó algunos meses. La idea surgió cuando «la UJC nos propuso hacer el concierto allí. Vimos la posibilidad de realizar el DVD. Ian Padrón, quien por años ha sido nuestro amigo, se sumó para dirigirlo. Y así surgió esto que parecía loco, pero nos salió».

Dentro del DVD aparecen cuatro videoclip: Propuesta, Soñar en azul, Nacimos ángeles y Catalejo. Igualmente se añade un disco compacto con 14 sencillos. El material audiovisual cuenta con el hilo conductor de Yoel Martínez e Israel Rojas. Ellos introducen las escenas del concierto y saben tocar esa sensibilidad que puede crearse en un momento especial.

Con La Habana de fondo, ambos músicos confiesan ante la cámara que esa noche del 12 de agosto, el espíritu de José Martí estaba no solo con ellos, «sino con toda esa gente, al calor de esas canciones, compartiendo».

Otras imágenes develan ese contacto estrecho e íntimo con el público cuando se siente a La comparsa, de Lecuona, en el piano de uno de los músicos. Se tararea: Tengo un catalejo/ con él la Luna se ve, Marte se ve... La gente y los artistas baten palmas. El tema (Catalejo) cala en el auditorio. Buena Fe describe un escenario de realidades. Sus canciones son eso. Un coro se suma en la interpretación.

Las fotos de portada y contraportada de Carlos Otero Blanco también se unen a ese criterio de existencia que lleva el título del material audiovisual. En las instantáneas se palpa ese encuentro cercano entre músicos y seguidores, concepto que se extrapola al diseño del envase del DVD, hecho por Tomás Miña.

Pues es eso Buena Fe live: más que un recuento, una ruta musical en el tiempo. Con este recuento una se da cuenta que, como en la vida, la banda sobrepasa sus propias pautas y sigue, aunque diga en sus temas que hay «una bomba de tiempo» que marca la existencia, ellos no decaen porque siempre van en evolución.

* Foto: Tomada de www.buenafe.com

La onda jazzística de Harold López Nussa

2009-09-28T17:28:00.000-07:00

La otra noche me fui a un concierto. Espectacular concierto. El jazz en mi Isla tiene esas dimensiones. Escuché la propuesta de Harold López Nussa, un músico que «pisa» también otros estilos y lo hace con pasos firmes. Ya suman dos las presentaciones que en este año lo he visto y en cada una de ellas sale a flote esa versatilidad que posee el pianista.
En el escenario del Teatro América, el 14 de febrero pasado, Harold mostró su talento al acompañar a la popular cantante Omara Portuondo, en un concierto que quisieron dedicar al Día de los Enamorados.
Entre canciones románticas conocidas y otras del repertorio nacional, el piano de Harold sonaba de un modo especial acompañado de la voz entrañable de la Portuondo. Así sucedió también el 25 de septiembre último, pero esta vez López Nussa prefirió presentarse junto a su proyecto en el Teatro Auditórium Amadeo Roldán.
Allí su «tono» fue más jazzístico, una de las facetas que más desarrolla y en la que se desempeña de un modo impecable.
Acompañado en la percusión por su hermano Ruy Adrían López Nussa, en el bajo por Luis Izquierdo y en la trompeta por Maikel González, el pianista puso a consideración de los asistentes algunos de los sencillos de lo su más reciente disco, grabado en marzo en Francia, y que salió a la luz el 24 de septiembre de 2009 en el país galo.
Saudade, La jungla y Tears in heaven —un tema del norteamericano Eric Clapton—, fueron algunos de los estrenos de esa noche en la sala Roldán del coliseo habanero, donde el músico volvió a confirmarme aquella sensación de satisfacción que cuando escuché su anterior CD Canciones.
En ese volumen —editado por Producciones Colibrí y ganador en la categoría de ópera prima en la Feria Internacional Cubadisco 2008—, Harold nos recordaba baladas imprescindibles como Para Bárbara (Santiago Feliú), Para vivir (Pablo Milanés), Causas y azares (Silvio Rodríguez), Los muñecos (Ignacio Cervantes), Contigo en la distancia (César Portillo de la Luz), Olvido (Miguel Matamoros), 11 y 6 (Fito Páez), Detrás del cristal (Carlos Varela) y Felicidade (Antonio Carlos Jobim). Además, en esa ocasión puso también algo suyo con Bailando suiza, en la que se percibe tonos de latin jazz con claros referentes instrumentales nacionales como la percusión.
Tanto en la calidad de sus discos como en sus presentaciones confirmo que el recorrido musical de este joven ha ido en ascenso, pues ha merecido reconocimientos como los del Concurso Nacional Amadeo Roldán, el primer premio del Concurso Iberoamericano de Piano, el premio del público en el Solo Piano Competition del Festival de Jazz de Motreux, y el haber sido finalista en el Concurso Citá di Senigalia en Italia.
Ha colaborado además en discos como Charly en La Habana, de Carlos Sarduy, y el primer DVD de jazz en la Isla, Jazz Cuba Today.
Harold viene de una familia relacionada con el arte. Su madre fue profesora de piano, y su padre y tío son músicos. Igualmente ha estudiado música en las diferentes escuelas de arte de la capital.
No se encasilla en ningún genero y le interesa incursionar en cualquier estilo que sienta que esté hecho con seriedad. «Siempre se aprende algo nuevo nadando en distintas aguas y mi pasión por la música, no tiene límites», me confesó en una entrevista.
Lo cierto es que me agrada haber hablado de Hraold López Nussa en Música Cubana. Él es uno de esos jóvenes que, en este minuto, encabezan esa extensa lista de talentosos músicos de la Isla y que, sin dudas, continuarán el legado de tantos otros que han puesto su ingrediente en este gran aderezo que es nuestra sonoridad.
* Foto tomada del diario Granma digital.

De concierto

2009-09-23T15:36:00.000-07:00

Llevaba días sin escribir. El concierto Paz sin Fronteras absorbió casi todo mi tiempo, pero en mi mente siempre están ustedes, los lectores de Música Cubana. Fue un concierto increíble, único, y que disfruté trabajando. Me encantó que los artistas cubanos cantaran sus canciones clásicas. Adoré que los extranjeros también lo hicieran.
No les escribo largo porque sé que la mayoría disfrutó de esas especiales cinco horas de música, donde la melodía y solo la melodía, estuvo como protagonista. Espero me escriban y me comenten sobre sus vivencias de el 20 de septiembre último. Les pongo una foto en la que Juanes dialoga sobre lo que ocurriría ese domingo, pero sus palabras fueron superadas por esa emocionante presentación.

El día a día

2009-09-15T08:24:00.000-07:00

Escribir es un acto difícil, pero posible. El trabajo periodístico que ven ustedes en el papel impreso o leen en la computadora es más bien ese punto final de un largo camino, lleno de satisfacciones y también de malos ratos. Hoy quiero hablarle de mi día a día. Ese en el que voy buscando la noticia y siento ese «pálpito sobrenatural» que menciona Grabiel García Márquez, mientras hurgo en ese caudal inagotable que es la Música Cubana.

Las entrevistas son un dilema, amigos. Algunas son fáciles de conseguir otras tardan meses, sin embargo hay casi una dedicación de monje en esto de «buscar» la noticia. Me satisface el continuar escribiendo, el tener mucho por lo que todavía indagar.
Los reportajes me agradan y toman mucho tiempo reunir todo para tenerlos listo, aunque igual te dejan ese sabor a capítulo terminado. De los temas que más me han gustado, pues explotamos cada aspecto, fue Que levante la mano la guitarra, una de las primeras investigaciones que hice junto al colega José Luis Estrada Betancourt para Juventud Rebelde. Allí hablamos de la nueva trova cubana, la que hcicieron sus máximos exponentes y los jóvenes que hoy la cultivan.
Los jazzistas noveles y los estudiantes de música que obtienen premios fuera de la Isla, han sido otros de esos temas que me han cautivado. Pero falta, falta mucho por hacer.
Me pregunto de qué quisieran que escribiera en Música Cubana. Me gustaría dialogar. Ver qué géneros todavía no se develan, y juntos encontrar esa brecha que permita que estén en los medios. Ustedes son hoy dueños de mi blog hoy. Los cedo la palabra.

Una gota de rocío en la noche

2009-09-10T12:47:00.000-07:00

Hay canciones, amigos, a las que una le otorga el crédito a sus cantantes y no a sus autores. Me sucede con La era —de Silvio Rodríguez— a la que Omara Portuondo le ha puesto su alma. También Elena Burke con Ámame como soy —de Pablo Milanés—, que con voz cautivante le pone esos sentimientos que solo ella sabía.

Con Anabell López me pasa. Ella canta un tema de su hermano, que creo es justo para ella. Te amaré —le comentaba la otra noche a un amigo en el concierto de Anabell en el Teatro Mella de La Habana—, es un título de ella por interpretación.

Lo comprobé esa noche del martes último. Allí la cantante quiso mirar «su pasado» musical. Desde la escena hizo un repaso por su música, tan dada a hablar de sentimientos y cotidianidades. Me agradó que iniciara su concierto con esa frase: «y te amaré, y te amaré, y te amaréééé», que en otros tiempos se escuchara tanto en la radio cubana. No dejó de interpretar otros temas que han marcado su carrera como Domingo, Endúlzame los oídos, uno de mis preferidos, así como Acorralada, de Tanya, y La gota de rocío, de Silvio, entre otros.

Los motivos del concierto eran los de culminar una gira que la llevó por varias ciudades de la Isla. En ese recorrido promocionó su último disco Sigo aquí, que contiene sencillos como Loca por ti, Una mujer, Sálvame, Abandonada y Eres.

Según su sitio en Myspace, Anabell está influenciada por la música de su hermano y de los cubanos Donato Poveda y Pablo Milanés. también de los estadounidenses Barbra Streisand y Steve Wonder; la canadiense Celine Dion; el español Alejandro Sanz; los brasileños Iván Lins, Elis Regina, Caetano y Simone; los ingleses John Lennon, y Sting; y los reyes del pop Michael Jackson y Madonna, entre otros.

Anabell nació en la capital cubana y fue en su casa donde recibió los primeros aires musicales. Estudió guitarra clásica en la Escuela Elemental de Música Alejandro García Caturla, y luego se graduó de actuación en la Escuela Nacional de Arte. Fue miembro del movimiento de la Nueva Trova y entre sus discos podemos encontrar: En el jardín de la noche (Homenaje a Silvio y Pablo), Seguiré esperándote y Yo te invito a caminar conmigo.

Anabell es una de las voces de la canción en la Isla. Me alegra haber hablado de ella en Música Cubana.

Los sapos

2009-09-07T16:08:00.000-07:00

Hoy hago un alto al hablar de los géneros clásicos de la música de mi Isla. Me detengo en esa otra melodía que, aunque muy popular, igualmente nos perfila. Mi prima Milagros me lo sugería en los mensajes a Música Cubana. Atiendo su petición, porque realmente en el pueblo donde nací, la música también es un personaje que define como un todo a Camajuaní.

Allí, entre barrios que se disputan la corona en las parrandas (carnavales) del pueblo, suena una particular y pegajosa armonía, que arrastra a todos. Los Sapos y Los Chivos compiten cada año y cuentan con innumerables seguidores.

Se edifican carrozas a ambos lados del parque de Camajuaní y les comento que es un honor ser escogido para tal presentación. Pero lo que más me agrada es el changüí. No hay compostura con ello. Me divierte ver cómo músicos de oficio suenan la corneta, sartenes, tambores y maracas y otros instrumentos —algunos con otros usos en la vida cotidiana—, y hacen arrollar a todos.

El changüí de Los Sapos es simplemente espectacular, con su propio canto a San José, el nombre oficial del barrio. Cuántas veces arrollé por la calle del parque y bajé por la Leoncio Vidal con ese ritmo. Asumo que soy simpatizante de ese barrio, y pido perdón a quienes siguen al barrio de Santa Teresa y me leen.

Una descubre, entre los compases de esa música, que Cuba se perfila desde cada parte que cuida con celo la tradición. También desde esas nuevas ideas que muchos ya llevan a la práctica. Recuerdo con orgullo aquella comparsa de niños que el barrio de Los Sapos preparó en el año 1987 u 88. Allí, entre los extensos ensayos para que todo quedara perfecto y la confección del traje que luciría, la imagen de mi tía Bella no se me borra. Ella, con su rostro satisfecho, arrolló a mi lado cantando una de esas canciones que solo los que siguen el barrio San José saben entonar. Y yo, a tantos años del suceso, no dejo de sonrojarme y confesar que ese fue mi primer baile público, también donde canté junto a otros. Me alegro de haberlo vivido. Gracias a mi prima Milagros por ayudarme a recordarlo.

Banda Nacional de Concierto: Una singular orquesta cubana

2009-09-04T14:44:00.000-07:00

Se reúnen en un parque de La Habana cada semana. Tocan desde los clásicos cubanos hasta los universales. Son 74 músicos que buscan en cada presentación alcanzar la gloria de mostrarle a los asistentes un encuentro sin igual.
Una mira a la Banda Nacional de Conciertos de Cuba (BNC), que cumplió 110 años el pasado 15 de agosto, y se emociona. Rafael Díaz Carter, su subdirector, tampoco escapa a ese sentimiento. Él cuenta como esa institución cultural fue creada en 1899 por el cienfueguero Guillermo Tomás y de los ilustres músicos que en esa centuria de trabajo, han dejado su impronta en la Banda.
El maestro Gonzalo Roig prestigió a la agrupación en dos largas etapas. Allí se tocaron un gran número de sus composiciones como la zarzuela Cecilia Váldes ... Junto a ellas hizo adaptaciones de clásicos universales, como el final de la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky, y Rapsody in blue de George Grescwin, que han tocado acompañados de la BNC, los pianistas Frank Fernández y Huberal Herrera.
Entre los ejecutantes de la Banda se ven caras jóvenes. Egresados de las escuelas de arte cubanas le ponen la «arcilla» necesaria. También los músicos consagrados que la integran. Me agrada que el Instituto Cubano de la Música haya diseñado un proyecto para celebrar el importante onomástico de la BNC, con el cual la orquesta recorre el país en una gira nacional, de la que ya se han completado las regiones Central y Oriental.
De seguro estaré en ese especial concierto que el 19 de septiembre, la agrupación ofrecerá en el Teatro amadeo Roldán. Allí han aununciado que estarán la soprano Bárbara Llanes y el pianista Aldo López- Gavilán.
Las palabras de Rafael Díaz Carter dan esa idea de continuidad: «Nos encontramos cada viernes a las 4:00 de la tarde, en la calle Tacón, frente a la entrada del Museo de los Capitanes Generales». Y es un hecho, cuando en más de 110 ciudades de la Isla, son palpables las retretas en los parques, en La Habana una longeva institución hace lo suyo y sirve de guía.

*En la foto el prestigioso músico Gonzalo Roig.

David Blanco se adueña del tiempo

2009-09-03T17:35:00.000-07:00

He querido compartir con ustedes esta conversación. Imagino que a esta hora ya se han leído JR y pensarán:«¿Esta muchacha quiere que leamos otra vez la entrevista?. Pues no. Les contaré los pormenores de mi encuentro con David Blanco.
Lo conocí en la presentación de su disco La evolución. Un colega me lo presentó. Ya había escuchado algunos de los títulos de su disco, pero deseaba preguntarle, de cerca al autor, sobre las motivaciones como joven músico.
David es un volcán. En un momento nos pusimos de acuerdo para que antes de la gira habláramos sobre el tema en una entrevista. Al final, por cuestiones de trabajo mías, no pudimos. Pero cuando en agosto pasado su padre, su representante, me llamó para que fijáramos el día, pues decidimos que fuera el 22, pues David viajaría a Manzanillo a ofrecer unos conciertos y queríamos conversar con calma antes de la esperada presentación de hoy 4 de septiembre en la Escalinata de la Universidad de La Habana.
Creo que es un músico decidido. Defiende su punto de vista con tranquilidad. Es firme cuando le hablan de preservar la cubanía que hay en los géneros musicales, aunque los lleva a un lenguaje contemporáneo.
«Me gusta el cha cha cha y lo mezclo. No veo por qué separar las cosas. No es que se mantenga un estilo ambiguo. Es que el mundo está así en todo y no solo en la música, sino en la literatura, el cine y las modas, donde ya no hay un estilo único», me dice.
Asume como joven ese enfoque, sin embargo «no le gustaría que se perdiera la autenticidad del son, ni del genuino sonido cubano, sino que siga evolucionando».
Así es David Blanco. En escena se le ve como un hombre orquesta que, además de cantar, toca la trompeta, el piano y la guitarra. Le pregunto cómo puede. La respuesta quizá esté en esa intranquilidad que lo caracterizó en su infancia y ese ambiente de melodías que había en su casa.
«Antes de estudiar música tenía ya un violín en las manos, porque mi abuelo lo tocaba en la Sinfónica. También había un contrabajo en el que cabían cinco David. Me paraba frente al piano, tocaba la mandolina... Y eso fue impregnando en mí un gusto más físico por la música».
Empezó estudiando violín, a los siete años. Luego lo cambió por la trompeta —de la que se graduó en el conservatorio de música Amadeo Roldán—, y como instrumento complementario, nada le vino mejor que el piano, un soporte imprescindible para «ayudarme a componer».
Cómo serían aquellas canciones de los inicios. David no las conserva. «Eran comiquísimas. No quieras oírlas. Solo guardo las que comencé a hacer a partir de 1998», confiesa.
¿Pensabas en Moncada en esa fecha? «Entré porque conocía al cantante del grupo. Me dijo que buscaban a un músico que tocara varios instrumentos. Estuve con ellos dos años, pero llegó el momento en que les comuniqué que me iba a hacer mi proyecto».
No fue una situación tensa la de separarse del grupo. De hecho, tiene buenas relaciones con ellos, participa en sus conciertos y, en el último disco de la agrupación, grabó un tema que había compuesto cuando formaba parte de Moncada.
Hace ocho años se adueñó de un escenario. Desde ese tiempo hasta ahora varias canciones han llegado a la gente: El despecha’o, La pachanga, Miénteme, Bota’o en Madrid...
Ahora suenan otras que recopiló e integró en un álbum fonográfico, que lo mantuvo dos años recluido en los estudios de grabaciones. Con La evolución, de 12 temas, quiso asumir un nuevo reto, algo diferente, porque «uno va ganando más confianza».
En Ella tiene una pistola, El mundo de tus sueños, La evolución y otros sencillos, se encuentra una filosofía interesante, cierta dosis de humor mezclada con las vivencias del autor. En la sonoridad aflora ese aire genuino, aprehendido de otros estilos.
David dice que en la música «siempre van a salir todas las influencias que una persona tiene. Cuando haces una canción fluye lo que has escuchado, lo que has aprendido.
«Me gusta mantener esa picardía que tuvieron mis composiciones desde el principio. Eso que tanto se ha reflejado en la música nuestra, desde Ñico Saquito con su “cuidadito compay gallo”. Me considero un heredero de todo ello, lo que he utilizado junto a las nuevas tecnologías».
Yo soy el punto cubano me resulta una versión fiel a ese concepto del cantante. Escoger un tema que habla de la Isla, como el de Celina González y Reutilio Domínguez, provoca que lo interrogue sobre la cubanía.
«Siento que mientras más crezco, más ella prende. Ese cariño que aquí la gente siembra, aunque vaya a hacer conciertos emocionantes en otros escenarios y pegue canciones lejos, lo que hay en Cuba no lo encuentro en ningún lugar. Por eso cada vez que voy a hacer música, primero que todo, pienso en los cubanos. Y cuando me voy a otras partes, va mi público conmigo, porque ya está en mis canciones».
El mar y su ciudad son esos símbolos cotidianos que le dibujan a Cuba. «Me agrada mucho La Habana y estar en ella. A veces me aparto. Me voy a Pinar del Río y a Bejucal, el pueblo de mi padre. Escucho, en esos ratos libres, toda la música que puedo, aunque tuve una etapa de adolescente bastante radical, oyendo rock duro. Hoy encuentro igual placer en otros ritmos».
Ahora vive un momento especial. «Es cuando mejor me siento», porque su banda suena como espera. Trabaja en la actualidad «con Nailé Sosa, una baterista excelente que también colabora con X Alfonso; Iván Leyva, un gran músico que ha participado en mis dos primeros discos; Luis Durand, el sonidista que siempre nos acompaña; y Ernesto Blanco, mi hermano. Él tiene su proyecto y graba un fonograma actualmente, pero la música nos une y la sangre también».
Han pasado varios músicos en estos años. «Todos han sido muy buenos, como el baterista Emilio Veitía, la bajista Mariel Rivas y la percusionista Yaimie Carel; quienes me acompañaron en el último CD».
A David le rondan varias ideas en la cabeza. No ha tomado vacaciones en los 29 años que ha vivido. Definitivamente hará música en las próximas décadas. Creará una familia y se dedicará a producir discos. Disfrutará de esta Isla maravillosa y de la gente que la puebla.
Sueña con hacer un concierto en el que su grupo y la Sinfónica Nacional interpreten canciones suyas arregladas para ese formato, y con tocar otras que constituyen clásicos en la nación. «Algo así como lo que hizo Metálica», señala.
Esta noche David volverá a lo que sabe hacer. Hará una velada musical en la Escalinata de la Universidad de La Habana, pensando en el significado que tiene empezar un nuevo curso, y alentando a los que estudian, en esos deseos de seguir triunfando.
«Daré ese ánimo porque la música es una herramienta fuerte para transmitir sensaciones», comenta y repite esa visión de contemporaneidad con que vive y crea. David Blanco hace música de ahora, pero hurga en todo aquello que melódicamente también nos define.

Se nos fue el verano con música

2009-08-31T15:03:00.000-07:00

Tuve la oportunidad de ver todo lo que se preparaba para darle la despedida al Verano 2009. Me agradó saber que sería un cierre con la música de la Isla. No es que trate de que siempre la música esté, sino que me gusta ver que en cada momento importante se escuche esas pequeñas melodías, que como ha dicho Carlos Varela, nos ayudan a vivir.

Pues en esta ocasión la celebración fue por cuatro días en todo el país. Mientras, es muy esperado el concierto de David Blanco en la Escalinata de la Universidad de La Habana.

Quiero comentarles que el fin de semana Cuba tuvo una gran descarga de corazones y armonías. En la Tribuna Antiimperialista José Martí, la Charanga Habanera que dirige David Calzado, ofreció una velada inolvidable con temas como ese último que nos recuerda a aquella canción de los Fórmula V, Cuéntame.

Ellos, los músicos, han calificado de especial el cierre del verano. Georgia Aguirre, directora de Anacaona, le causó esa impresión el tocar el viernes en su barrio Alamar. «Estoy muy contenta de que estuviéramos en el parqueo de la Casa de Cultura. Allí, entre las canciones del muy sonado disco No lo puedo evitar, Georgia se complació de presentar en vivo títulos tan radiados como Ya no me llores.

«Estas han sido unas vacaciones con un calor fuera de lo común y los estudiantes “han cargado las pilas” para comenzar el curso escolar», asegura.

Rey Alonso, de la orquesta Pachito Alonso y los Kini Kini, afirma que julio y agosto han sido meses de contacto directo con los seguidores de la agrupación en la capital. También han aprovechado para darle algunos retoques a un álbum, que según él, dará mucho de qué hablar

«No lo hemos titulado todavía, pero será un fonograma muy variado, con reguetón, merengue, baladas… y del que ya presentamos los sencillos Pasarela y La curvita», señala el vocalista.

Ayer domingo en el Hola Ola, Los Kini Kini hicieron mover los pies a los habaneros. Desde la escena, Rey y los integrantes del grupo desearon muchas cosas buenas para este nuevo curso. A esto último se une Moisés Valle (Yumurí), quien estuvo el viernes en el anfiteatro de Marianao.

«A los jóvenes les digo que hay que prepararse, pues es necesario estudiar y cuidar la ortografía», declara el artista, recién llegado de una gira por Japón, donde compartió escena con Juan Luis Guerra y la 440 y La Orquesta de la Luz.

Yumurí puso «a guaracharrrrrrrr» a todos en la conocida pista de Marianao, con títulos de su fonograma Cubano, cubano. El músico, que no dejó de cantar Pegaíto a la tarima, Coge la botella y Cocodrilo de agua salá, exhorta a las nuevas generaciones a que en ese empeño de prepararse para el futuro, no olviden escuchar el son cubano.

En esta iniciativa de festejar el fin del verano se unieron instituciones como la Unión de Jóvenes Comunistas, el Ministerio de Cultura y el Instituto Cubano de la Música, entre otras.

La propuesta trató de abarcar la mayoría de los géneros musicales. De ahí que, junto al son, se disfrutara de la trova, la rumba y otros estilos muy populares.

Gerardo Alfonso, el All Star de la Rumba, Aguiri Yo, Gregorio Hernández Ríos (el Goyo) y Raúl Torres, figuraron en la extensa lista de músicos que se presentan en Ciudad de La Habana. En otros puntos del país aconteció lo mismo.

«Me parece una excelente oportunidad», subraya Raúl Torres. Con él coinciden todos. Para ellos este fue un buen momento para mostrar el trabajo discográfico más reciente, desear éxito en el período escolar que se avecina y disfrutar, una vez más, de la compañía de las personas que los siguen.

*Rey y Christian junto a su orquesta Pachito Alonso y los Kini Kini, estuvieron entre los músicos invitados a esta celebración.

Dayani Lozano: El pop cubano es original

2009-08-26T12:39:00.001-07:00

Dayani Lozano es una de las cantantes cubanas que se mueven con éxito por las líneas del pop. Ella fue protagonista de la primera prueba para lanzar a una figura del género en Cuba, con el CD El alma no basta.
«Fue un suceso artístico, un intento genial de la EGREM. El álbum contenía baladas bien hechas, con buenos arreglos. Lastimosamente no tuvo toda la aceptación que queríamos. Era el tiempo del boom de la salsa y el público cubano deseaba consumirla única y exclusivamente», recuerda.
Nacida en 1973, Dayani tuvo como escuelas los grupos de jazz Éxodo y de pop Arkanar, luego llamado Luz Verde. Estudió Lengua Inglesa y ha sido la música su profesión, aunque asegura que sus conocimientos del idioma le han ayudado en su carrera artística.
—Hay quienes acusan al pop de frío, epidérmico, y que evade tratar problemas sociales. ¿Cómo valoras el fenómeno?
—Aquí tiene seguidores y, como los cubanos mismos, es muy original. No creo que estemos siendo copia de nadie. Hay muchas tendencias en el pop cubano. Me gusta lo que hace Isis Flores, es desinhibida y su propuesta es más cercana al rock and roll. David Blanco está más en la línea de lo Ricky Martin, aunque tiene su propia identidad. Considero que el propio Carlos Varela hace música pop. No hay una gente que hable más de lo que ocurre en la sociedad que Varela, y con un soporte melódico muy bien elaborado.
«Es cierto que cada género tiene sus normas. Tengo un amigo compositor que dice: Si vas a hacer hip hop, aunque sea en Cuba, hay determinadas reglas que tienes que cumplir, porque la gente tiene que identificarlo así. No obstante, puedes hablar de temas profundos, dolorosos. De hecho yo he tocado algunos como la violencia doméstica. Lógicamente hay determinadas estructuras líricas que sigo para ser coherente con la melodía que interpreto, y no llegar a ser tan rebuscada ni elitista».
—¿Cuánto deben limar los solistas para impactar con sus propuestas al exigente público cubano, como lo han logrado Moneda Dura y Buena Fe?
—Moneda Dura y Buena Fe son completamente diferentes. El primero tiene una propuesta actual que me encanta. En el caso del segundo no lo concentraría entre quienes ejecutan el pop, aunque su soporte musical tenga mucho que ver con el género. Para mí ellos siempre han sido trovadores, son más irreverentes, y sus textos más profundos.
«Los solistas tenemos una manera distinta de enfrentarnos al escenario, próxima a lo más comercial de la tendencia internacional. A algunas personas les cuesta un poco de trabajo digerirlo porque estamos acostumbrados a Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. No defiendo un texto tan elaborado, aunque sí una melodía difícil de interpretar.
«Al mismo tiempo, algunos no están preparados para esta propuesta estética. La ven como algo superficial. Y simplemente es enriquecedor, pues no se trata solo de cantar, componer o velar por el modo como suena mi banda. Cuando ideo mi espectáculo, pienso en las luces, la ropa, la postura de los bailarines... Todo eso debe tener en cuenta un solista para poder llegar al público». —¿Cómo ves el desarrollo de la interpretación desde la perspectiva femenina en la Isla?
—En la música tradicional y en la popular están las más importantes. Las cantantes quieren apostar por otra propuesta, pero tampoco podemos exigirle que sean Ella Fitzgerald. Personalmente me interesa interpretar obras difíciles que me reten vocalmente, pero si mi voz no me acompañara, seguiría haciendo pop y haría cosas que fueran interesantes. Hay varios matices y cada cual sabe hasta dónde son sus posibilidades.
—¿Qué traerá la producción discográfica que preparas?
—Acrílico evidencia mi madurez para seleccionar temas y componer. Ahora estamos inmersos en la producción y hemos escogido a Juan Antonio Leyva para ello. Quiero ponerle fusión, pero debo ser cuidadosa para no perder el estilo.
«El tema que titula al disco fue compuesto por la joven instructora de arte Iranay Sánchez y por mí. Incluiré asimismo un sencillo de Jessi Suárez, un tremendísimo compositor que hay que escuchar. También habrá otros de Gisela Ruiz, más conocida por Ela. Uno de ellos es una mezcla de pop con rumba, y pienso invitar a X Alfonso para que lo grabe conmigo. Habrá otras creaciones mías como Fragilidad, un tema más acústico, donde estaré acompañada del piano. Habla de la artista cuando se cierra la puerta».
*Foto: Tomada de Prensa Latina.

Bandas de concierto: una tradición nacional

2009-08-24T14:48:00.000-07:00

Marzo último fue un mes sorprendente. Recorrí la Isla de un tirón y en cuatro días. En ese viaje por carretera, donde Cuba se me presentó como el mejor de los paisajes, tuve también la anuencia de escuchar las bandas de concierto, tan citadinas, tan tradicionales.
En nuestra nación hay varios pueblos que conservan esa institución. La cuidan con celo y es en la glorieta u otro espacio del parque de cada ciudad, a donde han emigrado las partituras de grandes de la música como Bethoveen, Verdi o Lecuona. Es el domingo la cita. El día de las retretas.

Ahora la mayoría de las bandas están conformadas por noveles artistas, aunque que hay conjuntos donde sus integrantes peinan canas, porque la Banda de Conciertos ha sido «la agrupación musical» de muchos lugares de la nación. Centenaria en algunos casos, en otros con menos años a cuestas, es actualmente una realidad en 112 ciudades del país.

Su obra llega al público sin que medien discos compactos, dispositivos digitales o la radio y la televisión. Su impacto es más cercano.

En mi periplo por Cuba, tuve la oportunidad de llegarme a Santiago, la ciudad más caribeña y sonera de la Isla. Allí, en el histórico parque Céspedes un grupo de jóvenes tocaba el criollísimo Chan Chan. Lo hacían con frescura, para que lo escuchen además en Alto Cedro y en Marcané, como decía el carismático Compay Segundo en su famosa canción. El auditorio seguro piensa que los artistas han estudiado música toda la vida, pero no, la han aprendido en solo un año en la Escuela Provincial de Bandas, y este es su concierto de graduación.

Un padre mira a la orquesta y manifiesta: «Aquel de la batería es mi hijo Carlos Rafael». Vino desde Contramaestre para verlo. Quiso presenciar el cumplimiento del viejo sueño de su muchacho: seguirle los pasos a Giraldo Piloto y Samuel Formell.

Juan Carlos Rosario Molina sabe que su crío tiene mucho que estudiar todavía. Pero ahora siente orgullo cuando pone atención a sus ejecuciones. «Él tuvo que interrumpir los estudios de preuniversitario, que casi terminaba, para matricular en la Escuela de Bandas. Sé que su vocación es la música».

Profesor universitario y amante de la sonoridad nacional, Juan Carlos ve las bandas como un «proyecto de multiplicación cultural, porque le permite a Carlos Rafael estudiar, acompañar a otros solistas y tener una motivación constante».

Todavía con el impacto de ese primer concierto público en el rostro, Carlos Rafael Rosario afirma que escogió la batería porque siempre supo que allí estaba su vocación. Le agradan la música clásica y la popular. Piensa que en su pueblo gustará el repertorio montado.

Tiene 19 años y la cabeza llena de ideas sobre cómo la orquesta puede integrarse al panorama cultural de Contramaestre. «Podemos acompañar a solistas y agrupaciones. Yo mismo tengo aparte un grupo de rock. Creo que sería muy buena idea hacer cosas clásicas entre ambos», piensa en voz alta.

En Ciego de Ávila, mientras los chicos interpretan la Damisela encantadora de Lecuona, varias cosas me impresionan en el escenario. Algunas chicas tocan instrumentos no muy comunes entre las mujeres. Osmari Carmenate, una joven de 20 años del municipio de Ciro Redondo, trató de romper esos esquemas y se decidió por la trompa.

«Te confieso que no la conocía. Cuando llegué a la escuela, la vi y me gustó. Hay otra muchacha aquí que también la toca. En la calle, al inicio, la gente me preguntaba: “Chica, ¿y ese instrumento tan raro?”. Y yo enseguida les explicaba que es muy lindo. Le tengo mucho amor. Me gustaría seguir estudiándolo».

Otra de las «notas discordantes» en escena es Yanet Arango, quien lleva la percusión en la banda junto a dos jóvenes más. Ya cumplió los 22 años, pero desde chiquita le gustaron los tambores.

«Veía a la orquesta Anacaona y me agradaba cómo tocaban. Le pongo “bomba” a la percusión, como dicen los músicos. Cuando me gradué en el pueblo me recibieron muy bien. Me apoyaron. Creo que les gustó que de mis tambores saliera música clásica, boleros, danzones.

«La primera presentación, en el Parque Martí de Ciego de Ávila, la hice con mucho nerviosismo. Pero al final todo el mundo quedó emocionado. Era el concierto de graduación y había caído tremendo aguacero, pero salió bien.

«Ahora los domingos hacemos las retretas en mi municipio, Venezuela. Me siento satisfecha, aunque sé que debo perfeccionar lo que hago. En casa estudio de tres a cuatro horas diarias. Utilizo el práctico, un soporte que me permite ejercitar sin molestar».

Al dejar a estos muchachos, una sensación me sacudía: Las bandas están cambiando el panorama sonoro de muchos lugares. Eso me agrada, porque en mi niñez, en Camajuaní, solía irme al parque con mi tía Bella, para escuchar juntas la Banda del pueblo. Allí tocaba un primo mío. Mi querida tía, al terminar los artistas siempre se les acercaba para agradecer por la música.
Casi no conocíamos a los autores de aquellas piezas, pero era magnífico escucharlos los domingos, cerca de las seis de la tarde. Entonces, Bella siempre decía: «Ojalá el tren de Santa Clara no arruine la presentación». Y suspirábamos de tanta buena música.

El Benny no es un recuerdo

2009-08-22T12:29:00.000-07:00

El Benny no es un recuerdo de la música de antaño: su genialidad lo convierte en un perpetuo contemporáneo al que los intérpretes y compositores de hoy deben acudir, trascendió en el coloquio que se desarrolló este viernes en el habanero hotel Saint John’s, a propósito del aniversario 90 del cantante.

Estudiar el pensamiento musical del Bárbaro del Ritmo es prioridad para quienes deseen sumergirse en la zona popular de nuestra sonoridad. José Reyes Fortún, destacado investigador de su obra, piensa que es esencial, sobre todo porque el Benny es «casi una figura mitológica»; el más universal de los intérpretes cubanos».

Pero para mirar al genial músico —señaló Reyes Fortún— no solo hay que hacerlo por su válida calidad vocal, sino por la extensión de su obra, que también abarcó la composición y la orquestación.

El evento tuvo como momentos especiales, paneles que develaron a Bartolomé Moré a través de las memorias de amigos, colaboradores cercanos y sus familiares.

Igualmente, hablaron el cineasta Jorge Luis Sánchez, quien dirigiera la cinta El Benny, y el actor que lo encarnó, Renny Arozarena. Los versos del poeta Roberto Fernández Retamar, leídos por Arozarena, nos devolvieron lo más trascendente de un Moré que nunca se ha ido, porque «esta voz vive más que su hombre».

El último trago será exquisito

2009-08-21T15:56:00.000-07:00

Acabo de leerme un cable de la agencia española EFE sobre la cantante Concha Buika en un concierto este jueves en Nueva York. Recuerdo su estancia en La Habana para grabar junto al maestro Chucho Valdés un disco que dará mucho de qué hablar. En la ciudad norteamericana la cantante española no olvido cantar algunos de esos temas que hicieron «vibrar» el Teatro Auditórium Amadeo Roldán en abril cuando estuvo acompañada por el célebre pianista cubano. Lo cierto es que Valdés y Buika navegaron por un bulevar de sueños mutuos en abril último en La Habana. La cantante española y el músico cubano fundieron su talento en una empresa melódica que pronto dará mucho de qué hablar. Ambos revivieron aquella metáfora delcantautor Joaquín Sabina en Por el bulevar de los sueños rotos, cuando recreó el ambiente en el que Chavela Vargas ha interpretado sus canciones. El CD El último trago causará un «terremoto». «Era una utopía grabar con el maestro Chucho Valdés. También hay mucho de glamour en hacerlo en Cuba. Lo soñaba de lejos y por la magia de la vida ha sido posible», reveló Buika en la capital cubana. La vocalista creció en una barriada gitana de Palma de Mallorca. Conoció el flamenco antes que la música pop y la folclórica de la zona donde residía. Sus padres son originarios de Guinea Ecuatorial y se exiliaron en España, donde nació Concha. Buika (2005), Mi niña Lola (2006) y Niña de fuego (2008) son sus álbumes en solitario hasta la fecha. La posibilidad de hacer un fonograma con Chucho surgió en una cena entre amigos. Pero Buika no le vio futuro a la idea, «porque soy una niña de barrio y no me parecía real». Pero después de 11 horas de trabajo en los Estudios Abdala y un producto discográfico ya casi en las manos, la incredulidad cede. Tenemos una compatibilidad grande —se apresura a afirmar Chucho—, la de las raíces africanas y españolas. «Buika las lleva a la forma de cantar el flamenco ligado con la canción», señala el pianista, y comenta que en su caso las influencias vienen de la obra de Manuel de Falla (uno de los músicos españoles más importantes del sigloXX) y de los tambores batá, cuyos toques imita cuando suena su instrumento. El creador del emblemático grupo de música popular Irakere en El último trago demuestra versatilidad, corrió a cargo de los arreglos musicales y, según sus propias palabra, trató de tocar lo que siente. Lo ha hecho antes con volúmenes junto a Pablo Milanés, Charles Aznavour, Iván Lins, Pello el Afrokán y Diego El Cigala. Igualmente le ha sucedido cuando acompañó al Ballet y a la Orquesta Sinfónica de nuestro país. «Cuando eres un sastre —dice— debes cortar la ropa a la medida de la persona y lograr que quede a su gusto. El pianista-arreglista-acompañante tiene que adaptarse a ello. Es un trabajo difícil, aunque parece que ha salido bien, porque se van satisfechos». El nuevo álbum contiene 13 sencillos y en cuatro de los cortes puede disfrutarse del excepcional dúo: la voz flamenca de Buika y el arte de tocar el piano de Chucho. En el resto los sigue el cuarteto que desde hace diez años dirige Valdés: Lázaro Rivero (bajo), Juan Carlos Rojas (batería) y Yaroldy Abreu (congas). Soledad, Las ciudades, El andariego, Somos, Se me hizo fácil, Luz de luna, Un mundo raro y Cruz de olvido, tienen la facilidad de apuntarnos al corazón, de mostrarnos que la vida gira en torno a los buenos sentimientos. En las interpretaciones no hay tristeza y en la melodía afloran elementos de la música popular, eljazz y matices afro y del país ibérico. Los músicos se han unido en algunos encuentros en España y el disco debe estar a punto de salir —según su productor Javier Limón será el 20 de octubre, señala EFE—, bajo la firma de la casadiscográfica Warner y tendrá una presentación internacional. Mientras tanto le pregunté a ambos en La Habana: ¿Qué expectativa tienen con el CD?. Chucho está satisfecho. Concha solo apuesta «por el orden natural de las cosas, principalmente porque la música no me debe nada». A la espera queda lo que los mantuvo «inquietos» en Cuba hace algún tiempo. Le han hecho una reverencia a la nonagenaria Dama de poncho rojo. Han continuado el mito de reír y llorar como Chavela Vargas, y su último trago tendrá esa exquisitez.
*La foto es tomada del diario español El País.

Rock con sabor a Rice and Beans

2009-08-19T08:44:00.000-07:00

He conocido a unos chicos increíbles. Tocan rock desde la adolescencia y le han hecho un monumento musical a los clásicos del género. En ellos una siente ese sabor cubano, aún cuando han tomado un camino melódico foráneo.
Se llaman Rice and Beans y ahora llegan con su primer disco The need to see (EGREM 2008). Varias de las canciones del álbum las mostraron el pasado sábado 15 de agosto en el sitio por excelencia del metal en estos tiempos, el Maxim Rock de La Habana.
Rice and Beans surgió en Cárdenas, Matanzas, en 1998. En su formación todavía se mantienen fundadores como el bajista Dennys Perdomo, el cantante Frank Batista y el baterista Rodim Delgado, quien además dirige el grupo. Se han sumado en un período de año y medio los guitarristas Jorge Montero e Ignacio Moreno.
Su música, catalogada por Frank, como «una onda cross over», reúne a varios estilos del metal, lo que significa que puedes escucharles «una canción fuerte con pespuntes suaves» y un largo etcétera.
La agrupación está marcada por otras que existieron en su ciudad natal en los años 90. Sin embargo, la fortaleza la han encontrado en ampliar el espectro y «escuchar mucha música y estudiarla. Creemos que es la experiencia de tantos años la que nos ha fortalecido intelectualmente». El nombre del grupo que en español se traduce como: Arroz y frijoles, lo han tomado también por esa cubanía que se encierra en un plato del arte culinario nacional. Pero en realidad , como afirman estos chicos, es para decir igualmente: «Para nada estamos avergonzados, sino orgullosos de hacer rock and roll cubano. Aunque lo hagamos en inglés».
Sobre su primer CD, The Need to see, varios temas ya eran solicitados en el concierto que ofrecieron en el Parque Jhon Lennon de La Habana, cuando cerraron las jornadas de conciertos del Caimán Rock 2009.
Kuva, su «clásico», era aclamado por el público que recibía en ese momento el disco en concreto. Mas, ahora al darle un repaso completo al volumen, medito: en Rice and Beans encontramos un estilo propio de ver al género que defienden.

Una reverencia a El Benny

2009-08-17T09:58:00.000-07:00

Aquella imagen televisiva de El Benny interpretando Te quedarás, es insustituible. Quizá el músico de Santa Isabel de las Lajas lo supo: en su voz la música cubana tomó otra dimensión, y el bolero, son o mambo, resultaron solo los matices e intenciones de su expresividad melódica.
«Benny Moré era la genialidad misma», afirman los que lo conocieron, mas imagino que su secreto más conocido era el de pensar la música desde dentro, sin academia, pero con esa intensidad tan suya para sacarla a flote.
El Bárbaro del Ritmo ha sido de esas personas que se resisten al paso del tiempo. Basta una nota de Cómo fue, Bonito y sabroso, o Mi amor fugaz, para que muchos reconozcan al intérprete. Estas líneas llevan el deseo de coincidencia con una época que no me tocó vivir. Aunque el Benny no sea la voz de mi generación o la referencia de sus textos no implique el nexo con una realidad más dada a la melodía comercial —menos acabada y en ocasiones disminuida en sus letras—, su calibre siempre es lo que más destaca dentro de lo genuinamente nacional.
Jorge Luis Sánchez lo recordaba con su película. El cineasta dijo en una entrevista publicada en el sitio web de Radio Habana Cuba, que revelando al cantor «mostraba contextos, los expresaba; armando en la conciencia del espectador la complejidad que para mí fue, y es, Benny Moré. Todo esto sin obviedad ni pose intelectual. Debía complejizarlo sin olvidarme de la sencillez, como pienso que fue».
De ahí que exista una resistencia casi mística, que no permite que sea olvidado. Es otro acto irreverente del señor del bastón y el sombrero, que cantó junto al célebre Conjunto Matamoros, Dámaso Pérez Prado, y luego creó su Jazz Band. El mismo que supo advertirnos que la música cubana tiene una exclusividad tremenda al utilizar elementos idiosincráticos, que envían al mundo un mensaje sonoro particular que gana adeptos desde el mismo momento en que se hace escuchar.
Un Bárbaro que no solo buscó el ritmo, sino al pueblo en sus textos y sus notas. Un insigne músico que según afirman los estudiosos, dejó constancia de su voz al grabar alrededor de 40 discos desde 1940 hasta 1963 —año en el que murió—, una cifra significativa para la época. Además, participó en 16 películas, 15 de ellas realizadas en México, y una coproducción entre la nación azteca y Cuba. Ese virtuoso Bartolomé Maximiliano Moré que —inquieto ante tanta premura por volver letra viva su lucidez—, puede complementar la colección particular de cualquiera, y creo que la incitación tropieza con la levedad con que algunos todavía se niegan a hurgar y ampliar sobre lo nuestro. Para la lucidez, tanto hoy como ayer, no existe resistencia. Este 24 de agosto sumarán 90 años del nacimiento del cantante. Desde inicios de 2009, la Promotora Musical que lleva su nombre, el Instituto Cubano de la Música y otras instituciones, iniciaron una jornada de recordación que incluye actividades como la gran rumba que ofrecerán al músico varias agrupaciones en el Callejón de Hamel; la inauguración de una sala de concierto en el Edificio Focsa; el coloquio Benny Moré, genio de la popularidad, en el Hotel Saint John's; las presentaciones en el Teatro América y el Salón Rosado de la Tropical, y la apertura de la exposición de arte digital Hoy como ayer, del creador Santos Toledo, en la galería del Palacio de Gobierno, en La Habana Vieja.
Todas estas acciones son validas porque como ha dicho uno de sus biógrafos José Reyes Fortún, El benny ha quedado para siempre en el espectro musical cubano. «Es para la discografía cubana la frescura de un eterno contemporáneo». Y es realmente cierto, pues aquel intérprete que cantó más boleros que sones, dueño de un estilo único, marca también el ritmo musical de nuestros días.